sábado, 31 de diciembre de 2011
“Blackthorn (sin destino)” (Mateo Gil, 2011)
****Países: España, Francia y Bolivia.
Duración: 98 min.
Género: Western, drama.
Reparto: Sam Shepard (James Blackthorn), Eduardo Noriega (Eduardo Apocada), Stephen Rea (Mackinley), Magaly Solier (Yana), Nikolaj Coster-Waldau (James de joven), Padraic Delaney (Sundance), Dominique McElligott (Etta).
Guión: Miguel Barros.
Producción: Andrés Santana, Ibon Cormenzana, Jerôme Vidal y Paolo Agazzi.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: J.A. Ruiz Anchía.
Montaje: David Gallart.
Dirección artística: Juan Pedro de Gaspar.
Vestuario: Clara Bilbao.
Distribuidora: Alta Classics.
Estreno en España: 1 Julio 2011.
Hay varios motivos por los que “Blackthorn” resulta peculiar y sorprendente pero esencialmente todo se resume en que pocas veces un director español ha dirigido un western, menos a medio camino entre el cine de forajidos y el drama crepúscular y nunca ambientado en Bolivia y protagonizado por el personaje protagonista que no voy a decir cuál es aunque no tarde en intuirse una vez va avanzando el argumento. Le llamaré Blackthorn.
El responsable de esta anomalía en el cine español es Mateo Gil, amigo y colaborador de Alejandro Amenábar que irrumpió con él en el panorama hispano firmando el guión de “Tesis” (1996) y después estrenando “Nadie conoce a nadie” (1999), una película de suspense e intriga ambientada en la Semana Santa sevillana que pasó ligeramente desapercibida y que en su día me pareció muy lograda, máxime cuando no estábamos acostumbrados en el cine español a ese tipo de argumentos que hoy sí, ya se han hecho más habituales.
Tiene pues Mateo Gil un cierto pronto de expedicionario y explorador de terrenos inexplorados y de géneros pocos usuales por estas latitudes y sólo por ello ya tienen interés tantos sus guiones (muchos magníficos como los de “Tesis, “Abre los ojos”, “Mar adentro”, “El método” o “Ágora”) como sus dos películas hasta la fecha (una pena que no haga más).
“Blackthorn” tiene todas sus virtudes y seguramente el “defecto” de que no va a ser el western que podría esperar alguien a quien sólo le importe la acción (que también la hay aunque en pequeñas dosis, las justas para lo que pretende filmar el director). Más bien yo diría que se instala en el terreno del drama, centrándose en un protagonista que en el umbral mismo de la vejez busca colocar las últimas piezas de su vida en su sitio y dar un sentido a todo. No se me ocurre un actor mejor para representar todo eso que Sam Sephard y tampoco otro que haga mejor de su versión más joven que Nikolaj Coster-Waldau (si os suena es porque habéis tenido el acierto de ver la serie “Juego de Tronos”) así que para empezar el acierto de casting me parece incuestionable. También merodean por ahí el siempre eficaz Stephen Rea, la emergente Magaly Solier y un Eduardo Noriega con un personaje que le viene muy bien a su espléndida trayectoria.
La historia se instala de inicio en la montañas de Bolivia en 1927, pero a menudo va dando saltos hacia 1908 para contar un relato anterior que tiene relación con el presente y en ese ir y venir se acelera o se detiene con buenas escenas de acción y otras incluso mejores en las que se retrata a la perfección la sosegada calma que busca un Balckthorn ya de vuelta de todo que trata de ganarse un merecido reposo de vuelta a Estados Unidos.
A nivel de guión seguramente lo más interesante es el encuentro entre Blackthorn y Eduardo porque es el verdadero “enfrentamiento” de la película y viene a ser algo así como una lucha de Blackthorn contra sí mismo. En un momento en que los dos reposan juntos Blacktorn le dice: “A veces creo que sólo hay dos momentos en la vida de un hombre: uno es cuando se marcha de casa y el otro cuando vuelve a ella. Todo lo demás sólo es lo de en medio, así que estamos en el mismo camino pero vamos en direcciones opuestas” y así es, viene a ser como si Blackthorn se hubiera encontrado con su yo pasado y lo que vemos es seguramente lo que hubiera ocurrido si de verdad ambos se hubieran encontrado, en realidad un choque dramático de tono casi existencial y muy interesante. Apliquémoslo a nosotros mismos ¿Cómo actuaríamos siendo ya mayores con nosotros mismos siendo jóvenes?
Por lo demás un western que parece sacado por sus formas de aquel norteamericano de los años 70’s del siglo pasado (especialmente de Sam Peckinpah), que tiene en cambio todo el atractivo visual actual (magníficos paisajes llenos de contrastes, encuadre épico, interesante uso del zoom para aumentar la tensión narrativa) y que rezuma el aroma más verosímil y melancólico del cine de forajidos evadidos demostrándonos que ser uno de ellos tiene mucho de aventura y también todo de soledad. La historia de Blackthorn parece susurrarnos que a fin de cuentas lo importante no es el dinero, sino la libertad.
En definitiva, un western atípico que yo recomendaría y que es ideal para verse e una sesión doble precedido de “Dos hombres y un destino” (atención a ese final en ambas con una fotografía fija que no me parece algo casual sino un guiño de dirección). Las dos películas son un canto a la aventura y a la libertad, pero las dos poseen un poso terriblemente triste y melancólico.
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!
- Blackthorn cabalgando rumbo a su destino por las montañas bolivianas mientras la cámara se aleja y se escucha música folk.
- La escena en la que se encuentran Blackthorn y Eduardo en la que utilizan toda su pillería para no quedar sin montura.
- Eduardo bebiendo bajo la reserva de agua junto al ferrocarril.
- Blackthorn cantando con su banjo mientras cabalgan.
- El inesperado ataque de la mineras en la casa de Blackthorn y los resultados del mismo.
- Eduardo cauterizando una herida en el pecho de Blackthorn con pólvora.
- Blackthorn curando el culo de Eduardo tras una jornada a caballo: “Tienes el culo blando como un contable”.
- Seguramente la parte más espectacular de la película es la persecución en el salar y esos momentos en que se persiguen lentamente unos a otros en estado de máxima fatiga.
- El momento en que el personaje de Stephen Rea, después de toda una vida persiguiendo a Blackthorn le abre los ojos a éste sobre sus compañías.
- El final es sorprendente, brutal en cierto modo e impactante, pero también lógico y coherente con lo que hemos estado viendo.
El responsable de esta anomalía en el cine español es Mateo Gil, amigo y colaborador de Alejandro Amenábar que irrumpió con él en el panorama hispano firmando el guión de “Tesis” (1996) y después estrenando “Nadie conoce a nadie” (1999), una película de suspense e intriga ambientada en la Semana Santa sevillana que pasó ligeramente desapercibida y que en su día me pareció muy lograda, máxime cuando no estábamos acostumbrados en el cine español a ese tipo de argumentos que hoy sí, ya se han hecho más habituales.
Tiene pues Mateo Gil un cierto pronto de expedicionario y explorador de terrenos inexplorados y de géneros pocos usuales por estas latitudes y sólo por ello ya tienen interés tantos sus guiones (muchos magníficos como los de “Tesis, “Abre los ojos”, “Mar adentro”, “El método” o “Ágora”) como sus dos películas hasta la fecha (una pena que no haga más).
“Blackthorn” tiene todas sus virtudes y seguramente el “defecto” de que no va a ser el western que podría esperar alguien a quien sólo le importe la acción (que también la hay aunque en pequeñas dosis, las justas para lo que pretende filmar el director). Más bien yo diría que se instala en el terreno del drama, centrándose en un protagonista que en el umbral mismo de la vejez busca colocar las últimas piezas de su vida en su sitio y dar un sentido a todo. No se me ocurre un actor mejor para representar todo eso que Sam Sephard y tampoco otro que haga mejor de su versión más joven que Nikolaj Coster-Waldau (si os suena es porque habéis tenido el acierto de ver la serie “Juego de Tronos”) así que para empezar el acierto de casting me parece incuestionable. También merodean por ahí el siempre eficaz Stephen Rea, la emergente Magaly Solier y un Eduardo Noriega con un personaje que le viene muy bien a su espléndida trayectoria.
La historia se instala de inicio en la montañas de Bolivia en 1927, pero a menudo va dando saltos hacia 1908 para contar un relato anterior que tiene relación con el presente y en ese ir y venir se acelera o se detiene con buenas escenas de acción y otras incluso mejores en las que se retrata a la perfección la sosegada calma que busca un Balckthorn ya de vuelta de todo que trata de ganarse un merecido reposo de vuelta a Estados Unidos.
A nivel de guión seguramente lo más interesante es el encuentro entre Blackthorn y Eduardo porque es el verdadero “enfrentamiento” de la película y viene a ser algo así como una lucha de Blackthorn contra sí mismo. En un momento en que los dos reposan juntos Blacktorn le dice: “A veces creo que sólo hay dos momentos en la vida de un hombre: uno es cuando se marcha de casa y el otro cuando vuelve a ella. Todo lo demás sólo es lo de en medio, así que estamos en el mismo camino pero vamos en direcciones opuestas” y así es, viene a ser como si Blackthorn se hubiera encontrado con su yo pasado y lo que vemos es seguramente lo que hubiera ocurrido si de verdad ambos se hubieran encontrado, en realidad un choque dramático de tono casi existencial y muy interesante. Apliquémoslo a nosotros mismos ¿Cómo actuaríamos siendo ya mayores con nosotros mismos siendo jóvenes?
Por lo demás un western que parece sacado por sus formas de aquel norteamericano de los años 70’s del siglo pasado (especialmente de Sam Peckinpah), que tiene en cambio todo el atractivo visual actual (magníficos paisajes llenos de contrastes, encuadre épico, interesante uso del zoom para aumentar la tensión narrativa) y que rezuma el aroma más verosímil y melancólico del cine de forajidos evadidos demostrándonos que ser uno de ellos tiene mucho de aventura y también todo de soledad. La historia de Blackthorn parece susurrarnos que a fin de cuentas lo importante no es el dinero, sino la libertad.
En definitiva, un western atípico que yo recomendaría y que es ideal para verse e una sesión doble precedido de “Dos hombres y un destino” (atención a ese final en ambas con una fotografía fija que no me parece algo casual sino un guiño de dirección). Las dos películas son un canto a la aventura y a la libertad, pero las dos poseen un poso terriblemente triste y melancólico.
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!
- Blackthorn cabalgando rumbo a su destino por las montañas bolivianas mientras la cámara se aleja y se escucha música folk.
- La escena en la que se encuentran Blackthorn y Eduardo en la que utilizan toda su pillería para no quedar sin montura.
- Eduardo bebiendo bajo la reserva de agua junto al ferrocarril.
- Blackthorn cantando con su banjo mientras cabalgan.
- El inesperado ataque de la mineras en la casa de Blackthorn y los resultados del mismo.
- Eduardo cauterizando una herida en el pecho de Blackthorn con pólvora.
- Blackthorn curando el culo de Eduardo tras una jornada a caballo: “Tienes el culo blando como un contable”.
- Seguramente la parte más espectacular de la película es la persecución en el salar y esos momentos en que se persiguen lentamente unos a otros en estado de máxima fatiga.
- El momento en que el personaje de Stephen Rea, después de toda una vida persiguiendo a Blackthorn le abre los ojos a éste sobre sus compañías.
- El final es sorprendente, brutal en cierto modo e impactante, pero también lógico y coherente con lo que hemos estado viendo.
LA CRÍTICA DE CARLOS BOYERO Aquí
viernes, 30 de diciembre de 2011
jueves, 29 de diciembre de 2011
martes, 27 de diciembre de 2011
lunes, 26 de diciembre de 2011
“Todo lo que tú quieras” (Achero Mañas, 2010)
**Guión: Achero Mañas.
País: España.
Duración: 101 min.
Género: Drama.
Reparto: Juan Diego Botto (Leo), José Luis Gómez (Alex), Najwa Nimri (Marta), Ana Risueño (Alicia), Lucía Fernández (Dafne), Pedro Alonso (Pedro), Ana Wagener, Alberto Jiménez, Paloma Lorena. Producción: Achero Mañas y Joaquín Velasco. Música: Leiva.
Fotografía: David Omedes.
Montaje: José Manuel Jiménez.
Dirección artística: Antón Laguna.
Vestuario: Cristina Rodríguez.
Distribuidora: Wanda Visión.
Estreno en España: 10 Septiembre 2010.
No recomendada para menores de 7 años.
Achero Mañas, al que conocimos primero como actor en películas como “1492” (1992), “Dispara” (1993), “Así en el cielo como en la tierra” (1995), “El rey del río” (1995) o “La ley de la frontera” (1995) de pronto se pasó un día al otro lado de la cámara y firmó nada menos que “El bola”, película que en el año 2000 ganó cuatro Goyas entre los que estaba el de mejor película, director y guión (tres responsabilidades suyas además). Además “El bola” ganó el premio a mejor guión en Sundance y se descubrió al entonces aún niño Juan José Ballesta.
Después de aquello Achero Mañas sólo ha hecho dos películas, “Noviembre” y la que nos ocupa, pero yo diría que ambas son dos propuestas atípicas interesantes esencialmente por ello. La primera penetraba en el mundo de los actores de teatro que convierten su “vida en sueño” y hacen de sus anhelos interpretativos el cogollo de sus propias vidas. Ésta cuenta una historia que penetra en el mundo de los sentimientos entre padres e hijos y resulta también una obra atípica por cuanto el quiz del argumento exige a Juan Diego Botto (Leo) que se convierta en la “mamá” de su pequeña hija de cuatro años (Dafne).
Como sucede con las tres películas de Mañas contar de qué tratan puede hacerse en tres líneas, pero lo importante no es la historia sino lo que les sucede a los personajes, lo que viven y sienten. Es una película de emotividades, de cambios, de evolución personal, de autosuperación, metamorfosis inasibles y no sólo sucesos. Por supuesto no es una película de acción, es una película de diálogos y más que de ellos de miradas y gestos (dominan los primeros planos debido a ello).
Como sucedía con “Noviembre” Achero Mañas penetra en terrenos argumentales pantanosos, quizás tratando de hacer un cine especial, arriesgado, comprometido en cierto modo con un tipo de público que quiere que le cuenten historias personales con un plus de originalidad. Lo que vemos en esta película, pretendiendo ser diferente raya lo insólito y casi convierte lo real en fantástico (a causa de una pérdida una niña cree que su padre es su madre y su padre, abogado con prejuicios, deja de tenerlos de sopetón para contentar a su hija) y sólo es creíble y asumible a partir de la premisa de que un intenso dolor y sufrimiento (ese con el que arranca el meollo) lo puede hacer posible.
Sin embargo no es una película dramática sino que trota suavemente entre lo dramático y lo cómico, penetrando en parecidos recovecos anímicos en los que un actor triste puede convertirse en payaso alegre para contentar a su público (no me parece casual el personaje tragicómico del transformista Álex, magnífico y enternecedor José Luis Gómez, el alma de la película).
Pienso que sin los actores protagonistas esta película no hubiera sido posible o hubiera perdido gran parte de su atractivo e incluyo a la niña (Lucía Fernández), cuya carita de porcelana y aire de inocencia es la única razón palpable que nos ofrece Achero Mañas por la que un padre a punto de perder el equilibrio anímico asume que lo mejor para su hija es hacer lo que hace al margen de todo sentido común y de su propia escala de valores. Se nos pide mucho, a más de uno le va a chirriar.
La película también es atípica por su factura, por esos primeros planos constantes y porque cámara, iluminación, puesta en escena se nublan creando una atmósfera tristona que le va bien al punto de vista del padre, que es desde el que se nos cuenta todo (véase que en realidad todo gira en torno a Leo y quizás no era el único punto de vista interesante).
Sin duda la película conmueve, te llega, te emociona, pero una vez vista tienes la sensación de que en cierto modo es previsible y que el mejor caldo de cultivo argumental se ha quedado en eso, en intenciones no desarrolladas, en varios temas simplemente apuntados pero no desarrollados: lo psicológico (los porqués del comportamiento de la niña o la reacción del padre), lo escolar (las consecuencias en el colegio), lo laboral (como afecta todo en el trabajo de Leo), lo romántico (la relación de Leo con Marta) o lo social (las implicaciones de la amistad que surge entre Leo y Álex y cómo afecta esto al resto de relaciones personales de Leo).
A pesar de que resulta previsible y sus intenciones son mejores que su acabado final, una recomendable historia de sentimientos instalada en el territorio de la ternura de inicio a fin.
La opinión de OTI RODRIGUEZ MARCHANTE aquí
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!
- Los títulos de crédito iniciales son sorprendentes con una sucesión de fotos de hombres que travestidos parecen ganar luminosidad en sus rostros aunque a fin de cuentas es un motivo que despista un poco respecto al asunto central de la película.
- La ocurrencia de la “mamá postiza” de la niña
- La muerte en los columpios, un momento de cruda dureza.
- Un Leo sin rumbo llama “Alicia” en la cama a Marta y ésta le pide que no lo haga con toda la sensibilidad de que es capaz y tragándose sus propios sentimientos por él.
- Dos escenas contrapuestas: el momento en que Leo se siente asaltado por Álex en el local de variedad y le llama “¡Maricón de mierda!” y la escena del restaurante en la que le pide perdón.
- Totalmente desesperado Álex rogándole a su hija: “Es importante que me digas que soy papá”.
- El final, cuando la niña le pide que vuelva papá.
Después de aquello Achero Mañas sólo ha hecho dos películas, “Noviembre” y la que nos ocupa, pero yo diría que ambas son dos propuestas atípicas interesantes esencialmente por ello. La primera penetraba en el mundo de los actores de teatro que convierten su “vida en sueño” y hacen de sus anhelos interpretativos el cogollo de sus propias vidas. Ésta cuenta una historia que penetra en el mundo de los sentimientos entre padres e hijos y resulta también una obra atípica por cuanto el quiz del argumento exige a Juan Diego Botto (Leo) que se convierta en la “mamá” de su pequeña hija de cuatro años (Dafne).
Como sucede con las tres películas de Mañas contar de qué tratan puede hacerse en tres líneas, pero lo importante no es la historia sino lo que les sucede a los personajes, lo que viven y sienten. Es una película de emotividades, de cambios, de evolución personal, de autosuperación, metamorfosis inasibles y no sólo sucesos. Por supuesto no es una película de acción, es una película de diálogos y más que de ellos de miradas y gestos (dominan los primeros planos debido a ello).
Como sucedía con “Noviembre” Achero Mañas penetra en terrenos argumentales pantanosos, quizás tratando de hacer un cine especial, arriesgado, comprometido en cierto modo con un tipo de público que quiere que le cuenten historias personales con un plus de originalidad. Lo que vemos en esta película, pretendiendo ser diferente raya lo insólito y casi convierte lo real en fantástico (a causa de una pérdida una niña cree que su padre es su madre y su padre, abogado con prejuicios, deja de tenerlos de sopetón para contentar a su hija) y sólo es creíble y asumible a partir de la premisa de que un intenso dolor y sufrimiento (ese con el que arranca el meollo) lo puede hacer posible.
Sin embargo no es una película dramática sino que trota suavemente entre lo dramático y lo cómico, penetrando en parecidos recovecos anímicos en los que un actor triste puede convertirse en payaso alegre para contentar a su público (no me parece casual el personaje tragicómico del transformista Álex, magnífico y enternecedor José Luis Gómez, el alma de la película).
Pienso que sin los actores protagonistas esta película no hubiera sido posible o hubiera perdido gran parte de su atractivo e incluyo a la niña (Lucía Fernández), cuya carita de porcelana y aire de inocencia es la única razón palpable que nos ofrece Achero Mañas por la que un padre a punto de perder el equilibrio anímico asume que lo mejor para su hija es hacer lo que hace al margen de todo sentido común y de su propia escala de valores. Se nos pide mucho, a más de uno le va a chirriar.
La película también es atípica por su factura, por esos primeros planos constantes y porque cámara, iluminación, puesta en escena se nublan creando una atmósfera tristona que le va bien al punto de vista del padre, que es desde el que se nos cuenta todo (véase que en realidad todo gira en torno a Leo y quizás no era el único punto de vista interesante).
Sin duda la película conmueve, te llega, te emociona, pero una vez vista tienes la sensación de que en cierto modo es previsible y que el mejor caldo de cultivo argumental se ha quedado en eso, en intenciones no desarrolladas, en varios temas simplemente apuntados pero no desarrollados: lo psicológico (los porqués del comportamiento de la niña o la reacción del padre), lo escolar (las consecuencias en el colegio), lo laboral (como afecta todo en el trabajo de Leo), lo romántico (la relación de Leo con Marta) o lo social (las implicaciones de la amistad que surge entre Leo y Álex y cómo afecta esto al resto de relaciones personales de Leo).
A pesar de que resulta previsible y sus intenciones son mejores que su acabado final, una recomendable historia de sentimientos instalada en el territorio de la ternura de inicio a fin.
La opinión de OTI RODRIGUEZ MARCHANTE aquí
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!
- Los títulos de crédito iniciales son sorprendentes con una sucesión de fotos de hombres que travestidos parecen ganar luminosidad en sus rostros aunque a fin de cuentas es un motivo que despista un poco respecto al asunto central de la película.
- La ocurrencia de la “mamá postiza” de la niña
- La muerte en los columpios, un momento de cruda dureza.
- Un Leo sin rumbo llama “Alicia” en la cama a Marta y ésta le pide que no lo haga con toda la sensibilidad de que es capaz y tragándose sus propios sentimientos por él.
- Dos escenas contrapuestas: el momento en que Leo se siente asaltado por Álex en el local de variedad y le llama “¡Maricón de mierda!” y la escena del restaurante en la que le pide perdón.
- Totalmente desesperado Álex rogándole a su hija: “Es importante que me digas que soy papá”.
- El final, cuando la niña le pide que vuelva papá.
“El último mohicano” (Michael Mann, 1992)
*****Título original: The Last of the Mohicans
Guión: Christopher Crowe y Michael Mann
Fotografía: Dante Spinotti
Música: Trevor Jones y Randy Edelman
Reparto: Daniel Day-Lewis (Ojo de Halcón), Madeleine Stowe (Cora Munro), Wes Studi (Magua), Maurice Roewes (Coronel Munro), Jodhi May (Alice Munro), Rusell Means (Chingachgook), Eric Schweig (Uncas), Steven Waddington (Mayor Duncan), Patrice Chereau (General Montcalm), Pete Postlethwaite.
Producción: 1992. EE.UU.
Género: Western, aventuras, Romance
Duración: 112 minutos.
La primera vez que vi “El último mohicano” allá por 1992 me dejó un tanto indiferente, quizás porque esperaba otra cosa o porque no era un buen momento para verla, el caso es que mis compañeros de visionado habían salido encantados de la sesión así que decidí darle otra oportunidad en cuanto me fuera posible. La segunda vez la pillé empezada en televisión y me dejó enganchado a la pantalla hasta el final. Aún han caído otros dos visionados más: el tercero me hizo cambiar definitivamente me impresión inicial sobre la película y el cuarto me ha rendido definitivamente.
Es posible que al ser una película que se toma su tiempo para desarrollar el argumento y que se recrea en escenarios naturales resulte un tanto “lenta”, más para un espectador acostumbrado al cine de acción actual, tan dado a dar una sensación de celeridad a través de un montaje vertiginoso. No obstante creo que habría que aclarar eso de “lenta” porque cuando decimos que algo es lento lo hacemos para calificarlo de forma negativa y en cambio a mí no me parece que esta película lo sea, de hecho pienso que el montaje atina con un ritmo adecuado aún cuando muchas escenas son un mero seguimiento de los personajes a través de los escenarios naturales. En concreto todo el tramo final me parece fabuloso, emocionante, intenso, espectacular....no es preciso que nadie explique qué pasa o qué sienten los personajes, sus miradas y acciones lo describen a la perfección y todo queda envuelto por una fascinante épica trágica.
Posee esta película de Michael Mann, en gran parte gracias a la extraordinaria banda sonora, a sus poderosas imágenes naturales y al argumento en sí, una mezcla entre épica y romanticismo, un tono melancólico y agridulce que la sobredimensiona y la hace idónea como adaptación de la novela de Fenimore Cooper y la convierte en un título singular en la historia del cine quizás sólo comparable con “Bailando con lobos”, con la que tiene muchos puntos en común (de hecho podríamos decir que el éxito de ésta hizo posible que un par de años después se hiciera “El último mohicano”). Particularmente hecho de menos más películas de esta índole porque westerns épicos los hay a cientos, películas que si sitúen del lado de los indios y su cultura unas cuantas sobretodo desde los años 70’s y por supuesto historias de amor interracial haberlas también haylas; pero la mezcla conseguida en esta ocasión es poco común.
La épica emana de las poderosísimas imágenes que nos regala la cámara de Michael Mann, embellecidas por una luminosa fotografía de Dante Spinotti que logra exprimir al máximo las posibilidades del scope, acompañadas siempre por la inolvidable música de Trevor Jones y Randy Edelman, con unos escenarios naturales sobrecogedores y el director refuerza muchos momentos a través de la cámara lenta, casi siempre con los mohicanos acudiendo prestos a la batalla, implacables en sus acciones, nobles en su comportamiento...Ver en este caso a Ojo de Halcón (Daniel Day-Lewis), a su padre y a su hermano corriendo a través de las espesura, o entre enemigos acudiendo a rescatar a las hermanas Murron o subiendo por las rocas persiguiendo a sus enemigos los hurones posee una fuerza arrebatadora. La película posee una fisicidad innegable, de pronto no te sientes espectador, sino que estás allí (por supuesto mucho más si ves la película en una pantalla grande).
Disfrutar de los escenarios y de esas bellas imágenes tomadas por las cámaras te ayuda a comulgar con la terrible sensación de pérdida de los indios, conscientes de que los hombres blancos llegaban para arrebatarles su paraíso. Mann consigue transmitir a la perfección la sensación de libertad que experimentan los mohicanos actuando por libre, sin asumir ningún vasallaje, dejándose llevar por su instinto; pero también muestra como quedan a expuestos a la llegada de un nuevo mundo, a la codicia de unos y otros y a las consecuencias de un enfrentamiento que sólo desata odios y muerte y en el que el amor o la fraternidad son un tesoro que merece la pena custodiar aún a costa de la propia vida. La sensación que sientes es agridulce porque entiendes que la belleza está amenazada por una tragedia que resulta inevitable.
La historia que nos narran se centra en 1757, en la zona americana de los grandes lagos, durante el tercer año de enfrentamiento entre franceses y británicos por dominar aquellas tierras. Ojo de Halcón, un hombre blanco adoptado por el mohicano Chingachgook y su hijo Uncas trata de mantenerse al margen del conflicto, pero al ayudar a la partida en la que viajan las hijas de un coronel británico (Cora y Alice Munro) contra los hurones liderados por Magua queda irremediablemente ligado al destino de éstas.
Junto con “Heat” estamos ante la mejor película de Michael Mann, brillante productor y un director eminentemente visual, que trata de transmitir a través de sus imágenes una mezcla agridulce y melancólica enfrentando lo espectacular de los entornos con lo íntimo de los personajes y que encontró quizás su mejor expresión en la serie “Corrupción en Miami” a través del personaje de Sonny Crockett. En su día la película tuvo una tibia acogida, pero ha ido ganando enteros mientras otros títulos suyos teóricamente más ambiciosos como “El dilema” (The insider)(1999), “Ali” (2001), “Collateral” (2004), “Corrupción en Miami” (2006) o “Enemigos públicos” (2009) se han ido debilitando con el paso del tiempo en la apreciación general de crítica y público.
También es uno de los mejores trabajos de un magnífico reparto en el que sobresalen por supuesto el todoterreno Daniel Day Lewis y un siempre eficaz Wes Studi, el perfecto “enemigo” indio, brutal y implacable, que con su sola presencia incrementa exponencialmente la sensación de amenaza en nosotros. Madeleine Stowe también raya a gran nivel a pesar de su corto papel porque sabe imprimir a su personaje un tono romántico que no resulta ñoño en ningún momento, a la altura de la relación que establece con un Ojo de Halcón que es todo menos un amante sensiblón.
En esencia “El último mohicano” es una película de aventuras con forma de western, pero no renuncia ni a la reivindicación del pueblo indio ni al romance y ante todo es una experiencia audiovisual a medio camino entre lo épico y lo sentimental, por eso funcionan tan bien sus mejores escenas acompañadas por el tema principal de la banda sonora, que es un perfecta conjunción de la épica visual con el lirismo musical.
Ganó un óscar a mejor sonido, su única nominación aunque seguramente merecía más, en el año que venció “Sin perdón”.
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!
- La persecución de arranque con los tres indios persiguiendo a un ciervo.
- El ataque sorpresa de los hurones que arranca con una imagen magnífica en primer plano del hacha de Magua apareciendo de improviso de su manga.
- El primer encontronazo de Ojo de Halcón y Cora cuando ésta le reclama que entierre a unos blancos asesinados en la frontera y él le contesta: “No son extraños y se quedarán tal y como están”. La explicación se la da luego: si los hubieran enterrado habrían delatado su paso por allí.
- El momento en que Ojo de Halcón se decide a mostrar sus sentimientos mientras Cora limpia una herida de su hermano Uncas: ¿Qué está usted mirando? / “La estoy mirando a usted?”
- La salida del mensajero, atacado por los indios fieles a los franceses siendo abatidos por los disparos de Ojo de Halcón desde el fuerte.
- Ojo de Halcón buscando a Cora junto a la hoguera del patio en el fuerte, encontrándola y llevándosela por fin a un lugar apartado.
- La discusión entre Cora y el Coronel Munro en relación a la ejecución de Ojo de Halcón.
- El encuentro entre el Coronel Munro y el Coronel francés en el que deciden la rendición de Fort William Henry.
- Magua explicando al Coronel francés su historia y las razones por las que quiere la muerte del Coronel Munro (Cabeza gris) y sus hijas.
- Desde el ataque de los hurones a los ingleses hasta el final todo es excepcional: la batalla en sí, el rescate de Ojo de Halcón a las hermanas, la forma en que Magua asesina al Coronel Munro, la huida en las canoas por el río, cómo se ocultan en la cueva tras la catarata, Ojo de Halcón saltando por ella para escapar después de asegurarle a Cora que resista porque la encontrará allá a donde vaya (“¡Manténte viva! Si te rindes te llevarán al norte a las tierras de los hurones. ¡Sométete! ¿Me oyes? Tú eres fuerte, ¡sobrevive!. Pase lo que pase manténte con vida. Te encontraré. Por mucho que me cueste, por muy lejos que estés, te encontraré”), la persecución hasta el poblado indio (mención especial para la entrada de Ojo de Halcón humillado y golpeado por los hurones), la forma en que discuten Ojo de Halcón y Magua frente al Jefe, la decisión del mayor Duncan y la conclusión.
- El final de esta película me parece extraordinario, es una explosión sin igual de sensaciones, una liberación de testosterona y adrenalina, un espectáculo visual sin parangón (es fascinante el momento en que Chingachgook sale corriendo recto e imperturbable hacia Magua destrozando enemigos a su paso con Ojo de Halcón a su rebufo librándole de enemigos con dos rifles en mano) y a la vez es un momento brutal (descomunal hachazo final) y catártico, lleno de dolor y pérdida (una vez acabado todo Chingachgook mira a Ojo de Halcón y sin decir una palabra descubres en su mirada una profunda tristeza, la de ser consciente de que él es el último mohicano).
Es posible que al ser una película que se toma su tiempo para desarrollar el argumento y que se recrea en escenarios naturales resulte un tanto “lenta”, más para un espectador acostumbrado al cine de acción actual, tan dado a dar una sensación de celeridad a través de un montaje vertiginoso. No obstante creo que habría que aclarar eso de “lenta” porque cuando decimos que algo es lento lo hacemos para calificarlo de forma negativa y en cambio a mí no me parece que esta película lo sea, de hecho pienso que el montaje atina con un ritmo adecuado aún cuando muchas escenas son un mero seguimiento de los personajes a través de los escenarios naturales. En concreto todo el tramo final me parece fabuloso, emocionante, intenso, espectacular....no es preciso que nadie explique qué pasa o qué sienten los personajes, sus miradas y acciones lo describen a la perfección y todo queda envuelto por una fascinante épica trágica.
Posee esta película de Michael Mann, en gran parte gracias a la extraordinaria banda sonora, a sus poderosas imágenes naturales y al argumento en sí, una mezcla entre épica y romanticismo, un tono melancólico y agridulce que la sobredimensiona y la hace idónea como adaptación de la novela de Fenimore Cooper y la convierte en un título singular en la historia del cine quizás sólo comparable con “Bailando con lobos”, con la que tiene muchos puntos en común (de hecho podríamos decir que el éxito de ésta hizo posible que un par de años después se hiciera “El último mohicano”). Particularmente hecho de menos más películas de esta índole porque westerns épicos los hay a cientos, películas que si sitúen del lado de los indios y su cultura unas cuantas sobretodo desde los años 70’s y por supuesto historias de amor interracial haberlas también haylas; pero la mezcla conseguida en esta ocasión es poco común.
La épica emana de las poderosísimas imágenes que nos regala la cámara de Michael Mann, embellecidas por una luminosa fotografía de Dante Spinotti que logra exprimir al máximo las posibilidades del scope, acompañadas siempre por la inolvidable música de Trevor Jones y Randy Edelman, con unos escenarios naturales sobrecogedores y el director refuerza muchos momentos a través de la cámara lenta, casi siempre con los mohicanos acudiendo prestos a la batalla, implacables en sus acciones, nobles en su comportamiento...Ver en este caso a Ojo de Halcón (Daniel Day-Lewis), a su padre y a su hermano corriendo a través de las espesura, o entre enemigos acudiendo a rescatar a las hermanas Murron o subiendo por las rocas persiguiendo a sus enemigos los hurones posee una fuerza arrebatadora. La película posee una fisicidad innegable, de pronto no te sientes espectador, sino que estás allí (por supuesto mucho más si ves la película en una pantalla grande).
Disfrutar de los escenarios y de esas bellas imágenes tomadas por las cámaras te ayuda a comulgar con la terrible sensación de pérdida de los indios, conscientes de que los hombres blancos llegaban para arrebatarles su paraíso. Mann consigue transmitir a la perfección la sensación de libertad que experimentan los mohicanos actuando por libre, sin asumir ningún vasallaje, dejándose llevar por su instinto; pero también muestra como quedan a expuestos a la llegada de un nuevo mundo, a la codicia de unos y otros y a las consecuencias de un enfrentamiento que sólo desata odios y muerte y en el que el amor o la fraternidad son un tesoro que merece la pena custodiar aún a costa de la propia vida. La sensación que sientes es agridulce porque entiendes que la belleza está amenazada por una tragedia que resulta inevitable.
La historia que nos narran se centra en 1757, en la zona americana de los grandes lagos, durante el tercer año de enfrentamiento entre franceses y británicos por dominar aquellas tierras. Ojo de Halcón, un hombre blanco adoptado por el mohicano Chingachgook y su hijo Uncas trata de mantenerse al margen del conflicto, pero al ayudar a la partida en la que viajan las hijas de un coronel británico (Cora y Alice Munro) contra los hurones liderados por Magua queda irremediablemente ligado al destino de éstas.
Junto con “Heat” estamos ante la mejor película de Michael Mann, brillante productor y un director eminentemente visual, que trata de transmitir a través de sus imágenes una mezcla agridulce y melancólica enfrentando lo espectacular de los entornos con lo íntimo de los personajes y que encontró quizás su mejor expresión en la serie “Corrupción en Miami” a través del personaje de Sonny Crockett. En su día la película tuvo una tibia acogida, pero ha ido ganando enteros mientras otros títulos suyos teóricamente más ambiciosos como “El dilema” (The insider)(1999), “Ali” (2001), “Collateral” (2004), “Corrupción en Miami” (2006) o “Enemigos públicos” (2009) se han ido debilitando con el paso del tiempo en la apreciación general de crítica y público.
También es uno de los mejores trabajos de un magnífico reparto en el que sobresalen por supuesto el todoterreno Daniel Day Lewis y un siempre eficaz Wes Studi, el perfecto “enemigo” indio, brutal y implacable, que con su sola presencia incrementa exponencialmente la sensación de amenaza en nosotros. Madeleine Stowe también raya a gran nivel a pesar de su corto papel porque sabe imprimir a su personaje un tono romántico que no resulta ñoño en ningún momento, a la altura de la relación que establece con un Ojo de Halcón que es todo menos un amante sensiblón.
En esencia “El último mohicano” es una película de aventuras con forma de western, pero no renuncia ni a la reivindicación del pueblo indio ni al romance y ante todo es una experiencia audiovisual a medio camino entre lo épico y lo sentimental, por eso funcionan tan bien sus mejores escenas acompañadas por el tema principal de la banda sonora, que es un perfecta conjunción de la épica visual con el lirismo musical.
Ganó un óscar a mejor sonido, su única nominación aunque seguramente merecía más, en el año que venció “Sin perdón”.
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!
- La persecución de arranque con los tres indios persiguiendo a un ciervo.
- El ataque sorpresa de los hurones que arranca con una imagen magnífica en primer plano del hacha de Magua apareciendo de improviso de su manga.
- El primer encontronazo de Ojo de Halcón y Cora cuando ésta le reclama que entierre a unos blancos asesinados en la frontera y él le contesta: “No son extraños y se quedarán tal y como están”. La explicación se la da luego: si los hubieran enterrado habrían delatado su paso por allí.
- El momento en que Ojo de Halcón se decide a mostrar sus sentimientos mientras Cora limpia una herida de su hermano Uncas: ¿Qué está usted mirando? / “La estoy mirando a usted?”
- La salida del mensajero, atacado por los indios fieles a los franceses siendo abatidos por los disparos de Ojo de Halcón desde el fuerte.
- Ojo de Halcón buscando a Cora junto a la hoguera del patio en el fuerte, encontrándola y llevándosela por fin a un lugar apartado.
- La discusión entre Cora y el Coronel Munro en relación a la ejecución de Ojo de Halcón.
- El encuentro entre el Coronel Munro y el Coronel francés en el que deciden la rendición de Fort William Henry.
- Magua explicando al Coronel francés su historia y las razones por las que quiere la muerte del Coronel Munro (Cabeza gris) y sus hijas.
- Desde el ataque de los hurones a los ingleses hasta el final todo es excepcional: la batalla en sí, el rescate de Ojo de Halcón a las hermanas, la forma en que Magua asesina al Coronel Munro, la huida en las canoas por el río, cómo se ocultan en la cueva tras la catarata, Ojo de Halcón saltando por ella para escapar después de asegurarle a Cora que resista porque la encontrará allá a donde vaya (“¡Manténte viva! Si te rindes te llevarán al norte a las tierras de los hurones. ¡Sométete! ¿Me oyes? Tú eres fuerte, ¡sobrevive!. Pase lo que pase manténte con vida. Te encontraré. Por mucho que me cueste, por muy lejos que estés, te encontraré”), la persecución hasta el poblado indio (mención especial para la entrada de Ojo de Halcón humillado y golpeado por los hurones), la forma en que discuten Ojo de Halcón y Magua frente al Jefe, la decisión del mayor Duncan y la conclusión.
- El final de esta película me parece extraordinario, es una explosión sin igual de sensaciones, una liberación de testosterona y adrenalina, un espectáculo visual sin parangón (es fascinante el momento en que Chingachgook sale corriendo recto e imperturbable hacia Magua destrozando enemigos a su paso con Ojo de Halcón a su rebufo librándole de enemigos con dos rifles en mano) y a la vez es un momento brutal (descomunal hachazo final) y catártico, lleno de dolor y pérdida (una vez acabado todo Chingachgook mira a Ojo de Halcón y sin decir una palabra descubres en su mirada una profunda tristeza, la de ser consciente de que él es el último mohicano).
NO VER EL VIDEO SI NO SE HA VISTO LA PELÍCULA
sábado, 24 de diciembre de 2011
“La piel que habito” (Pedro Almodóvar, 2011)
***Título internacional: The skin I live in.
País: España.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Reparto: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya (Vera), Marisa Paredes (Marilia), Jan Cornet (Vicente), Roberto Álamo (Zeca), Blanca Suárez (Norma), Eduard Fernández (Fulgencio), José Luis Gómez (Presidente del Instituto de Biotecnología), Bárbara Lennie (Cristina), Susi Sánchez (madre de Vicente), Fernando Cayo (médico). Guion: Pedro Almodóvar; inspirado en la novela “Tarántula”, de Thierry Jonquet. Producción: Agustín Almodóvar y Esther García.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: José Luis Alcaine.
Montaje: José Salcedo.
Vestuario: Paco Delgado, con la colaboración de Jean-Paul Gaultier.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 2 Septiembre 2011.
No recomendada para menores de 16 años.
Pedro Almodóvar entró hace años en una especie de estado de gracia con el que ha sabido imprimir a su cine un estilo propio inconfundible y un interés que va más allá de nuestras fronteras gracias siempre a argumentos pasionales, personajes peculiares con los que los actores pueden lucirse y una puesta en escena de diseño muy cuidado y un atractivo visual innegable.
Con más acierto (“Volver”, “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella”) o menos acierto (“La mala educación”, “Los abrazos rotos”) estos últimos años ha puesto la guinda a una filmografía espectacular que te puede gustar o no, porque sus argumentos no nos gustan a todos por igual, pero que es indiscutible por repercusión, por reconocimiento de crítica y público en todo el mundo y porque representan una forma de expresión personal e intrasferible (véanse créditos, tomas cenitales, decorados, la inserción del tema musical de Buika o la banda sonora de Alberto Iglesias, una vez más sorprendente y muy bien entroncada con el particular universo que recrea Almodóvar).
“La piel que habito” yo diría que es otro tanto más que sumar a los aciertos y es seguramente una de sus películas más asequibles y más recomendables incluso para los que no comulgan mucho con su cine. Posee desde su arranque una suerte de suspense que te empuja a querer saber más sobre los personajes y su estructura narrativa, saltando en el tiempo, descolocándote para que luego vayas encajando piezas, hace que la trama se te haga entretenida y la película se te pase en un suspiro.
Como siempre la piedra angular del relato son los personajes, bien construidos desde el guión, peculiares en sus formas o en sus fondos todos ellos, capaces de sorprenderte por lo que hacen, por cómo se comportan o por lo que son...y con motivaciones que son los engranajes en esta ocasión de un complejo argumento trágico repleto de obsesiones, erotismo y venganza. Es decir, Almodóvar en estado puro, pero además con ese plus del suspense del que hablaba antes.
Casi es obvio en una película del director manchego decir que los actores están sensacionales, pero es que es verdad. Incluso ha conseguido eliminar en Antonio Banderas todo rastro de acento y sobreactuación, que era algo que a mi juicio le estaba perjudicando mucho últimamente, cuando nadie duda que es un magnífico actor. Elena Anaya también está estupenda y no me refiero sólo a lo literal, que también, cosa a la que hay que referirse porque Almodóvar lo aprovecha para insuflar un cierto toque erótico a la historia y el resto del elenco está a buen nivel, como no podría ser de otra manera, desde esa Marisa Paredes siempre eficaz a una Blanca Suárez que es una de las presencias emergentes más sobresalientes del cine español (Si sigue así esta chica puede llegar muy lejos porque domina todos los registros y su presencia en pantalla es como un agujero negro que acapara toda tu atención en cuanto aparece).
Del argumento mejor no decir mucho, simplemente que todo gira en torno a Robert, ambicioso cirujano plástico marcado por el drama de su pasado cuyo deseo de venganza (no digo de qué) origina una historia que se resuelve de forma sorprendente. En algunas cosas, también por Banderas, recuerda a “Átame” en otras a “Hable con ella” o a “El coleccionista” (William Wyler, 1965) o a “Vértigo” (Alfred Hitchcock, 1958)
En el debe quizás lo más llamativo es ese efecto de “comedia involuntaria” que produce alguna de sus escenas más salidas de madre, en el haber que pocas veces un guión de Almodóvar ha tenido tanta capacidad de sorpresa y pocas veces ha sido menos previsible su cine, así que en lo que a eso respecta una baza a favor para conquistar espectadores reticentes. Yo diría que por ello es de las películas de Almodóvar más recomendables para cualquier tipo de público.
Como siempre mi opinión nunca será tan preclara como la de Oti Rodríguez Marchante o Carlos Boyero
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡NO LEER MÁS, CONTIENE SPOILERS!!!!
La película posee varias escenas muy "marca de la casa":
- Robert mirando en una pantalla gigante a Vera y ampliando su rostro con un zoom.
- La violación de Vera por Zeca disfrazado de tigre.
- La orgía en los jardines donde Vicente trata de acostarse con Norma (antológica Blanca Suárez haciendo de tontita).
- El cameo de Agustín Almodóvar en un breve papel.
- La persecución de la moto.
- La elipsis temporal con la que descubrimos el cambio que se opera en Vicente y el secreto mejor guardado del argumento.
- El intento de huida de Vera y el corte en el cuello cuando no lo consigue.
- La escena del aspirador en la que éste retrocede hasta la pared cuando Vera termina de usarlo.
- Vera pintando en la pared de su encierro creando un enorme mural.
- Robert poniendo alambre a un bonsai.
- La escena final en la que Vera toma la iniciativa para huir.
Con más acierto (“Volver”, “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella”) o menos acierto (“La mala educación”, “Los abrazos rotos”) estos últimos años ha puesto la guinda a una filmografía espectacular que te puede gustar o no, porque sus argumentos no nos gustan a todos por igual, pero que es indiscutible por repercusión, por reconocimiento de crítica y público en todo el mundo y porque representan una forma de expresión personal e intrasferible (véanse créditos, tomas cenitales, decorados, la inserción del tema musical de Buika o la banda sonora de Alberto Iglesias, una vez más sorprendente y muy bien entroncada con el particular universo que recrea Almodóvar).
“La piel que habito” yo diría que es otro tanto más que sumar a los aciertos y es seguramente una de sus películas más asequibles y más recomendables incluso para los que no comulgan mucho con su cine. Posee desde su arranque una suerte de suspense que te empuja a querer saber más sobre los personajes y su estructura narrativa, saltando en el tiempo, descolocándote para que luego vayas encajando piezas, hace que la trama se te haga entretenida y la película se te pase en un suspiro.
Como siempre la piedra angular del relato son los personajes, bien construidos desde el guión, peculiares en sus formas o en sus fondos todos ellos, capaces de sorprenderte por lo que hacen, por cómo se comportan o por lo que son...y con motivaciones que son los engranajes en esta ocasión de un complejo argumento trágico repleto de obsesiones, erotismo y venganza. Es decir, Almodóvar en estado puro, pero además con ese plus del suspense del que hablaba antes.
Casi es obvio en una película del director manchego decir que los actores están sensacionales, pero es que es verdad. Incluso ha conseguido eliminar en Antonio Banderas todo rastro de acento y sobreactuación, que era algo que a mi juicio le estaba perjudicando mucho últimamente, cuando nadie duda que es un magnífico actor. Elena Anaya también está estupenda y no me refiero sólo a lo literal, que también, cosa a la que hay que referirse porque Almodóvar lo aprovecha para insuflar un cierto toque erótico a la historia y el resto del elenco está a buen nivel, como no podría ser de otra manera, desde esa Marisa Paredes siempre eficaz a una Blanca Suárez que es una de las presencias emergentes más sobresalientes del cine español (Si sigue así esta chica puede llegar muy lejos porque domina todos los registros y su presencia en pantalla es como un agujero negro que acapara toda tu atención en cuanto aparece).
Del argumento mejor no decir mucho, simplemente que todo gira en torno a Robert, ambicioso cirujano plástico marcado por el drama de su pasado cuyo deseo de venganza (no digo de qué) origina una historia que se resuelve de forma sorprendente. En algunas cosas, también por Banderas, recuerda a “Átame” en otras a “Hable con ella” o a “El coleccionista” (William Wyler, 1965) o a “Vértigo” (Alfred Hitchcock, 1958)
En el debe quizás lo más llamativo es ese efecto de “comedia involuntaria” que produce alguna de sus escenas más salidas de madre, en el haber que pocas veces un guión de Almodóvar ha tenido tanta capacidad de sorpresa y pocas veces ha sido menos previsible su cine, así que en lo que a eso respecta una baza a favor para conquistar espectadores reticentes. Yo diría que por ello es de las películas de Almodóvar más recomendables para cualquier tipo de público.
Como siempre mi opinión nunca será tan preclara como la de Oti Rodríguez Marchante o Carlos Boyero
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡NO LEER MÁS, CONTIENE SPOILERS!!!!
La película posee varias escenas muy "marca de la casa":
- Robert mirando en una pantalla gigante a Vera y ampliando su rostro con un zoom.
- La violación de Vera por Zeca disfrazado de tigre.
- La orgía en los jardines donde Vicente trata de acostarse con Norma (antológica Blanca Suárez haciendo de tontita).
- El cameo de Agustín Almodóvar en un breve papel.
- La persecución de la moto.
- La elipsis temporal con la que descubrimos el cambio que se opera en Vicente y el secreto mejor guardado del argumento.
- El intento de huida de Vera y el corte en el cuello cuando no lo consigue.
- La escena del aspirador en la que éste retrocede hasta la pared cuando Vera termina de usarlo.
- Vera pintando en la pared de su encierro creando un enorme mural.
- Robert poniendo alambre a un bonsai.
- La escena final en la que Vera toma la iniciativa para huir.
viernes, 23 de diciembre de 2011
jueves, 22 de diciembre de 2011
Trailer - "Wrath of the Titans" (2012)
La segunda parte de "Furia de Titanes" promete más espectáculo. A ver si no se pasan mucho con los efectos...
miércoles, 21 de diciembre de 2011
martes, 20 de diciembre de 2011
Grandes escenas - Les Grossman bailando en Tropic Thunder
La mejor escena de "Tropic thunder" la protagonizaba un irreconocible Tom Cruise en los créditos finales...
Y hace poco repetía en la entrega de los MTV Awards con JLO
Y hace poco repetía en la entrega de los MTV Awards con JLO
Trailer - "The dark knight rises" (Christopher Nolan, 2012)
Será difícil que Christopher nolan se supere a sí mismo después de las dos entregas de Batman y "Orígenes", pero si alguien puede hacerlo es él...
Trailer - "Rock of ages" (2012)
Tengo serias dudas sobre la película, pero la participación de Tom Cruise haciendo de rockero me motiva bastante por pura curiosidad...
“La boda de mi mejor amiga” (Paul Feig, 2011)
**Título original: Bridesmaids.
País: EEUU.
Duración: 125 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Rose Byrne (Helen), Kristen Wiig (Annie), Maya Rudolph (Lillian), Wendi McLendon-Covey (Rita), Chris O’Dowd (oficial Nathan Rhodes), Ellie Kemper (Becca), Matt Lucas (Gil), Melissa McCarthy (Megan), Jon Hamm (Ted).
Guión: Kristen Wiig y Annie Mumolo.
Producción: Judd Apatow, Barry Mendel y Clayton Townsend.
Música: Michael Andrews.
Fotografía: Robert D. Yeoman.
Montaje: William Kerr y Mike Sale.
Diseño de producción: Jefferson Sage.
Vestuario: Leesa Evans.
Distribuidora: Universal Pictures International Pictures Spain.
Estreno en USA: 13 Mayo 2011.
Estreno en España: 12 Agosto 2011.
No recomendada para menores de 12 años.
Pocas veces ha engañado más un título y un cartel. De hecho considero esencial para saber qué te vas a encontrar investigar un poco en el trailer y recibir información adicional, porque en caso contrario uno podría pensar que es una versión femenina de “Resacón en las Vegas” o un comedia al estilo de la casi homónima “La boda de mi mejor amigo” de Julia Roberts o de “Sexo en Nueva York”. Pues lo cierto es que no es nada de eso, sino algo completamente diferente, más próximo a “El diario de Bridget Jones” pero con un humor más grueso.
Es importante saber que el responsable es Judd Appatow, productor de títulos como “Un loco a domicilio” (1996), “Virgen a los 40” (2005), “Supersalidos” (2007), “Superfumados” (2008), “Año uno” (2009), “Hazme reír”( 2009) o “Todo sobre mi desmadre” (2010), es decir, que el tipo de comedia con el que te vas a encontrar si la ves tiene más que ver con ese humor provocador que raya la fina línea del buen gusto y lo escatológico (tremenda la escena de la “indisposición alimentaria” en la tienda de vestidos de novia) y que también enternece con historias de personas buscándose a sí mismas.
La mezcla entre el humor casi-grueso, lo “frikie” y cierta ternura hacen que las comedias de Appatow estén funcionando bastante bien porque son entretenidas, porque muchas veces la “vergüenza ajena” que producen muchas escenas resulta incorrectamente divertida y porque es difícil no conectar con los protagonistas, que son antihéroes, arquetipos mucho más próximos a cualquiera de nosotros que los que protagonizan las comedias más sofisticadas. El caso es que “La boda de mi mejor amiga” se ha convertido en el mayor éxito en taquilla hasta la fecha de Appatow y se le ha reconocido con premios y nominaciones, la última en el apartado de mejor comedia o musical en os Globos de oro de este año 2011.
Particularmente no es el tipo de comedia que más me gusta, prefiero más aquella que se basa en la ironía o en humor más fino y menos transgresor, pero este tipo de comedias siempre me han parecido “desengrasantes” porque de algún modo desatascan los resortes más primarios de nuestro sentido del humor, permitiéndonos que nos reíamos o nos sonrojemos con situaciones poco correctas con las que sería de dudoso gusto hacerlo en la vida real. Es un poco lo que ocurría con “Algo pasa con Mary”. Son películas que no puedes tomártelas muy en serio, pero se trata precisamente de eso, de reírte de situaciones ridículas o salidas de madre. Por supuesto, habrá quien esto no le haga la más mínima gracia.
Gran parte del éxito de la película cabe atribuírselo a la actriz protagonista, Kristen Wiig (por momentos recuerda a la mejor Meg Ryan), que demuestra un excepcional desparpajo para resolver de forma hilarante y con un estilo muy personal las escenas más ridículas. Su personaje de Annie enseguida empatiza con el espectador y gracias a ello la película gana interés aún cuando el argumento decae, que lo hace hacia la mitad final porque el metraje es probablemente excesivo. Wiig es además coautora del guión junto a Annie Mumolo demostrando que los años que pasó trabajando en Saturday night live dejaron poso.
El argumento trata sobre una boda, en efecto, la boda de la mejor amiga de Annie y sus preparativos, pero realmente el tema central es la propia Annie buscándose a sí misma, hundiéndose en todos los aspectos de su vida para reinventarse (como le dice a su madre “aún no había tocado fondo”), algo recurrente en las comedias de Appatow por la sencilla razón que sus protagonistas son casi siempre “patosos”, “frikies”, “perdedores” pero con una importante virtud, todos son buena gente y eso les redime al final gracias a sus amistades.
Una película entretenida que gustará más o menos dependiendo de si su sentido del humor conecta o no contigo y que, eso sí, garantiza unas cuantas escenas de literal “vergüenza ajena”. Eso sí, es sintomático ese momento en que, cuando Annie está viendo una escena de “Naúfrago” te darían ganas de cambiar de una película a la otra.
MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!
- La escena inicial entre Kristen Wiig y Jon Hamm (el Don Draper de “Mad men”) en la cama: “Quiero que te vayas y no sé cómo decírtelo sin ser un capullo”.
- La escena del tatuaje y los guisantes ¿se puede ser más corta?
- La escena de los agradecimientos a la novia en la que hablan Annie y Helen.
- En la escena en la que la para el policia la forma en que Annie demuestra que no va borracha haciendo monadas sobre la línea blanca de la calzada.
- La escena de la tienda de vestidos de novia, probablemente la escena más impactante de la película por escatológica y salida de madre.
- El policía y Annie controlando la velocidad de los coches que circulan por la carretera.
- La escena en la que Megan le hace ver a Annie que no debe compadecerse de sí misma.
- La escena en la que Annie pierde los papeles en la fiesta de despedida de soltera de su amiga.
- La escena en la que Annie trata de llamar la atención del agente Nathan pasando varios veces por delante de él infringiendo todo tipo de normas de circulación.
lunes, 19 de diciembre de 2011
Trailer - "Jack and the giant killer" (Bryan Singer, 2012)
Se están poniendo de moda las adaptaciones de cuentos con todo lujo de efectos especiales. Gran culpa de ello lo tienen la Alicia de Tim Burton y la nueva serie "Once upon a time". Ojo con esto, que viene firmado por Bryan Singer...
sábado, 17 de diciembre de 2011
viernes, 16 de diciembre de 2011
jueves, 15 de diciembre de 2011
Globos de oro 2012 - Nominaciones
MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
The Descendants
Criadas y señoras (The Help)
Hugo
The Ides of March
Moneyball
War Horse
MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
George Clooney The Descendants
Leonardo DiCaprio J. Edgar
Michael Fassbender Shame
Ryan Gosling The Ides of March
Brad Pitt Moneyball
MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Glenn Close Albert Nobbs
Viola Davis Criadas y señoras (The Help)
Rooney Mara The Girl with the Dragon Tattoo
Meryl Streep The Iron Lady
Tilda Swinton We Need to Talk about Kevin
MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL
50/50
The Artist
La boda de mi mejor amiga
Midnight in Paris
My Week with Marilyn
MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL
Jean Dujardin The Artist
Brendan Gleeson The Guard
Joseph Gordon-Levitt 50/50
Ryan Gosling Crazy, Stupid, Love
Owen Wilson Midnight in Paris
MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL
Jodie Foster Un dios salvaje
Charlize Theron Young Adult
Kristin Wiig La boda de mi mejor amiga
Michelle Williams My Week with Marilyn
Kate Winslet Un dios salvaje
MEJOR DIRECTOR
Woody Allen Midnight in Paris
George Clooney The Ides of March
Michel Hazanavicius The Artist
Alexander Payne The Descendants
Martin Scorsese Hugo
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Kenneth Branagh My Week with Marilyn
Albert Brooks Drive
Jonah Hill Moneyball
Viggo Mortensen A Dangerous Method
Christopher Plummer Beginners
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Bérénice Bejo The Artist
Jessica Chastain Criadas y señoras (The Help)
Janet McTeer Albert Noobs
Octavia Spencer Criadas y señoras (The Help)
Shailene Woodley The Descendants
MEJOR GUIÓN
Woody Allen Midnight in Paris
George Clooney y Grant Heslov The Ides of March
Michel Hazanavicius The Artist
Alexander Payne, Nal Faxon y Jim Rash The Descendants
Aaron Sorkin y Steven Zaillian Moneyball
MEJOR BANDA SONORA
Ludovic Bource The Artist
Abel Korzeniowski W.E.
Trent Reznor y Atticus Ross The Girl with the Dragon Tatoo
Howard Shore Hugo
John Williams War Horse
MEJOR CANCIÓN
Lay Your Head Down (Albert Nobbs)
The Living Proof (Criadas y señoras (The Help))
Hello Hello (Gnomeo & Juliet)
Masterpiece (W.E.)
The Keeper (Machine Gun Preacher)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
The Adventures of Tintin
Arthur Christmas
Cars 2
Puss in Boots
Rango
MEJOR PELÍCULA EN LENGUA EXTRANJERA
The Flowers of War (China)
Le Gamin au Vélo (Bélgica)
In the Land of Blood and Honey (EE.UU.)
La Piel que Habito (España)
A Separation (Irán)
TOTAL DE NOMINACIONES CINE
6 The artist
5 Criadas y señoras (The Help)
5 The descendants
4 The ides of march
4 Moneyball
4 Midnight in Paris
3 Hugo
3 La boda de mi mejor amiga
3 My week with Marilyn
2 War horse
2 50/50
2 Un dios salvaje
2 Albert Nobbs
2 W.E.
2 The girl with the dragon tattoo
1 J. Edgar
1 Shame
1 Crazy, stupid, love
1 The guard
1 The iron lady
1 We need to talk about Kevin
1 Young adult
1 A dangerous method
1 Beginners
1 Gnomeo and Juliet
1 Machine Gun Preacher
MEJOR SERIE DRAMÁTICA
American Horror story
Boardwalk empire
Boss starz
Juego de tronos
Homeland
MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMÁTICA
Claire Danes (Homeland)
Mirelle Enos (The killing)
Julianna Margulies (The good wife)
Madeleine Stowe (Revenge)
Callie Thorne (Necessary roughness)
MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA
Steve Buscemi (Boardwalk empire)
Bryan Cranston (Breaking bad)
Kelsey Grammer (boss)
Jeremy Irons (Los Borgia)
Damián Lewis (Homeland)
MEJOR SERIE DE COMEDIA O MUSICAL
Enlightned
Episodes
Glee
Modern Family
New girl
MEJOR ACTRIZ EN SERIE DE COMEDIA O MUSICAL
Laura Dern (Enlightned)
Zooey Deschanel (New girl)
Tina Fey (30 Rock)
Laura Linney (The big C)
Amy Poehler (Parks and recreation)
MEJOR ACTOR EN SERIE DE COMEDIA O MUSICAL
Alec Baldwin (30 rock)
David Duchovny (Californication)
Johnny Galecki (The big band theory)
Thomas Jane (Hung)
Matt Leblanc (Episodes)
MEJOR MINI SERIE
Cinema verite
Downtown Abbey
The hour
Mildred Pierce
Too big to fail
MEJOR ACTRIZ EN MINI SERIE
Romola Garay (The Hour)
Diane Lane (Cinema verite)
Elizqbeth McGoverb (Downton Abbey)
Emily Watson (Appropiate adult)
Kate Winslet (Mildred Pierce)
MEJOR ACTOR EN MINI SERIE
Hugh Boneville (Downtown Abbey)
Idris Elba (Luther)
William Hurt (Too big to fail)
Billy Nighy (Page eight)
Dominic West (The hour)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jessica Lange (American Horro story)
Kelly McDonald (Boardwalk empire)
Maggie Smith (Downtown Abbey)
Sofia Vergara (Modern Family)
Evan Rachel Wood (Mildred Pierce)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Peter Dinklage (Juego de Tronos)
Paul Giamatti (Too big to fail)
Guy Pearce (Mildred Pierce)
Tim Robbins (Cinema Verite)
Eric Stonestreet (Modern Family)
TOTAL NOMINACIONES SERIES TV
4 Downtown Abbey
4 Mildred Pierce
3 Boardwalk empire
3 Cinema verite
3 Homeland
3 The hour
3 Modern family
3 Too big to fail
2 30 Rock
2 American Horror story
2 Boss
2 Enlightned
2 Eposides
2 Juego de tronos
2 New girl
1 Appropiate adult
1 The big bang theory
1 The Big C
1 Breaking bad
1 Californication
1 Glee
1 The good wife
1 Hung
1 The killing
1 Luther
1 Necessary roughness
1 Page eight
1 Parks and recreation
1 Revenge
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