Trailer de "Stone"

Trailer de "Priest" (2010)

Tony Curtis (1925 – 2010)

Ha fallecido Tony Curtis a la edad de 85 años a causa de un ataque al corazón. Es curioso, pero sin ser uno de los más grandes logró firmar varias actuaciones que quedarán en nuestro recuerdo para siempre.

Está claro que Tony Curtis no era un actor de esos que eligiríamos en listas de preferidos y tampoco tiene una filmografía de relumbrón que le avale, pero hay que reconocer dos cosas: una es que era un tipo fotogénico, con percha, con ese don que sólo tienen algunos de caer bien aún haciendo de canalla (seguramente los que mejor lo supieron ver fueron Billy Wilder y Blake Edwards) y la otra es que acertó con varios títulos francamente recomendables. Por su puesto su obra cumbre y por la que más se le recordará es “Con faldas y a lo loco”, pero yo añadiría “El abrazo de la muerte” (peliculón de cine negro en la que tenía un papel secundario); “Winchester 73” (lo mismo que la anterior, pero cambiando al western); “Trapecio” (sobre el mundo del circo); “Los vikingos” (magnífica película de aventuras compartiendo protagonismo con Kirk Douglas como en la siguiente que menciono), “Espartaco” (obra clave del cine de romanos y de Stanley Kubrick); “Fugitivos” (por la que fue nominado aunque no ganó el óscar) y “La carrera del siglo” (una comedia que a mí particularmente me ha parecido siempre una delicia).

Sea como fuere ha fallecido un gran icono del cine, una estrella, un actor cuyo rostro y sonrisa pícara devoraba la atención al mirar la pantalla. Descanse en paz.

Filmografía

Fuente: wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Tony_Curtis

El abrazo de la muerte (Criss Cross) (1949) de Robert Siodmak *****
Díme con quién andas (City Across the River) (1949) de Maxwell Shane
Dirección prohibida (The Lady Gambles) (1949)
Mala hierba (Johnny Stool Pigeon) (1949) de William Castle
How to Smuggle a Hernia Across the Border (1949)
Bodas sangrientas (Woman in Hiding) (1950)
Mi mula Francis (Francis) (1950) de Arthur Lubin
I Was a Shoplifter (1950)
Sierra (1950)
Winchester '73 (1950) de Anthony Mann *****
Kansas Raiders (1950)
Su alteza el ladrón (The Prince Who Was a Thief) (1951) de Rudolph Maté
Meet Danny Wilson (1952)
Flesh and Fury (1952)
No Room for the Groom (1952)
El hijo de Alí Babá (Son of Ali Baba) (1952)
El gran Houdini (Houdini) (1953) de George Marshall
The All-American (1953)
Forbidden (1953)
Beachhead (1954) de George Marshall
Johnny Dark (1954)
Coraza negra(The Black Shield of Falworth) (1954) de Rudolph Maté
Atraco sin huellas (Six Bridges to Cross) (1955) de Joseph Pevney
So This Is Paris (1955)
The Purple Mask (1955) de H. Bruce Humberstone
The Rawhide Years (1955) de Rudolph Mat
The Square Jungle (1955)
Trapecio (Trapeze) (1956) de Carol Reed ****
El temible Mr. Cory (Mister Cory) (1957) de Blake Edwards
Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success) (1957) de Alexander Mackendrick
El rastro del asesino (The Midnight Story) (1957)
Los vikingos (The Vikings) (1958) de Richard Fleischer *****
Cenizas bajo el sol (Kings Go Forth) (1958) de Delmer Daves
Fugitivos (The Defiant Ones) (1958) de Stanley Kramer *****
Vacaciones sin novia(The Perfect Furlough) (1958) de Blake Edwards
Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot) (1959) de Billy Wilder OBRA MAESTRA
Operación Pacífico (Operation Petticoat) (1959) de Blake Edwards ****
¿Quién era esa chica? (Who Was That Lady?) (1960) de George Sidney
Perdidos en la gran ciudad (The Rat Race) (1960)
Espartaco (Spartacus) (1960) de Stanley Kubrick *****
Pepe (1960) de George Sidney
El gran impostor (The Great Impostor) (1961) de Robert Mulligan
El sexto héroe (The Outsider) (1961)
Taras Bulba (1962) de J. Lee Thompson
Soltero en apuros (40 Pounds of Trouble) (1962) de Norman Jewison
El último de la lista (The List of Adrian Messenger) (1963) de John Huston
Capitán Newman (Captain Newman, M.D.) (1963) de David Miller
Encuentro en París (Paris, When It Sizzles) (1964)
Salvaje y encantadora (Wild and Wonderful) (1964)
Adiós Charlie (Goodbye Charlie) (1964) de Vincente Minnelli
La pícara soltera (Sex and the Single Girl) (1964) de Richard Quine
La Carrera del Siglo (The Great Race) (1965) de Blake Edwards *****
Boeing Boeing (1965) de John Rich
La cámara de los horrores (Chamber of Horrors) (1966)
¡Bromas con mi mujer, No! (Not with My Wife, You Don't!) (1966) de Norman Panama
Arrivederci, Baby! (1966)
No hagan olas (Don't Make Waves) (1967) de Alexander Mackendrick
On My Way to the Crusades, I Met a Girl Who... (1968)
El estrangulador de Boston (The Boston Strangler) (1968) de Richard Fleischer ***
Monte Carlo or Bust (1969) de Ken Annakin
Bajo cualquier bandera (You Can't Win 'Em All) (1970)
Esta noche nos vamos de guerra (Suppose They Gave a War and Nobody Came?) (1970) de Hy Averback
Mission: Monte Carlo (1974)
Lepke (1975) de Menahem Golan
El conde de Montecristo (The count of Monte-cristo) (1975) de David Greene
London Conspiracy (1976)
El último magnate (The Last Tycoon) (1976) de Elia Kazan ***
Casanova & Co. (1977)
Sextette (1978)
The Manitou (1978)
The Bad News Bears Go to Japan (1978)
Double Take (1979)
Title Shot (1979)
El truhán y su prenda (Little Miss Marker) (1980) de Walter Bernstein
It Rained All Night the Day I Left (1980)
Espejo roto (The Mirror Crack'd) (1980) de Guy Hamilton
The Scarlett O'Hara War (1980)
Othello, the Black Commando (1982)
Where Is Parsifal? (1983)
BrainWaves (1983)
The Fantasy Film Worlds of George Pal (1985) (documental)
Club Life (1985) de Norman Thaddeus Vane
Insignificance (1985) de Nicholas Roeg
The Last of Philip Banter (1986)
Balboa (1986)
The Passenger - Welcome to Germany (1988)
Lobster Man From Mars (1989) de Stanley Sheff
Midnight (1989)
Walter & Carlo In America (1989)
Prime Target (1991)
Center of the Web (1992)
Hugh Hefner: Once Upon a Time (1992) (documental)
Desnudo en Nueva York (Naked in New York) (1993) de Daniel Algrant
The Mummy Lives (1993)
A Century of Cinema (1994) (documental)
The Immortals (1995) de Brian Grant
The Celluloid Closet (1995) (documental)
Hardball (1997)
Brittle Glory (1997) de Stewart Schill
Alien X Factor (1997)
Stargames (1998)
Louis & Frank (1998) de Alexandre Rockwell
Play It to the Bone (1999)
Reflections of Evil (2002) (narrador)
Where's Marty? (2006)
Funny Money (2007)
The Blacksmith and the Carpenter (2007) (voz)
David & Fatima (2008)
The Jill & Tony Curtis Story (2008) (documental)

Trailer de "True grit" (2010)

Grandes escenas - Bruce Willis cantando en "Luz de luna" (1988)

Trailer de "También la lluvia" (2010)

"También la lluvia" de Icíar Bollaín ha sido la elegida para representar a España en los próximos óscars tras imponernse en las votaciones de la Academia española a "Celda 211" y a "Lope".

“El americano” (Anton Corbijn, 2010)

****
Título original: The American.
País: EEUU.
Duración: 105 min.
Género: Thriller.
Interpretación: George Clooney (Jack), Violante Placido (Clara), Thekla Reuten (Mathilde), Paolo Bonacelli (padre Benedetto).
Guión: Rowan Joffe; basado en la novela “A very private gentleman” de Martin Booth.
Producción: Anne Carey, George Clooney, Ann Wingate, Jill Green y Grant Heslov. Música: Herbert Grönemeyer.
Fotografía: Martin Ruhe.
Montaje: Andrew Hulme.
Diseño de producción: Mark Digby.
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Distribuidora: Universal Pictures International Spain.
Estreno en USA: 1 Septiembre 2010.
Estreno en España: 17 Septiembre 2010.

A parte de para hablar de cine, creo que estas reseñas que hago deben servir para que quien se fíe de mi buen o mal juicio decida si una película en cuestión le interesa o no. En esta ocasión creo que es importante advertir que quien quiera ver una película de acción, con un ritmo trepidante y la adrenalina desbocada ésta NO es la película que quiere ver.

Dicho lo dicho hay que reconocer que “El americano” es una película arriesgada, peculiar, con su propio estilo, con una identidad propia, es decir, está en las antípodas del cine comercial que hacen como churros los grande estudios y se sitúa de alguna manera al otro lado del espectro de lo que Steven Soderbergh ha hecho con la saga de “Ocean’s eleven” y hago la comparación porque en ambas aparece George Clooney y porque, dada su condición de director “todoterreno”, seguramente a Soderbergh le hubiera encantado firmar este “El americano”.

El comienzo, unos minutos de presentación antes de los créditos iniciales, es ya una declaración de estilo. El director holandés Antón Corbijn, creador de algunos videos destacados de grupos como U2, Coldplay o Depeche Mode parece ya advertirnos de que no estamos ante una película de acción y suspense al uso. Ya la cámara ralentiza las tomas, el silencio se reduce a lo mínimo desapareciendo la banda sonora y somos testigos de un preámbulo en el que no se explica demasiado, pero que resulta impactante y efectivo y que nos obliga ya a participar en el relato ¿quién es Jack? (el personaje de George Clooney) y ¿por qué actúa como lo hace? No nos lo van a explicar claramente, así que ya podemos espabilar para deducirlo.

Yo sí os avanzo que Jack es un asesino norteamericano a sueldo de la mafia italiana de avanzada edad ya para su oficio que se encuentra en Europa llevando a cabo sus últimos trabajos y con la aspiración de retirarse. El resto hay que descubrirlo viéndola, pero avanzo que tiene más de drama personal y suspense que de película de acción.

La productora independiente Focus Pictures ha querido retornar de algún modo a ciertas películas de los 60’s y 70’s como “Bullit” o “La conversación” (incluso a los westerns de Sergio Leone, atentos al homenaje a “Hasta que llegó su hora”) y desarrolla de manera minuciosa y realista un argumento que se concentra en unos días únicamente en los que podemos comprender la soledad en la que vive Jack, lo complicado y distinto del ambiente en que se mueve, el estado de alerta perpetuo y obsesivo en el que se encuentra, lo detallista que es trabajando....Las escenas avanzan tomándose su tiempo, la película es lenta, sí, pero no aburrida (al menos para mí no lo es, hay muchos detalles en los que fijarse y ninguna toma es superflua, ni siquiera aquellas en las que se ve como va montando minuciosamente sus armas) y la ambientación, la atmósfera de suspense del relato tienen también su importancia. Jack se mueve por pueblos italianos, poblados por gentes rurales, pero la amenaza se encuentra escondida detrás de cada esquina y cada persona con la que se relaciona. Cada diálogo, cada silencio, cada mirada y cada detalle visual o auditivo puede tener su importancia.

Me gusta especialmente como el director y la interpretación de George Clooney hacen que se cree la tensión precisa para que la película interese y eso aún cuando lo que caracteriza a Jack es su frialdad, su comportamiento aséptico, en realidad actúa lo mínimo en imprescindible y mientras tanto se oculta en las sombras. Podríamos decir que es un personaje distante y gélido como un témpano de hielo, como corresponde a su profesión, pero en el fondo está cansado de serlo y de pronto surge una posibilidad para empezar de cero. En ese sentido, ese drama personal, me ha recordado al de Robert de Niro en “Heat”. De pronto, un asesino, un criminal despiadado nos gana, lo comprendemos y deseamos su redención. Es el milagro del cine bien hecho. Ya digo, tanto George Clooney como el director tienen mucha culpa de este “milagro”.

También hay que destacar que esta es una película atípica en la que no se narra, no se explica y no se nos da una visión omnisciente de lo que está pasando. Vemos, oímos y sentimos lo que ve, oye y siente Jack, asistimos a lo que hace y a lo que le pasa, por así decirlo somos él o le acompañamos así que no nos queda más remedio que intuir lo que pasa, deducirlo y extraer nuestras propias conclusiones. Hay una suerte de suspense en todo ello que convierte a la película en un puzzle y hay espectadores a los que les gusta ese tipo de reto (a mí por ejemplo).

Pienso que sí podría haberse logrado una mayor carga emotiva en el relato, pero seguramente no es lo que querían filmar, por lo tanto la película es lo que es, una rara avis cuyo estilo encandilará a unos y dejará indiferentes a otros, pero en cualquier caso resulta una propuesta atípica y muy particular, una película a contracorriente.....y ya sabemos qué pasa con este tipo de películas, quizás no sean un éxito en taquilla, pero terminan convirtiéndose en filmes de culto. George Clooney me parece (no sólo por esto) un gran actor y también un tipo muy inteligente.

VIDEOS MUSICALES DE ANTON CORBIJN:

COLDPLAY: VIVA LA VIDA (SEGUNDA VERSION) (2008)
DAVID SYLVIAN RED GUITAR (1984)
DEPECHE MODE BEHIND THE WHEEL. ((1987)
DEPECHE MODE: ENJOY THE SILENCE (1990)
DEPECHE MODE: WALKING IN MY SHOES (1993)
ECHO AND THE BUNNYMEN SEVEN SEAS (1984)
GOLDEN EARRING QUIET EYES (1986)
HERBERT GRONEMEYER: BLEIBT ALLES ANDERS
HERBERT GRONEMEYER: MENSCH
JONI MITCHELL & PETER GABRIEL MY SECRET PLACE. (1988)
JOSEPH ARTHUR: IN THE SUN (2000)
JOY DIVISION ATMOSPHERE (1988)
MERCURY REV: OPUS 40 (1999)
METALLICA: MAMA SAID (1996)
NICK CAVE AND THE BAD SEEDS: STRAIGHT TO YOU (1992)
NIRVANA: HEART HEART SHAPED BOX (1993)
PROPAGANDA DR. MABUSE. (1984)
THE KILLERS: ALL THESE THINGS THAT I´VE DONE (2005)
TRAVIS: RE-OFFENDER (2003)
U2: ELECTRICAL STORM (2002)
U2: ONE (1992)

Grandes escenas - Baile de Travolta y Thurman en "Pulp fiction"

Grandes escenas - Baile de Jamie Lee Curtis en "Mentiras arriesgadas"

Grandes escenas - Comienzo de Star Wars IV

Trailer de "Boardwalk empire" (TV)

Trailer de "Buried" (enterrado) (2010)

¡¡¡OJO!!!! No es que no haya imagen, hay que ver hasta el final

Trailer de "Legend of the guardians" (2010)

Trailer de "The kids are alright" (2010)

Trailer de "Another year" (2010)

Trailer de "The Fighter" (2010)

Claude Chabrol (1930-2010)

Me sonroja un poco admitirlo, pero sólo he visto una película de Claude Chabrol, “No va más” lo que no sé si es tanto un debe mío o más bien de las televisiones y de la educación cultural que existe en España. Sí tengo claro que si yo he visto una película de este director es difícil que alguien que naciera en los ochenta o después y no sea cinéfilo, curioso y rata de videoclub, haya visto muchas más.

Chabrol es una personalidad del mundo del cine, sobretodo en el país vecino y en los libros de historia del cine por haber pertenecido al pequeño grupo que formó la Nouvelle Vague bajo los auspicios de Andre Bazin y desde la revista “Cahiers du cinema”, pero eso no significa que haya sido un director conocido por el gran público fuera de su país.

Ante todo Claude Chabrol fue un crítico, como sus “compinches” también directores a la postre, Jean Luc Goddard, FranÇoiss Truffaut, Jacques Rivette, Eric Rohmer, etc así que su cine parte de ideas muy claras, tal y como se indica en la wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Chabrol):

El ideal sería que la forma de una película manifestara para todos la esencia, pero es evidente que esto nunca pasa. Los personajes y la intriga existen sólo para suscitar el interés del espectador, ya sea porque recobran lo que ya conoce, o porque le proponen aventurarse por un nuevo terreno. Pero lo que da forma a una película es siempre la construcción: es decir, todo lo referente al ritmo, la armonía de la forma escrita —la conexión entre las escenas— y el conjunto de señales que se disponen para que puedan comprenderse sin ambigüedad. La clave que permite pasar de la bidimensionalidad de la pantalla a la esencia de la película se encuentra sobre todo en la construcción.

Defiendo las tramas simples con personajes complicados

Si hacemos caso de la IMDB sus películas clave serían “Accidente sin huella”, “Un asunto de mujeres”, “La ruptura”, “La ceremonia”, “La mujer infiel”, “La ruptura”

1958 El bello Sergio ("Le Beau Serge")
1959 Una doble vida ("À double tour")
1959 Los primos ("Les Cousins")
1960 Les Bonnes Femmes
1961 Les Godelureaux
1961 Les Sept Péchés capitaux (sketch L'avarice)
1962 L'Œil du Malin
1962 Ofelia ("Ophelia")
1962 Landrú ("Landru")
1963 Las más famosas estafas del mundo
1964 El tigre ("Le Tigre aime la chair fraîche")
1965 París visto por... ("Paris vu par...") (sketch La muda)
1965 María Chantal contra el doctor Kha ("Marie-Chantal contre docteur Kha")
1965 El tigre se perfuma con dinamita ("Le Tigre se parfume à la dynamite")
1966 La Ligne de démarcation
1967 Campaña para un asesino ("Le Scandale")
1967 La ruta de Corinto ("La Route de Corinthe")
1968 Las ciervas ("Les Biches")
1968 La mujer infiel ("La Femme infidèle")
1969 Accidente sin huella ("Que la bête meure")
1969 El carnicero ("Le Boucher")
1970 La ruptura ("La Rupture")
1971 Al anochecer ("Juste avant la nuit")
1971 La década prodigiosa ("La Décade prodigieuse")
1972 Doctor Casanova ("Docteur Popaul")
1973 Relaciones sangrientas ("Les Noces rouges")
1973 Nada
1974 Una fiesta de placer ("Une Partie de plaisir")
1975 Inocentes con manos sucias ("Les Innocents aux mains sales")
1975 Les Magiciens
1976 Locuras de un matrimonio burgués ("Folies bourgeoises")
1977 Alicia o la última fuga ("Alice ou la Dernière Fugue")
1977 Laberinto mortal ("Les Liens de sang")
1978 Violette Nozière
1980 El caballo del orgullo ("Le Cheval d'orgueil")
1982 Los fantasmas del sombrerero("Les Fantômes du chapelier")
1983 Le Sang des autres
1984 Pollo al vinagre ("Poulet au vinaigre")
1986 Inspecteur Lavardin
1987 Masques
1987 El grito de la lechuza ("Le Cri du hibou")
1988 Un asunto de mujeres ("Une Affaire de femmes")
1990 Días tranquilos en Clichy ("Jours Tranquilles à Clichy")
1990 Doctor M ("Docteur M")
1991 Madame Bovary
1992 Betty
1994 El infierno ("L'Enfer")
1995 La ceremonia ("La Cérémonie")
1997 No va más ("Ríen ne va plus")
1999 En el corazón de la mentira ("Au Cœur du mensonge")
2000 Gracias por el chocolate ("Merci pour le chocolat")
2003 La flor del mal ("La Fleur du mal")
2004 La dama de honor ("La Demoiselle d'Honneur")
2006 Borrachera de poder ("L'Ivresse du Pouvoir")
2007 Una chica cortada en dos ("La Fille Coupée en Deux")
2009 Bellamy (Bellamy)

Trailer de "Los pilares de la tierra" (serie de TV)

Trailer de "The walking dead" (serie de TV)

Trailer de "The town" (Ben Affleck, 2010)

Trailer de "Hereafter" (Clint Eastwood, 2010)

Grandes escenas - Reunión terapéutica en "Alguien voló sobre el nido del cuco"

Grandes escenas - Las escaleras de Odesa en "El acorazado Potemkin"

"Descubriendo nunca jamás" (Marc Forster, 2004)

****
Países: Reino Unido y USA.
Duración: 106 min.
Género: Drama.
Interpretación: Johnny Depp (Sir J.M. Barrie), Kate Winslet (Sylvia Llewelyn Davies), Julie Christie (Emma du Maurier), Radha Mitchell (Mary Ansell Barrie), Dustin Hoffman (Charles Frohman), Eileen Essell (Sra. Snow), Freddie Highmore (Peter Llewelyn Davies), Joe Prospero (Jack Llewelyn Davies), Nicholas Roud (George Llewelyn Davies), Luke Spill (Michael Llewelyn Davies), Ian Hart (Sir Arthur Conan Doyle), Kelly Macdonald (Peter Pan).
Guión: David Magee; basado en la obra "The man who was Peter Pan" de Allan Knee.
Producción: Richard N. Gladstein y Nellie Bellflower.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Fotografía: Roberto Schaefer.
Montaje: Matt Chessé.

Escuchar un poco de la banda sonora de corte clásico de Jan A. P. Kaczmarek y ver alguna fotografía de la cuidada ambientación de esta película debe bastar para poner sobre aviso de qué se va a encontrar uno en ella, dado que se da por hecho que todo el mundo sabe, y más con su título, que trata sobre el creador de "Peter Pan". Y justo lo que uno espera es lo que uno encuentra, lo cual es al mismo tiempo virtud y defecto en este caso.
Marc Forster, el director de la durísima "Monster´s ball" con la que Halle Barry ganó su óscar fue reclutado hace ya nada menos que tres años por la productora Miramax para dirigir esta película, en la que se tenían puestas muchas esperanzas de cara a los óscars; pero su estreno iba a coincidir con el de la versión de "Peter Pan" del australiano Paul J. Hogan (un injusto fracaso de taquilla todo sea dicho) y los herederos de J. M. Barrie pensaron que era mejor que las dos películas no coincidieran en cartel (cosa que tampoco era un problema dado que aquella se centraba en la historia de la obra y ésta reproduce el mundo creativo del autor y poco o nada tienen que ver). Así su estreno se produjo hace unos meses en Estados Unidos aspirando a entrar entre las películas de los óscars, cosa que ha conseguido dado que el 2004 ha sido un año bastante flojo en la industria cinematográfica estadounidense, aunque la película tiene sus virtudes.

Lo más peculiar de "Descubriendo Nunca Jamás"es que tiene justo el tono que no cabía esperar en un director como Marc Forster, caracterizado por dirigir títulos de una notable crudeza argumental. Es una película plácida, delicada, refinada. La música es de corte clásico, habla sobre el mundillo del teatro, la fotografía es colorista y bella, la ambientación muy cuidada y los protagonistas Johnny Deep y Kate Winslet, dos actores con un fabuloso poder para atrapar nuestro interés...la película idal para un público que busque en el cine una visión más amable que la realidad y un toque de qualité por así decirlo. Aunque de la vida de Barrie podría haberse hecho un guión intensamente dramático, Forster (aunque mejor cabría decir Miramax) la resuelve con un tono amable y apostando por el buen gusto mucho más que por lo truculento. En manos de otra productora (que no otro director porque Marc Forster es capaz de hacerlo), la historia de James M. Barrie podría haberse convertido en una sucesión de tragedias y en una película angustiosa, pero no conviene salpicar de lágrimas y desazón la historia del tipo que creó uno de los iconos más importantes de la imaginación infantil de nuestro tiempo o quizás sí, pero nunca cuando lo que se persiguen son estatuillas doradas (Por cierto, esta película tiene un cierto aire que me recuerda mucho a "Shakespeare enamorado", salvando las distancias claro está). Sin duda es una película edulcorada y por ello mismo poco veraz, ajena a modos y formas del cine actual, escasamente realista, pero el cine fue así durante mucho tiempo y me temo para quien no le guste que se trataba de eso, que hay un público que quiere y necesita este tipo de películas.
Lo que sí puede que nos birle la forma en que está hecha esta película es la oportunidad de conocer a fondo el drama de Barrie y los porqués de su creatividad. Se me ocurre que quizás quien recurre a un mundo imaginario es porque su realidad no le gusta y eso no está bien explicado del todo en la película. No se muestra en ella sino un pequeño fragmento de la vida de James M. Barrie, la del proceso creativo que dio a luz "Peter Pan"; pero se eluden o se pasan muy por encima todos los aspectos menos agradables que rodearon su vida como las acusaciones que vertieron contra él por pederastia (sólo hay una breve insinuación que después se olvida) o los finales trágicos de los niños que adoptó ya que George murió en la primera guerra mundial, Michael se suicidó junto a un amigo homosexual lanzándose a un lago helado, Margaret (la Wendy de la obra, que no aparece en la película) murió a los seis años y Peter se suicidó arrojándose a las vías del tren tras la muerte de su hermano Jack y repudiando el papel que Barrie le había concedido en su obra...toda una pesadilla vamos.

La factura y el propósito son plausibles porque la película es de grata visión y cumple su propósito de contagiar en el espectador la idea de que la imaginación puede ser poderosa y que no es un privilegio de la infancia, pero a nivel dramático el planteamiento propuesto desde producción cercena las posibilidades argumentales que tenía y las reduce al máximo y ello puede ser válido para un sector del público pero no para los que esperábamos que se hubiera aprovechado mejor la idea de partida. Así y con todo Forster aprovecha bastante bien las posibilidades que tenía y saca provecho de los personajes merced a un más que buen trabajo de los actores y en especial de Johnny Deep, Kate Winslet y el chaval Freddie Highmore. Éste atesora las escenas más emocionantes de la película gracias a su expresión abatida y a esos ojos cargados de tristeza. Quiero destacar al respecto varios momentos que sí me han emocionado como pretendían y que me parecen lo mejor de la película: la escena en que Peter se presenta solo ante Barrie en el parque para decirle que no van a acudir a la cita, el momento en que rompe el escenario de la obra que había escrito, su confesión al final de la exitosa representación de "Peter Pan" en la que revela en quién se basó Barrie para crear al personaje protagonista y sobretodo, esa escena final que me puso los cangelos de corbata merced a esa mirada y esos ojos que tiene el chaval. Por su parte Johnny Deep hace gala de una interpretación comedida y contenida que es diametralmente opuesta a la que le concedió una nominación como secundario haciendo de Jack Sparrow en "Piratas del Caribe", y que resulta acertada pero no más extraordinaria que la de Kate Winslet, que sí está francamente bien como señora Llewelyn Davies.
Lo cierto es que son muy contradictorias las sensaciones que produce esta película ya que, reconociendo que no está mal, no termina de convencer del todo y aunque seguramente sí es una de las mejores películas del año, no es uno de esos títulos que permanecen en nuestro recuerdo. La impresión que tuve al salir de verla fue buena, pero ha ido perdiendo peso conforme la he ido mascando un poco y aunque es recomendable no creo que guste a todo el mundo por igual y desde luego a poca gente le fascinará. Y sin embargo considero que este tipo de película es muy necesaria y deberían hacerse más en la misma línea o similiar porque es conveniente que haya registros para todos los gustos. Es posible que lo que moleste sea que Miramax no haya sido más valiente. El castigado ha sido Marc Forster, que no ha sido nominado como mejor director en los óscars.

Trailer de "Harry Potter and the deathly hallows part one"

Grandes escenas - Bombardeo de las Walkirias de "Apocalypse now"

Trailer de "Wall street, el dinero nunca duerme" (2010)

Trailer de "127 hours" (2010)

Trailer de "Black swan" (2010)

Grandes escenas - La estanquera de "Amarcord"

Trailer de "Amador" (2010)

Trailer de "Lope" (2010)

“The karate kid” (Harald Zwart, 2010)

***
Países: USA y China.
Duración: 140 min.
Género: Acción, artes marciales, drama.
Interpretación: Jackie Chan (Sr. Han), Jaden Smith (Dre Parker), Taraji P. Henson (Sherry).
Guión: Christopher Murphey; basado en un argumento de Robert Mark Kamen.
Producción: Jerry Weintraub, Will Smith, Jada Pinkett Smith, James Lassiter y Ken Stovitz.
Música: James Horner.
Fotografía: Roger Pratt.
Montaje: Joel Negron.
Diseño de producción: François Séguin.
Vestuario: Han Feng.
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.
Estreno en USA: 11 Junio 2010.
Estreno en España: 27 Agosto 2010.

Han pasado 26 años desde que Ralph Macchio hiciera la película de su vida y un montón de chavalillos anduviéramos puliendo cera y dando patadas al aire a la pata coja ¿Quién lo diría? El primer “Karate kid” se estrenó en 1984 y fue un bombazo sobretodo entre el público infantil y juvenil porque su director, John G. Avildsen, fue muy cuco y se sacó de la chistera una reformulación en clave adolescente de su mayor éxito, “Rocky” para hacer “magia” en la taquilla y embolsarse unos cuantos dólares. Evidentemente aquel primer “Karate kid” era un producto esencialmente comercial, pero tenía e incluso hoy sigue teniendo su encanto.

Ahora ha sido Will Smith, de acuerdo con su mujer Jada Pinkett Smith quienes han puesto en marcha un remake muy inteligente para ir lanzando la carrera cinematográfica del hijo de ambos, Jaden (lo pudimos ver anteriormente en la emotiva “En busca de la felicidad” junto a su padre). Si algo queda claro es que Will Smith sabe muy bien lo que se hace, su trayectoria le avala y los proyectos en los que se embarca suelen salirle bien a todos los niveles, así que por qué no echar una mano a su peque y lo mejor es que, como es un tipo que nos cae francamente bien (¿hay alguien a quien caiga mal Will Smith?) hasta nos alegramos de que así sea. La guinda de la promoción la pusieron padres e hijos junto a Jackie Chan (otro que cae de maravilla) el pasado 27 de agosto en el programa “El hormiguero” con Pablo Motos y si alguien tenía dudas sobre si ver o no la película, se le quitaron por pura empatía, tras una emisión que tuvo altísimos índices de audiencia.



Vista la película, refrendar que es para los chavales de ahora lo que en su día fue el primer Karate Kid, con algunas ventajas: manteniendo las virtudes de la película de John G. Avildsen, es además una película visualmente atractiva gracias al desarrollo del argumento en China (lograron filmar incluso en la Ciudad Prohibida y La Gran Muralla, cosa que no ocurría desde hace muchísimos años y para lo que parece que fue esencial Jackie Chan); está muy bien desarrollada y logra mantener el interés de principio a fin; cuenta argumentalmente con más temas de fondo como la adaptación a una cultura distinta, las relaciones madre-hijo o niño estadounidense-niña china; la violencia escolar y el poso dramático del pasado del personaje de Jackie Chan (Sr. Han) y, además de todo ello estoy convencido que Jaden Smith y Jackie Chan empatizan con el espectador mucho más de lo que en su día lo hacían Ralph Macchio y Pat Morita (aunque ojo porque Morita fue nominado al óscar como mejor secundario, a ver si también lo consigue Jackie Chan).



Viéndolo con perspectiva cinematográfico-empresarial el matrimonio Smith se apunta un gran tanto. Dirige y controla los comienzos del retoño y además se asegura un éxito comercial. Si te gustó The Karate Kid, te va a gustar esta película y si la ves es muy probable que te lleves a tus hijos o que la recomiendes a la chavalería, así que la taquilla está más que asegurada. Lo dicho, Will Smith sabe muy bien lo que se hace.

La historia es más bien simple, trata de un chaval de Detroit que va con su madre a vivir a China y que en su proceso de adaptación choca con el matón del cole, contra el que habrá de competir en un torneo de Karate. Argumentalmente es una película simplona, pero lo que importa en ella es su capacidad para entretener y emocionar y en eso el equipo al completo es una garantía. Ya lo esperábamos de Will Smith, un maestro en eso de hacernos reír, entretenernos o enternecernos y lo intuíamos de Jaden, pero la sorpresa en esta ocasión es que Jackie Chan se pone serio y también lo hace muy bien.

Creo que es una película que merece verse, no defrauda, cumple y te hace sonreír, soltar la lagrimita y emocionarte. Hay que ir al cine a verla, Will Smith lo merece, Jaden Smith lo merece y Jackie Chan lo merece.

“Porky’s” (Bob Clark, 1982)

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Título original: Porky´s
País: EEUU, Canadá
Género: Comedia juveil
Duración: 94
Guión: Bob Clark
Fotografía: Paul Zaza e Carl Zittrer
Música: Reginald H. Morris
Producción: Don Carmody, Bob Clark
Distribuidora: Twentieth Century Fox
Reparto: Dan Monahan (Pee Wee), Mark Herrier (Billy), Wyatt Knight (Tommy), Roger Wilson (Mickey), Cyril O’Reilly (Tim), Tony Ganios (Meat), Kaki Hunter (Wendy), Kim Cattrall (Honeywell), Nancy Parsons (Balbricker), Scott Colomby (Brian Schwartz), Boyd Gaines (Coach Brakett), Doug McGrath (Coach Warren), Susan Clark (Cherry Forever), Art Hindle (Ted Jarvis), Wayne Maunder (Cavanaugh)....


Recientemente he revisitado “Porky’s”, una película de los 80’s de las que podríamos llamar “gamberras” como también lo fueron “Despedida de soltero”, “Desmadre a la americana” o lo han sido más recientemente “American party” o la muy recomendable “Resacón en las Vegas”, vamos un género, altamente atractiva para adolescentes con ganas de farra y las hormonas revueltas.

Trata sobre un grupo de amigos “en celo” en un colegio mayor en Florida en los años 50 aunque el protagonista es Pee Wee (Dan Monahan), un chaval obsesionado con perder la virginidad. Los ingredientes os los podéis imaginar: humor grueso, el sexo como leit motiv, reparto coral con un grupo de chavales un tanto “desmandados” y todo el rosario de tópicos que enseguida se nos pueden ocurrir: los chulitos del colegio, el salido que no se come una rosca, el guaperas sobradamente dotado, las estrechas.....es decir, si nos ponemos serios y exigentes nada para tomarse muy en serio por más que sea como “Rebelde sin causa”, “American graffiti” o “Grease” pero en plan gamberrada.

Pero hete aquí que la recuperación de estos títulos tiene a veces un cierto encanto. Desde luego un encanto primario, básico, basado más en la nostalgia y el recuerdo que otros de tiempos ya lejanos. Admitámoslo, todos hemos pasado por la etapa de las hormonas revueltas con mayor o menor impacto personal, todos hemos sido en mayor o menor grado como los protagonistas y todos llevamos un gamberro latente dentro que controlamos con más o menos acierto y no digo nada, si estamos precisamente en ese momento. Películas como “Porky’s” no las tomamos en serio, pero tienen algo de liberación, son gamberradas para descargar tensiones. Y bueno, no estamos ante una comedia “calentona” cualquiera, hay que reconocer que tanto la factura como el guión son aceptables y que este título es en cierto modo uno de los pioneros del género.

En un país autorreprimido como era España antes de la democracia os podéis imaginar lo que era una película como “Porky’s” en su día, allá por 1982, el no va más. Hoy ya no es tan transgresora ni tan “gamberra”, ha sido superada por otras películas, aunque sigue funcionando como comedia y tiene varias escenas realmente divertidas (la de los mirones en las duchas de las chicas es ya mítica, pero tiene más) aunque utilice un tipo de humor que está en las antípodas de los elegantes Ernest Lutbisch, Billy Wilder o Woody Allen. Considero que hay un tipo de cine para cada momento y para cada persona y el humor sea grueso o elegante funciona o no lo hace y en “Porky’s” creo que lo consigue. También se puede destacar de la película que se muestra a favor del compañerismo; que pone en entredicho una educación estirada poco comprensiva con los problemas de una edad difícil y que ridiculiza el racismo, los prejuicios y un modo de vida machista y autoritario.

No estamos ante una gran película, ni mucho menos, pero con el paso del tiempo ha entrado a formar parte en lugar privilegiado de la minúscula videoteca de comedias gamberras adolescentes que de vez en cuando nos gusta recordar. No sé si podríamos definirla entonces como una película de culto, pero en cierto modo sí lo es.

Como curiosidades decir que:

- Está considerada una película canadiense porque la productora era de Canadá y según esos términos ha sido durante mucho tiempo la película más taquillera de este país

- Aparece la hoy conocida por "Sexo en Nueva York", Kim Cattral, haciendo de profesora de gimnasia y que es protagonista de una de las escenas más recordadas de la película.

- Susan Clark (la prostituta) y Alex Karras (el policía hermano de Porky's) fueron dos habituales de la TV norteamericana que se reunieron posteriormente en la serie cómica "Webster".

“Aguirre, la cólera de Dios” (Werner Herzog, 1972)

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País: Alemania
Guión. Werner Herzog
Música: Popol Vuh
Sonido: Herbert Prasch
Fotografía: Thomas Mauch
Montaje: Beate Mainka-Jellinghaus
Efectos especiales : Juvenal Herrera y Miguel Vázquez
Reparto: Klaus Kinski (Lope de Aguirre), Helena Rojo (Inés), Del Negro (Brother Gaspar de Carvajal), Ruy Guerra (Don Pedro de Ursua), Peter Berling (Don Fernando de Guzmán), Cecilia Rivera (Flores), Daniel Ades (Perucho), Edward Roland (Okello)
Productores:Daniel Camino, Werner Herzog, Hans Prescher, Lucki Stipetic

“Aquí la naturaleza es violenta y brutal…solo veo fornicación, asfixia, estrangulación, la lucha por la supervivencia, el crecimiento y la putrefacción. Hay mucha miseria, pero es la misma miseria que nos rodea a todos. Los árboles están en la miseria y también los pájaros. No cantan, gritan de dolor. Mirándolo bien hay un tipo de armonía. Es la armonía del asesinato fascinante y colectivo. Lo estoy diciendo lleno de admiración por la selva. No la odio. La quiero. La quiero mucho. Pero la quiero en contra de mi sano juicio.” (Werner Herzog)


Es curioso como pasa el tiempo y modifica algunas apreciaciones que en su día parecían definitivas. Lo digo porque esta película, del alemán Werner Herzog, se consideró en su día una pequeña joya del cine alemán (y lo sigue siendo, pero hay que matizarlo), circunscrita en lo que podríamos llamar “cinema verité”. Por supuesto no ha dejado de ser un referente, pero lo que en su día tuvo de singular propuesta hoy no lo es ya tanto puesto que se ha impuesto un tipo de cine similar en cierto modo, en el que la cámara parece ser un miembro más de la historia y va de aquí allá siendo testigo de los acontecimientos sin buscar el preciosismo visual, utilizando luz natural y transmitiendo al espectados o procurándolo al menos sensaciones similares a las que debieron vivir los protagonistas de la historia.

“Aguirre, la cólera de Dios” parte del diario de fray Ginés de Carvajal y hace una reconstrucción personal y particular de la búsqueda de El dorado, emprendida por la cuenca del Amazonas (río Marañón concretamente) en 1560 por Pedro de Ursúa y sus homnres, que vivieron todo tipo de contratiempos y penalidades debido a las dificultades geográficas que encontraron al remontar el río y los conflictos derivados de su ambición personal. Carlos Saura también haría su propia versión en 1988 con Omero Antonutti como Lope de Aguirre, mucho más atractiva visualmente, pero también menos realista.

Lo que pretende Werner Herzog es ante todo ser fiel a cómo debió ser aquella aventura, a las dificultades acometidas por la expedición española, intenta que lo que se vea en pantalla sea lo mismo que hubiéramos visto de habernos encontrado allí, evita escenas y diálogos preparados para el divertimento del público, pretende lo contrario, que su película sea casi como un documento llegado de 1560, así que lo que vemos es un pseudodocumental, los diálogos no siempre son significativos y relevantes, los protagonistas de la historia hablan, discuten, comentan lo que está pasando y la cámara simplemente “mira” a lo que pasa.

El centro de atención en todo momento, por supuesto, un Klaus Kinski inconmensurable en el papel de Lope de Aguirre, desarrollando uno de los personajes por el que se hizo famoso, llenando la pantalla con sus ojos saltones de loco (ideales para representar a Aguirre) y demostrando ser una fuerza más de la naturaleza como el propio río, como los animales, el viento o el sol mismo, imponiéndose como un titán por encima del resto de actores, focalizando todo el interés de la película.



No es de extrañar que esta película influyera en cierto modo a Francis Ford Coppola en “Apocalypse now”, hay muchos aspectos argumentales, temáticos e incluso estilísticos coincidentes, pero sobretodo pienso que lo que seguramente más llamó la atención a Coppola fue el tono inquietante del relato de Herzog (punteado brillantemente con una curiosa banda sonora ejecutada solo con melotrón y guitarra eléctrica por el grupo de rock progresivo Popol Vuh). También me ha parecido que hay mucho de Herzog en el cine de Terence Mallick, sobretodo en “La delgada línea roja” y sin lugar a dudas en “El nuevo mundo”, con la que guarda mucha proximidad estilística.

La película dura lo justo, hora y media, más se hubiera hecho pesado porque hay que tener en cuenta que a Herzog no le preocupa en absoluto que su cámara se demore con determinadas escenas, ni siquiera contemplando el fluir del agua del río durante unos segundos y a lo largo de su desarrollo es poco lo que se cuenta más allá de la lucha contra el barro, la selva o el enfrentamiento entre los soldados, pero en cualquier caso es una película interesante, permite hacerse idea de que la historia seguramente no es exactamente como nos la cuentan o la imaginamos. A fin de cuentas los conquistadores españoles eran hombres con sus vicios y virtudes y frente a otras versiones ésta apuesta por mostrarnos sus vergüenzas, su ambición, sus deseos más íntimos y oscuros, cosa que nunca está de más para relativizar lo que dicen los libros de historia, a menudo contados por los vencedores y salpicados de un cierto barniz de épica.

Trailer de "Todo lo que tú quieras" (2010)

Trailer de "Adele y el misterio de la momia"

“Origen (Inception)” (Christopher Nolan, 2010)

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Título original: Inception.
Guión: Christopher Nolan.
País: Reino Unido.
Duración: 150 min.
Género: Acción, ciencia-ficción, thriller.
Interpretación: Leonardo DiCaprio (Cobb), Ken Watanabe (Saito), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Marion Cotillard (Mal), Ellen Page (Ariadne), Tom Hardy (Eames), Cillian Murphy (Robert Fischer), Tom Berenger (Browning), Michael Caine (Miles), Lukas Haas (Nash), Pete Postlethwaite (Maurice), Dileep Rao (Yusuf).
Producción: Christopher Nolan y Emma Thomas.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Wally Pfister.
Montaje: Lee Smith.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas.
Vestuario: Jeffrey Kurland.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en Reino Unido: 16 Julio 2010.
Estreno en España: 6 Agosto 2010.

A nadie medianamente informado, la haya visto o no, se le escapa que “Origen” es la película del momento y sin duda va ser uno de los títulos de referencia de este año 2010. En los comentarios de la crítica con los que suelen autopromocionarse algunas películas se han podido leer cosas como éstas:

“Un tremendamente excitante thriller de ciencia ficción que es tan inquietante como parece. Este es un entretenimiento popular con una pegada tan intensa y desconcertante que te tendrá preocupado sobre si será seguro cerrar los ojos por la noche” (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

“En un verano lleno de remakes, precuelas y secuelas, llega ‘Inception’, fácilmente la película con la idea más original en años (…) En ocasiones, la originalidad tiene un coste mental: al final, te encontrarás completamente exhausto” (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)

“Con ‘Inception’, el director y guionista Christopher Nolan no sólo afianza su estatus como el director más innovador de Hollywood, sino que ha creado un género audaz: el thriller noir surrealista” (Claudia Puig: USA Today)

“Si las películas son sueños compartidos, entonces Christopher Nolan es, seguramente, uno de los soñadores más creativos de Hollywood, tal y como prueba su brillantísima ‘Inception’” (Justin Chang: Variety)

“Es completamente original, cortada por un nuevo patrón, y con todo está estructurada sobre las bases del cine de acción, por lo que sientes que tiene (aún si cabe) más sentido del que de por sí tiene” (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Un alucinante espectáculo cuasi definitivo (...) Una suma de brillantez que propone un mucho y exige un mínimo al espectador (...)" (Fausto Fernández: Fotogramas)

Se esté más o menos de acuerdo con todo ello, yo lo estoy en gran parte, está claro que “Origen” no es una película más, su visionado impacta y sólo por ello ya merece la pena. No estoy de acuerdo en que sea el “Matrix” de la década, pero sí es cierto que Christopher Nolan, su director, abre nuevas vías expresivas y argumentales con ella y que, seguramente, va a influir a otros títulos venideros.

Después de “Memento”, “Insmonia”, “Batman begins”, “El truco final” y “El caballero oscuro” Nolan se había situado en un privilegiado lugar en el olimpo de los mejores directores del momento. Todas sus películas se contaban por éxitos de crítica y público, así que su siguiente proyecto y más después de los dos óscars y ocho nominaciones que cosechó “El caballero oscuro”, se esperaba con ansia y expectación y lo mejor es que, pese a ello, no sólo no ha defraudado sino que se ha superado a sí mismo, lo cual no es fácil porque, no lo olvidemos, “Origen” es una película de acción y evasión, con todo lo que ello conlleva, con el estigma que sufren estas películas de ser productos de segunda fila (el entretenimiento siempre ha sido arte de segunda o ni siquiera se ha considerado como tal). Christopher Nolan está demostrando que se puede hacer un blockbaster y que también sea cine de calidad, posea un guión brillante y en conjunto sea una obra muy trabajada y merecedora de todos los aplausos. Esto tampoco es nuevo, lo han hecho muchos otros antes como John McTiernan, Steven Spielberg, Peter Jackson, James Cameron y un largo etcétera de directores pero cada gran película del cine de acción ha de celebrarse como un gran hito porque a fin de cuentas el cine es arte y espectáculo y películas como “Origen” concilian ambos.

Hay dos características esenciales que creo que diferencian esta película del resto: la primera es que es una experiencia única, jamás vivida con antelación y la segunda es que deja una profunda huella porque terminas de verla exhausto, impresionando, con las imágenes y el argumento fluyendo en tu cerebro como un torrente de agua que se te escapa de las manos. El símil que se me ocurre es a nivel físico el final de la montaña rusa, cuando sales de la atracción y el cuerpo te ha dado un vuelco, pero es que además el argumento también te exige un esfuerzo a nivel mental para encajar las piezas, con lo cual te quedas noqueado, preguntándote si tu interpretación final es correcta (cada cual tendrá la suya, el final es abierto adrede) y con ganas de volverla a ver para comprobar si todo cuadra......curioso, reflexionad sobre ello, se parece a “Perdidos”, exige un espectador implicado y participe, te invita a construir tu propia teoría y a defenderla, pero para ello tienes la sensación de que necesitas más visionados ¡¡¡Han inventado una nueva televisión y un nuevo cine, aquel que te obliga a volver a ver la serie o la película en cuestión para enriquecer tu experiencia y fortalecer tus impresiones, para disfrutar los pequeños detalles, infinitos, que van desfilando por delante de ti y que en primera instancia pueden no apreciarse.

Creo que por todo ello la concepción de la película es brillante y que el guión (por cierto, también de Nolan) es una obra catedralicia llena de recovecos y concebida a modo de muñecas rusas, que es algo que siempre resulta complejo e impacta, mucho más si se juega con los sueños y la realidad como en este caso. No sé a quién leí u oí (creo que Oti Rodríguez Marchante) que este guión hace que el de “Memento” sea un juego de niños y es cierto.

No me apetece hablar mucho del argumento, creo que lo mejor es ver la película y disfrutarla con los menos datos posibles pero sí adelantar que Leonardo de Caprio (Cobb) es un agente que trabaja introduciéndose en los sueños de los demás para descubrir sus más profundos secretos; pero esta tarea no es fácil, a menudo hay que usar trampas para que el asaltado no descubra el juego y despierte y eso complica las operaciones en la historia que se nos cuenta y nos complica nuestro papel como espectadores porque debemos identificar realidades y sueños y ya adelanto, no es fácil, la película entera es un enorme juego que nos obliga a estar en vilo y a prestar atención hasta al más mínimo detalle (se llame “tótem” o se llame montaje).

El debate está servido una vez vista la película, hay pistas que llevan a unas conclusiones sobre lo que se ve y que no todo el mundo va a interpretar del mismo modo, pero esa es la principal baza de esta película, que te obliga a participar y a tomar partido. Normalmente el espectador se siente halagado cuando le hacen participe del argumento a través de un final abierto porque significa que el director no te toma por tonto. Todas las interpretaciones valen, cada cual puede tener la suya y ser válida aunque seguramente Christopher Nolan ha construido la película con una personal que puede convertirse en el objetivo de los espectadores más ambiciosos (para ellos un consejo: fijaros en las conversaciones entre Leonardo di Caprio y Michael Caine (Miles), fijaros en la importancia de los pequeños detalles y fijaros en las expresiones de los personajes al final de la película.

Uno de los aspectos que me parecen más interesantes en “Origen” es como los recursos fílmicos contribuyen más que nunca a sobredimensionar la película. El montaje en esta ocasión (una maravilla por cierto) es crucial porque es el lenguaje del cine pero en esta película forma parte también del lenguaje de los sueños. Reflexionad sobre esto: ¿Por qué es difícil identificar la realidad de los sueños en “Origen”? Respondo: lo es porque el montaje de la película hace que no sepamos si estamos en un sueño o en la realidad hasta que no vemos algo inverosímil y eso se usa como un recurso argumental. A parte el hecho mismo de jugar con lo onírico permite que todo lo que sale en pantalla sea posible y coherente, lo que da rienda suelta a un despliegue de efectos visuales y sonoros sencillamente apabullante (¡¡¡¡Por Dios, id a ver esta película al cine, no será igual en la televisión de vuestras casas!!!!) Una vez más Hans Zimmer nos deja KO con una banda sonora que junto al sonido y las imágenes nos clava literalmente en la butaca como si de verdad estuviéramos bajando por la montaña rusa a toda velocidad. Es tal el espectáculo audiovisual en el tramo final sobretodo que uno casi necesita coger aire tras cada escena (al final el recurso de la furgoneta cayendo a cámara lenta, ya la veréis, casi viene bien y todo para tomarse un respiro).

Y, por supuesto, para los que quieran verle más pies al gato está siempre de fondo aquello de que la vida es sueño (a Calderón de la Barca le hubiera encantado esta película) o que el cine es sueño o ya puestos que la vida es cine y al contrario. Para quien quiera irse de madre intelectualmente la película da muchísimo juego, tiene fondo y trasfondo, te ahoga en sus vericuetos y si te hundes en ellos no te saca de allí ni “la patada”. ¡¡¡Qué grande la chorrada de “la patada”!!!! La noche que vi “Origen” soñé con ella y desperté con una, no con una patada literal, sino con una como las de la película.....creo que no se puede decir nada mejor sobre el impacto que tuvo en mí.

Por supuesto recomiendo la película a todo el mundo, es una experiencia única y merece la pena verla, disfrutarla y tener una opinión propia. Garantizo que puede gustar más o menos pero es difícil que deje indiferente y eso aún en el rarísimo y extrañísimo caso de que los actores no convenzan, me extrañaría, están todos a gran altura aunque por supuesto me quedo con Leonardo Di Caprio, siempre efectivo, siempre interesante, siempre atrapando nuestro interés y eso que me da la sensación de que está infravalorado aún con el pedazo de filmografía que se está haciendo el amigo.

Veremos qué premios cosecha “Origen”, auguro unos cuantos. ¡¡¡Qué grande Christopher Nolan!!!!!

“Harper’s island” (2008-2009)

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Directores: Ari Schlossberg (Creador), Sanford Bookstaver, Rick Bota, Steve Boyum
País: Estados Unidos
Guionistas: Ari Schlossberg, Jeffrey Bell, Tyler Bensinger, Robert Levine, Christine Roum
Productores: Jeffrey Bell, Tyler Bensinger, Jill E. Blotevogel, Grace Gilroy, Keira Morrisette, Ari Schlossberg, Dan Shotz, Robert Sizemore, Lindsay Sturman, Jon Turteltaub, Karim Zreik
Música: David Lawrence
Fotografía: Robert McLachlan
Montaje: Jonathan Chibnall, Monty DeGraff, David Handman
Reparto: Elaine Cassidy (Abby Mills), Christopher Gorham (Henry Dunn), Matt Barr (Christopher 'Sully' Sullivan), Gina Holden (Shea Allen), Katie Cassidy (Trish Wellington), Cassandra Sawtell (Madison Allen), Brandon Jay McLaren (Danny Brooks), C.J. Thomason (Jimmy Mance), Jim Beaver (Sheriff Charlie Mills), Cameron Richardson (Chloe Carter), Adam Campbell (Cal Vandeusen), Claudette Mink (Katherine Wellington), Amber Borycki (Beth Barrington), Dean Chekvala (J.D. Dunn), Ali Liebert (Nikki Bolton), Beverley Elliott (Maggie Krell), Chris Gauthier (Malcolm Ross), Callum Keith Rennie (John Wakefield)

Harper’s island fue creada por Ari Schlossberg para su emisión en la CBS durante la temporada 2008-09 en la que comenzó bastante bien con unos shares de audiencia aceptables hasta que se desplomó en el capítulo cuatro coincidiendo con un cambio de día de emisión del jueves al sábado (nunca llegaré a comprender esta manía de las televisiones que estoy seguro que resulta contraproducente aunque si lo hacen por algo será, en España se empezó a emitir en Telecinco y acabó en La Siete). El caso es que el descenso de espectadores provocó la decisión de cerrar la serie con sólo trece episodios, atando todos los cabos sueltos argumentales propuestos (para nosotros como espectadores, mucho mejor).

Comencé a ver recientemente la serie y también la he terminado en pocos días. La valoración global no es mala, la verdad es que va in crescendo y te deja un buen sabor de boca al final, aunque inicialmente cuesta engancharse (tampoco era muy recomendable probar justo después de “Lost”, las comparaciones son odiosas), no me sorprende que bajara la audiencia en los primeros episodios porque le cuesta “arrancar” y quizás invierte demasiado tiempo en la presentación de personajes demorando un poquito más de lo necesario lo que de verdad impacta, que es el asunto policial, el thriller, la acción propiamente dicha. Creo que es en el episodio seis cuando realmente llegas al punto más alto de la montaña rusa y desde ese momento subes y bajas por ella queriendo ver más y más hasta que acaba.

El argumento a grosso modo va de una boda que se celebra en la isla de Harper donde años atrás un asesino llamado John Wakefield mató a seis personas entre las que se encontraba la madre de la protagonista, Abby Mills, una de las invitadas al enlace. No digo más, se trata de verla y disfrutarla.

Ya digo que los primeros episodios son de presentación, cuesta un poco cogerle el punto a la serie y, aunque en todos los capítulos muere al menos una persona, no es ni el componente terrorífico ni la acción los principales condimentos de los primeros argumentos por lo que hay que tener un poco de paciencia hasta que, por fin, se desata la acción y quedamos atrapados por completo.

La serie tiene una factura muy cuidada, especialmente la fotografía y aprovecha bastante bien los escenarios naturales y los ambientes nocturnos para crear la atmósfera requerida. Los guiones no me parecen brillantes, pero sí que tratan de hilar todos los flecos, que son muchos, porque es una serie coral con más de veinte personajes a los que se presta atención y todo queda atado y explicado con aceptable coherencia (siempre hay “peros” en una producción de estas características, aunque en líneas generales todo “cuadra” bien). Para mi gusto sólo una pega y es que se puede anticipar el final con un poco de picardía, pero si uno ha visto mucho thriller es inevitable creo yo y lo importante no es eso, sino a fin de cuentas, pasar el rato, ya que esta serie es fundamentalmente un producto de evasión y entretenimiento. Desde luego uno puede avanzar cosas, puede entrever otras, pero sorpresas haylas y bastantes, lo cual tampoco está nada mal en una serie de este género.



Como toda serie los personajes tienen una importancia crucial, a fin de cuentas son los que hacen que uno se enganche o no lo haga. En los capítulos iniciales de presentación creo que el principal handicap es que los personajes que a la postre nos van a interesar quedan un poco perdidos entre el resto con lo que la intensidad y el interés se diluyen un poco, pero conforme la serie avanza van apareciendo en primer plano los protagonistas y desde ese preciso momento la serie mejora. En especial los últimos cinco episodios más o menos ya se centran en los personajes principales y como espectadores sufrimos la tensión, el miedo y la acción con ellos. Actores y actrices que destacaría son Elaine Cassidy (Abby Mills), Christopher Gorham (Henry Dunn), Matt Barr (Christopher 'Sully' Sullivan) y por supuesto Callum Keith Rennie (guiño a los seguidores de “Battlestar galáctica”, ya sabréis por qué).

Otro aspecto curioso es que la serie hace un amplio despliegue de personajes que inicialmente no caen demasiado bien. Los personajes son, en general, chicos y chicas “guapos”, de clase acomodada (la serie tiene al comienzo un cierto toque happy y pijales al estilo del “Melrose place” de la primera temporada que no le beneficia mucho) contrapuestos a otros más “hippies”, más "rarillos", góticos podríamos decir, uno casi termina poniéndose del lado del asesino “deseando” (es un decir) que el siguiente en caer sea el o la pijales guaperas bob@ de turno e incluso hay algún personaje claramente negativo (la novia y su padre resultan especialmente odiosos al principio); pero tras la presentación vamos conociendo mejor a todos, se asientan nuestras preferencias y comienza a desarrollarse la empatía necesaria para que el thriller funcione. Y sin duda lo mejor es eso, el suspense y el clima de terror que bebe de títulos ya clásicos como “El silencio de los corderos”, “Se lo que hicisteis el último verano”, “Viernes 13” o en cierto modo y salvando las distancias “Twin peaks”.

En definitiva, una serie recomendable por el hecho de estar cerrada, de contar con un guión que ata todos sus flecos y de proponer trece episodios de unos treinta y cinco minutos que son pura evasión y entretenimiento. El visionado merece la pena y tengo la sensación por lo que se dice y comenta en foros que puede llegar a ser una serie de culto por aquello de no ser muy conocida. En lo que a mí respecta he de reconocer que ha superado bastante mis expectativas iniciales.

“Airbender, el último guerrero” (M. Night Shyamalan, 2010)

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Título original: The last Airbender.
País: EEUU.
Duración: 105 min.
Género: Acción, aventuras, fantástico.
Reparto: Noah Ringer (Aang), Nicola Peltz (Katara), Jackson Rathbone (Sokka), Dev Patel (príncipe Zuko), Seychelle Gabriel (princesa Yue), Aasif Mandvi (comandante Zhao), Shaun Toub (Iroh), Cliff Curtis (Ozai).
Guión: M. Night Shyamalan; basado en la serie animada “Avatar: The last Airbender”, creada por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.
Producción: M. Night Shyamalan, Sam Mercer y Frank Marshall.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Andrew Lesnie.
Montaje: Conrad Buff.
Diseño de producción: Philip Messina.
Vestuario: Judianna Makovsky.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain.
Estreno en USA: 2 Julio 2010.
Estreno en España: 6 Agosto 2010.

Definitivamente es imposible defender más a M. Night Shyamalan a toda costa. Ya había costado con “La joven del agua” y algo menos con “El incidente”, pero todo lo que en su día fueron halagos con “El sexto sentido”, “El protegido” y con “Señales” han terminado convirtiéndose en “peros”, que con esta última “Airbender, el último guerrero” son ya unánimes. El caso es que a mí, particularmente, es un director que hasta ahora me había convencido y en el que aún sigo creyendo, le veo algo especial, pero es que su última película es indefendible.

Puntualizo ahora y doy más precisión a mi comentario. No creo que Shyamalan haya dejado de ser un director interesante, pero sí creo que se ha traicionado a sí mismo, que pienso que es lo peor que podía hacer. Da la sensación como si los reveses de la crítica, no tanto de público (sus películas salvo “La joven del agua” que sí fue un resbalón importante no han ido tan mal en taquilla) le hubieran convencido de que debía dar un giro a su cine. Hasta ahí bien, se puede aceptar, pero lo que no es lógico es que renuncies a tí mismo, a tu estilo, a tus señas de identidad, a lo que hace que tu cine, bueno o malo, sea diferente. Pienso yo, vamos.

Shyamalan en esta ocasión ha querido ir a lo fácil y demostrar a los estudios que también sabe hacer caja y sabemos que ha sido él el responsable porque es el director, pero además firma el guión y ha puesto dinero para la película como coproductor junto a Frank Marshall y Sam Mercer. Se ha dejado de juegos con el fuera de plano, se ha dejado de experimentos visuales y narrativos, ha renunciado en gran parte al suspense que caracteriza todas sus narraciones y se ha concentrado en una historia que, en teoría, debería funcionar por sí sola y en las escenas de acción como único leit motiv de su película y bueno, sí, ha conseguido una película entretenida, veraniega, visualmente impactante en muchos momentos, pero también fallida. En esta ocasión Shyamalan sí ha naufragado y pienso que ha sido así porque ha renunciado a sí mismo y ha intentado hacer algo que, admitámoslo, se le da peor, se le da mal o ¿acaso no chirrían muchas escenas de acción, especialmente las que están desarrolladas a cámara lenta?

La película está basada en la serie manga “Avatar, the last airbender” (le han cambiado el título para no enfrentarse a comparaciones con la película de James Cameron) que obtuvo un importante éxito en Estados Unidos a través del canal Nickelodeon y que, al parecer, descubrieron con regocijo los hijos de Shyamalan convenciéndole para que hiciera la versión fílmica así que ya aviso, estamos ante una trilogía que seguramente el director planificó como su tabla de salvación económico-artística, ya veremos como le sale. Dudo mucho que se descabalgue a Shyamalan de las continuaciones por dos razones: es el alma mater de la saga y además él toma un tercio de las decisiones, no se va a rendir, así que dependiendo de cómo funcione en taquilla estamos asistiendo quizás a su defunción fílmica, aunque aún espero que se dé cuenta de sus errores.

La trama argumental da juego, nos cuenta la historia de Aang, un chico destinado a ser el nuevo Avatar, un ser capaz de hablar con los espíritus y a través de ellos controlar los cuatro elementos, pero de modo muy similar a los lamas y al budismo, ha de aprender a dominar sus poderes y debe cobrar consciencia de su importancia par dar equilibrio a un mundo que sin él está en guerra, amenazado por la nación del fuego, que quiere imponerse a las demás.

Ya digo que el mero argumento de la serie puede entretener y más teniendo en cuenta que los efectos especiales impactan en muchas escenas. A ojos no muy exigentes la película puede servir, pero siéndolo, hay infinidad de peros y pegas que podríamos ir enumerando, hagámoslo con unas pocas:

¿por qué eliminar el leve tono cómico de la serie pretendiendo dar más dramatismo e intensidad al argumento si al final no lo tiene? Parece que la película pretendiera ser épica, pero es todo menos eso.

¿quién ha hecho tan horrible casting? (el mejor de la función es sin duda el maestro del fuego, Shaun Tobb; Ang, Noah Ringer y el príncipe Zuko, Dev Patel pueden pasar; pero es que Katara, Incola Peltz y Sokka, Jackson Rathbone están para sacrificarlos y podrían ser importantes para justificar los actos de Aang).

¿por qué no ha aprovechado Shyamalan para proporcionar suspense al relato como sólo él sabe hacer (el final no me vale, me pareció incluso chapucero acabar así porque no hay una justificación narrativa a esa conclusión, parece sacado de la manga para sorprender sin más)?

¿por qué no se ha aprovechado mejor la relación entre los personajes para hacer la película más emotiva, más emocionante, más intensa?

¿por qué la narración en sí de los acontecimientos, la explicación de los porqués de cada personaje están tan descuidado y solo parece importar las escenas de acción?

Estamos sin duda ante una gran ocasión perdida, ante una película que está muy por debajo de lo que podría haber sido. No debe valernos que es entretenida y que el envoltorio es atractivo (música, efectos, escenas de acción), eso no es lo que debería ser, tendría que resultar trepidante, emocionante, espectacular y no lo es y esta vez sí, esta vez creo que el principal responsable es M. Night Shyamalan, nunca pensé que llegaría a decir esto. Sigo confiando en él porque su filmografía le avala y es dispone de una buena renta, pero cada vez resulta más difícil hacerlo. Más que esperar temo ya la continuación.