Zangolcine

Tributo a Spielberg

2012-01-29T08:24:00.001-08:00

Este video se mostró como tributo a la carrera de Steven Spielberg en los David O. Selznick Producers Guild Award

Cortometrajes - "Pedro y el lobo" (Suzie Templeton, 2006)

2012-01-26T10:41:00.000-08:00

GANADOR DEL ÓSCAR A MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN EN 2007

Óscars 2012 - Nominaciones

2012-01-24T06:25:00.000-08:00

Hoy al mediodía se han dado a conocer las nominaciones de una nueva edición de los óscars, la del presente 2012 que premia a las películas estrenadas en 2011.

En la línea de salida a mejor película están más o menos las que se esperaba con las únicas ausencias en el apartado de mejor película de "Drive" y "The girl with the dragon tattoo" y "Hugo", "The artist" y "Los descendientes" arrancan con fuerza por número de candidaturas y acogida. Este año son nueve porque se decidió que sólo entraran en competición las que recibieran al menos un 5% de votos.

La alegría para España nos la ha dado Fernando Trueba que ha metido su película "Chico & Rita" en el quinteto de películas de animación ¿Sería mucho pedir que ganara? Habiendo visto casi todas me parece la mejor, con permiso de "Rango", sobretodo después de que hayan dejado fuera "Las aventuras de Tintín". Supongo que la captura de movimiento no la consideran en esta categoría porque si no es injusto, pero en ese caso deberían ir pensando en nominar alguna vez a Andy Serkis (Gollum, King Kong, el capitán Haddock, el mono protagonista de "El origen del planeta de los simios"...).

Ya era hora que reconocieran de nuevo como merece a Woody Allen, esta vez con nominaciones a mejor película, director y guión....eso sí el guión de Pedro Almodóvar para "La piel que habito" ha quedado fuera de la lucha.

En los apartados de actores auténticos pesos pesados e interpretaciones muy buenas. Este año la cosa está muy competida. También alguna curiosidad, Demián Bichir es mexicano y Bérénice Bejo argentina. Una pena que no hayan nominado también a Bryce Dallas Howard por "Criadas y señoras", pero esta película tiene una buena y amplia representación con tres actrices de su reparto nominadas.

Los óscars se entregarán en la madrugada del domingo 26 al lunes 27 de Febrero y en España los retransmitirá Canal +

MEJOR PELÍCULA

"The artist"
“Los descendientes”
"Hugo"
"Criadas y famosas"
"Midnight in Paris"
"Moneyball"
"War horse"
"El árbol de la vida"
"Tan fuerte, tan cerca"

MEJOR DIRECTOR

Michel Hazanavicius "The artist"
Alexander Payne “Los descendientes”
Martin Scorsese "Hugo"
Woody Allen "Midnight in Paris"
Terrence Malick "El árbol de la vida"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Demián Bichir "A better life"
George Clooney “Los descendientes”
Jean Dujardin "The artist"
Gary Oldman "El topo"
Brad Pitt "Moneyball"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Glenn Close "Albert Nobbs"
Viola Davis "Criadas y famosas"
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo"
Meryl Streep "La dama de hierro"
Michelle Williams "My week with Marilyn"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Kenneth Branagh "My week with Marilyn"
Jonah Hill "Moneyball"
Nick Nolte "Warrior"
Christopher Plummer "Beginners"
Max Von Sydow "Tan fuerte, tan cerca"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Bérénice Bejo "The artist"
Jessica Chastain "Criadas y famosas"
Melissa McCarthy "La boda de mi mejor amiga"
Janet McTeer "Albert Nobbs"
Octavia Spencer "Criadas y famosas"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Michael Hazanavicius "The artist"
Kristen Wiig y Annie Mumulo "La boda de mi mejor amiga"
J.C. Chandor "Margin call"
Woody Allen "Midnight in Paris"
Asghar Farhadi "“Nader and Simin: A separation” "

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Nat Faxon, Alexander Payne, Jim Rash “Los descendientes”
John Logan "Hugo"
George Clooney y Grant Heslov "The ides of march"
Aaron Sorkin y Steven Zaillian "Moneyball"
Bridget O’Connor, Peter Straughan "El topo"

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

"A cat in Paris"
"Chico & Rita"
"Kung Fu Panda"
"El gato con botas"
"Rango"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

"Bullhead" (Bélgica)
"Monsieur Lazhar" (Canadá)
"Nader and Simin: “Nader and Simin: A separation” " (Irán)
"Footnote" (Israel)
"In darkness" (Polonia)

MEJOR FOTOGRAFÍA

"The artist"
"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"El árbol de la vida"
"War horse"

MEJOR BANDA SONORA

"The adventures of Tintin"
"The artist"
"Hugo"
"El topo"
"War horse"

MEJOR CANCIÓN

"Man or muppet" ("The muppets")
"Real in Rio" ("Rio")

MEJOR MONTAJE

"The artist"
“Los descendientes”
"Hugo"
"The girl with the dragon tattoo"
"Moneyball"

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

"The artist"
"Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2"
"Hugo"
"Midnight in Paris"
"War horse"

MEJOR VESTUARIO

"Anonymous"
"The artist"
"Hugo"
"Jane Eyre"
"W.E."

MEJOR MAQUILLAJE

"Albert Nobbs"
"Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2"
"La dama de hierro"

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

"Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2"
"Hugo"
"Real Steel"
"El origen del planeta de los simios"
"Transformers: Dark of the moon"

MEJOR SONIDO

"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"Moneyball"
"Transformers: Dark of the moon"
"War horse"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

"Drive"
"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"Transformers: Dark of the moon"
"War horse"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

"Hell and back again"
"If a tree falls: A story of the Earth Liberation Front"
"Paradise Lost 3: Purgatory"
"Pina"
"Undefeated"

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

"Pentecost"
"Raju"
"The shore"
"Time freak"
"Tuba Atlantic"

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO

"Dimanche/sunday"
"The fantastic flying books of Mrs. Morris Lesmore"
"La luna"
"A morning stroll"
"Wild life"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

"The barber of Birmingham: Foot soldier of the civil rights movement"
"God is the bigger Elvis"
"Incident in new Baghdad"
"Saving Face"
"The tsunami and the cherry blossom"

NOMINACIONES

Hugo- 11
The Artist- 10
Moneyball- 6
War Horse- 6
Los descendientes- 5
The Girl with the Dragon Tattoo- 5
Criadas y señoras- 4
Midnight in Paris- 4
Albert Nobbs- 3
Harry Potter y las reliquias de la muerte- 3
El topo- 3
Transformers: Dark of the Moon- 3
El árbol de la vida- 3
La boda de mi mejor amiga- 2
Tan fuerte, tan cerca- 2
La dama de hierro- 2
My Week with Marilyn- 2
“Nader and Simin: A separation” - 2
Las aventuras de Tintín- 1
Anonymous- 1
The Barber of Birmingham- 1
Beginners- 1
A Better Life- 1
Bullhead- 1
A Cat in Paris- 1
Chico & Rita- 1
Dimanche/Sunday- 1
Drive- 1
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore- 1
Footnote- 1
God Is the Bigger Elvis- 1
Hell and Back Again- 1
The Ides of March- 1
If a Tree Falls- 1
In Darkness- 1
Incident in New Baghdad- 1
Jane Eyre- 1
Kung Fu Panda 2- 1
La Luna- 1
Margin Call- 1
Monsieur Lazhar- 1
A Morning Stroll- 1
The Muppets- 1
Paradise Lost 3: Purgatory- 1
Pentecost- 1
Pina- 1
El gato con botas- 1
Raju- 1
Rango- 1
Real Steel- 1
El origen del planeta de los simios- 1
Saving Face- 1
The Shore- 1
Time Freak- 1
The Tsunami and the Cherry Blossom- 1
Tuba Atlantic- 1
Undefeated- 1
W.E.- 1
Warrior- 1
Wild Life- 1

“Drive” (Nicolas Winding Refn, 2011)

2012-01-22T08:23:00.001-08:00

****
País: USA.
Duración: 102 min.
Género: Drama, thriller.
Reparto: Ryan Gosling (conductor), Carey Mulligan (Irene), Ron Perlman (Nino), Christina Hendricks (Blanche), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Albert Brooks (Bernie Rose), Kaden Leos (Benicio), James Biberi (Chris Cook).
Guion: Hossein Amini; basado en la novela homónima de James Sallis.
Producción: Marc Platt, Michael Litvak, Gigi Pritzker, Adam Siegel y John Palermo.
Música: Cliff Martinez.
Fotografía: Newton Thomas Sigel.
Montaje: Mat Newman.
Diseño de producción: Beth Mickle.
Vestuario: Erin Benach.
Distribuidora: Buena Vista International Spain.
Estreno en USA: 16 Septiembre 2011.
Estreno en España: 28 Diciembre 2011.

Todos los años surgen un puñado de títulos que se ganan a la crítica y que dejan a gran parte del público noqueado y haciéndose cruces. A menudo son películas a contracorriente de modas y recursos audiovisuales, con un tempo narrativo moroso o “aburrido” (habría mucho que puntualizar sobre qué lo es y qué no lo es y seguramente cada uno de nosotros tendría su propia definición al respecto). Este año 2011 recién acabado yo diría que los dos títulos emblemáticos de la crítica han sido “El árbol de la vida” y “Drive”, así que quien conozca al menos una ya sabe de qué hablo, aunque también he de decir que no tienen nada que ver salvo la peculiaridad de contar con el apoyo de los comentaristas de cine más sesudos.

A mí me parece que si siempre se siguieran los mismos modelos y no se intentará reinventar esto de hacer películas terminaríamos muertos de asco por pura repetición, pero por fortuna surge de vez en cuando alguien que desafiando su propia conveniencia económica y de la productora que le avala decide explorar nuevas formas de expresión y nos regala algo distinto.

Es lo que ocurre con “Drive”, una película que en ingredientes nos recuerda a Tarantino, al cine de los 80’s, a Michael Mann, al cine japonés e incluso a “Blade runner” y en argumento a multitud de películas y series de cine negro clásico y actual (sobretodo a esa otra maravilla que es “Leon (el profesional)” de Luc Besson, pero que posee una atmósfera peculiar, diferente, distinta a todo lo visto con anterioridad.

Si veis el trailer os garantizo que la película no tiene nada que ver, el montaje es mucho más pausado, las escenas son morosas en muchas ocasiones recreándose en miradas y situaciones en las que la tensión late pero no se manifiesta. El protagonista es un tipo callado, taciturno, del que poco sabemos o llegamos a saber, simplemente que trabaja como especialista, que es un gran conductor y también un Ronin, un criminal metódico, eficaz, a la postre despiadado y brutal que no se anda con remilgos y al que un sentimiento ya casi olvidado pone de pronto en un aprieto, el afecto que siente por su vecina Irene.

Recuerda ligeramente esta película a “El americano” (2010) de George Clooney, pero está tamizada por una violencia brutal que surge de improviso y te noquea, muy al estilo de Tarantino, con quien el director danés Nicolas Winding Refn (ganador en Cannes) seguro que está encantado de quedar relacionado. Precisamente es gracias a la lentitud de muchas de sus escenas lo que hace que cuando se desata la acción ésta provoque un impacto mucho mayor.

La música de la banda sonora de un especialista en este tipo de sountracks (Cliff Martínez), con base techno y casi siempre basada en melodías suaves, parece rescatada de los 80’s y crea junto a las imágenes (nocturnas o de un soleado asfixiante), muchas de ellas en cámara lenta, una atmósfera peculiar, envolvente, que me recordó en las vistas cenitales de la ciudad iluminada a escenas de “Corrupción en Miami”, “Heat”, “Collateral” o incluso “Blade runner”.

Casi siempre el soundtrack refleja el estado de ánimo del conductor protagonista, un tipo que ofrece cinco minutos de conducción sin preguntas: “Si conduzco para ti tú me dices dónde y cuándo y yo te doy cinco minutos. Durante esos cinco minutos soy tuyo, pase lo que pase. No miro lo que haces ni tampoco llevo pistola, sólo conduzco”. De nuevo un brillante Ryan Gosling (¡¡¡vaya filmografía excelente repleta de personajes extraños colecciona!!!), esta vez con bien poco que decir, con su palillo entre los dientes, su chupa con un alacrán a la espalda y un rostro impenetrable que esconde a un profesional sin escrúpulos y por tanto letal.

El argumento es una mezcla entre romance imposible y thriller criminal marcado en todo momento por el signo del drama...Desde el inicio uno tiene la sensación de que nada puede acabar bien porque los tipos que pueblan la historia tienen un destino muy marcado. Y desde luego esta es una película de actores, ambientes y personajes en la que nos zambullimos en un submundo criminal que tiene mucho que ver con esa realidad solapada y oculta, tremenda y brutal que siempre nos ha insinuado David Lynch con muchas de sus películas.

El reparto es espectacular empezando por una Carey Mulligan tras cuya mirada se adivina la infinita tristeza de una vida tambaleada siempre por relaciones poco convenientes y siguiendo por un magnífico repertorio de secundarios: Bryan Cranston (al que es difícil identificar por el cambio de look respecto a la serie “Breaking bad”), la curvilínea Christina Hendricks (si no habéis visto “Mad men” no sé a qué esperáis), Óscar Isaac (personaje clave porque desata el argumento y lo convierte en un torrente imparable de muerte y violencia), Ron Perlman (brutal como nunca, mucho más que como Hellboy) y Albert Brooks (con una actuación fantástica que puede ponerle el óscar muy a tiro).

“Drive” no va a gustar a todo el mundo, es brutal en muchos momentos y tiene una factura atípica y un tempo muy lento para los tiempos que corren en los que el ritmo audiovisual es de muchas imágenes por segundo y mucho movimiento de cámara, pero supone una reinvención del thriller de cine negro que hará las delicias de todos aquellos que desean ver películas distintas a lo habitual. Simplemente el arranque de la película ya es una pequeña maravilla, sólo por verlo ya merece la pena....Por méritos propios es una de las películas de culto de los últimos años.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La escena inicial, cuando el protagonista conduce para unos ladrones que van a asaltar un edificio por la noche: tiene tensión, suspense, emoción, una atmósfera asfixiante y a la vez envolvente y culmina con un final inesperado y brillante con el conductor desapareciendo entre la muchedumbre de un estadio.
- Los encuentros entre el protagonista e Irene, a menudo sin decirse nada el uno al otro, únicamente mirándose.
- El trabajito en el que el protagonista trata de ayudar al marido de Irene por emocionante, sorprendente e imprevisible y por toda la violencia que desata después....la huida en coche es magnífica.
- La violentísima escena en el motel en donde Blanche es asesinada y el protagonista tiene que eliminar a sus perseguidores de la forma más inverosímil.
- La escena del ascensor, en la que Irene se da cuenta de qué es el conductor y cómo se las gasta. Es una de las escenas de violencia explícita más brutales que recuerdo.
- El conductor entrando en el local de striptease y amenazando con un clavo y un martillo.
- El conductor con su traje de especialista acabando con Nino en la playa: “Recuerdas la fábula de la rana y el escorpión”.
- Bernie Rose eliminando todas las pistas que le encriminan y que pueden costarle la vida con la mafia: “Vamos, vamos, que ahí no duele” mientras corta las venas con una navaja.

“Juegos prohibidos” (René Clément, 1952)

2012-01-22T06:45:00.001-08:00

OBRA MAESTRA
País: Francia
Reparto: Georges Poujouly, Brigitte Fossey, Amédée, Laurence Badie, Lucien Hubert, Suzanne Courtal, Jacques Marin, Pierre Merovée
Argumento: François Boyer (novela)
Guión: Jean Aurenche, René Clément, Pierre Bost, François Boyer
Música: Narciso Yepes
Fotografía: Robert Juillard
Duración: 84 min.
Género: Drama

La palabra que mejor define esta película es “conmovedora”. Sin duda es una de los títulos sobre la inocencia de la infancia que más te encogen el ánimo de toda la historia del cine.

Fue rodada en 1950 por el francés René Clement, un director coetáneo a Jacques Tati que podríamos encuadrar dentro del “realismo poético” y trata sobre Paulette, una niña pequeña que huye con sus padres del París que va a ser bombardeado y ocupado por los nazis en 1940 durante la segunda guerra mundial. No se trata, no obstante, de una película bélica, la guerra queda en un segundo plano, es el telón de fondo y lo que se narra se centra en unos pocos días de la infancia de Paulette, en los que su vida futura va a quedar marcada.

El pilar argumental de la película es la relación de Paulette con Michel, un niño ligeramente mayor que vive con una familia de campesinos en el campo para los que la guerra queda como un hecho lejano del que solo tienen noticias por los periódicos y por los rastros que encuentran en la carretera de gente que viene y que va....aunque de pronto se hace presente de manera trágica e inevitable.

Las primeras imágenes corresponden a la huida de París por la carretera y son poco menos que terribles porque las personas que escapan son bombardeadas y no tienen otra salida que llevar a cabo un “sálvese quien pueda” que no tiene miramientos con nada ni nadie y la tragedia llega de pronto, de manera inesperada pero irremediable cercenando vidas y volviendo destinos del revés en unos pocos segundos. Pocas veces he visto escenas de tanto impacto emotivo y eso que no están tratadas pretendiendo acentuar lo dramático, porque realmente vemos todo desde la perspectiva de una niña pequeña que sólo quiere cuidar a su perrito y que, de pronto, se encuentra zarandeada por las circunstancias. Como en la realidad, lo trágico llega sin avisar y no hay vuelta atrás.

Los créditos iniciales arrancan con una melodía de guitarra que podríamos considerar un clásico “eterno” basada en un romance anónimo tradicional que rescató y recompuso el maestro Narciso Yepes y que es un acompañamiento perfecto para la mayoría de imágenes de la película porque te instalan en el estado de ánimo idóneo, una tristeza contenida y un sentimiento de cierta amargura al comprobar las consecuencias de la guerra en alguien tan inocente como la niña protagonista que asiste a todo lo que le ocurre con la resignación de quien no puede valerse por sí mismo ni influir en lo que le concierne y rodea.

Lo conmovedor y sentimental del argumento y de la relación entre Paulette y Michele convive por un lado con la tragedia de la guerra y la muerte y por otro con una factura hermosa de las escenas campestres que capta Clement, casi siempre con escenarios naturales soleados y luminosos, por eso es una película de contrastes, triste y enternecedora pero también esperanzadora...El final descuadra un poco, queda abierto y parece significar la pérdida de un paraíso perdido (lo es en parte porque la relación de los niños tiene mucho de amor platónico), pero en el fondo sabemos que el final de la guerra está cerca y que el destino de Paulette es más esperanzador lejos de esos “juegos prohibidos” con cruces y cementerios, que no dejan de ser una manera de amortiguar el dolor que les rodea.

No voy a dar las claves de los “juegos prohibidos” porque es mejor descubrirlas viendo la película, pero sí adelanto que el título de la película alude a algo que en el fondo es terrible: toda una generación de niños marcados por un conflicto como la segunda guerra mundial, rodeados de muerte y tragedia. La infancia y la inocencia agredidas e interrumpidas bruscamente por el capricho del horror.

La ternura de la que está impregnada toda la película sería imposible sin los dos niños protagonistas cuya presencia es el pequeño gran milagro de la película porque logran transmitirte una inocencia que quizás un actor más preparado no sabría plasmar.

Una película para siempre, que todos deberíamos ver al menos una vez y que sin duda es una de las cumbres del cine europeo. En 1952 ganó el óscar a mejor película de habla no inglesa y el León de Oro en Venecia, aunque no todo fueron parabienes porque se acusó en su día al director de banalizar la guerra e incluso de ¡¡¡atacar a la clase obrera!!! (tiene que haber siempre comentarios para todos los gustos). Curiosamente estas películas nadie las programa en las televisiones ¡¡¡¡del 52 y en blanco y negro!!!! y van quedado ajenas a nosotros y a las nuevas generaciones perdidas en el olvido aunque formaron parte del acervo cultural de nuestros padres y abuelos y son necesarias por lo que muestran. Os recomiendo que la rescatéis si podéis.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!!

- El arranque de la película es muy bueno, con los aviones bombardeando la carretera y a todas las personas que huyen de París con sus coches y carros. Los padres de Paulette tienen un avería y bloquean la carretera así que para desbloquearla lanzan el coche a un terraplén...Todo lo que viene a continuación es de terroríficamente contenido pero muy impactante, en especial ese perro con las patas temblorosas en brazos de Paulette.
- Paulette bajando de un carro al que le han subido y corriendo junto al río para recuperar del agua a su perro mientras, de forma paralela, vemos un carro tirado por un caballo que en su misma dirección se dirige a un grupo de campesinos y provoca el accidente que cuesta la vida al hijo mayor de la familia (George) que acoge a Paulette.
- Paulette gritando en el desván y Michel acudiendo a cuidarla.
- El momento en que muere George sangrando por la boca. Los únicos que parecen preparados para asumirlo son los niños, ya familiarizados con la muerte, mientras que los adultos quedan perplejos. Paulette pide que el Señor lo acoja en su seno y Michel reza.
- Michel celoso cuando Paulette da un beso de despedida a toda su familia antes que a él.
- Los niños robando las cruces del cementerio para llevarlas al molino a su cementerio de animales mientras se observa en el cielo un bombardeo (probablemente el que tuvo lugar con motivo del día D).
- Michel destrozando su cementario y lanzando las cruces al río cuando llegan los gendarmes a llevarse a Paulette y dándole el collar de ésta al buho: “Toma, cuídalo 100 años”.
- El final te pilla por sorpresa y te deja derrotado pero puede entenderse de forma positiva y esperanzadora porque aunque Paulette ha perdido de algún modo su inocencia infantil tiene ante sí un futuro ya sin guerra.

Rodaje de la 2ª temporada de "Juego de tronos"

2012-01-21T06:15:00.000-08:00

Trailer de la Ceremonia de los Óscars 2012

2012-01-18T07:26:00.001-08:00

“The artist” (Michel Hazanavicius, 2011)

2012-01-16T08:06:00.001-08:00

*****
Guion: Michel Hazanavicius.
País: Francia.
Duración: 98 min.
Género: Drama, comedia, romance.
Reparto: Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris), Missi Pyle (Constance), Malcolm McDowell, Ed Lauter.
Producción: Thomas Langmann y Emmanuel Montamat.
Música: Ludovic Bource.
Fotografía en blanco y negro: Guillaume Schiffman.
Montaje: Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius.
Diseño de producción: Laurence Bennett.
Vestuario: Mark Bridges.
Distribuidora: Alta Classics.
Estreno en Francia: 12 Octubre 2011.
Estreno en España: 16 Diciembre 2011.

Acaba de ganar el Globo de oro a mejor comedia y/o musical, en su día fascinó en Cannes (donde Jean Dujardin se llevó el premio a mejor actor) y va conquistando espectadores que quedan rendidos poco a poco, tanto críticos como gente “de a pie” lo cual es algo insólito. Es altamente probable que “The artist” termine ganando el óscar a mejor película del 2011 y acumulando elogios incluso de los que hoy son más reticentes a verla y yo diría que todo esto es motivo de gran alegría para todos aquellos para los que el cine es algo más que un mero entretenimiento.

“The artist” es una pequeña joya intemporal, que no pertenece a hoy ni a ayer, es para siempre y es para el cine. Sé que es contraproducente decirlo y sé que es difícil contagiar entusiasmo si además informas que es muda, sí MUDA, de principio a fin, con carteles cuando los actores dicen algo que no se entiende por meras expresiones.....Es curioso comprobar el efecto que esto produce ¿Muda? ¿Y te ha gustado? ¿Te ha gustado mucho? ¡¡¡Sí, un 10 sobre 10!!!!

Entra dentro de la lógica que el cine mudo sea etiquetado como cosa de otro tiempo, como Shakespeare y Cervantes lo son para el mundo literario por mucho que los apreciemos como grandes escritores. Una cosa es la calidad y otra muy distinta lo que es moderno y se ajusta al tiempo presente y sus peculiaridades. Apreciamos las grandes obras del pasado de cualquier arte o expresión artística, pero no siempre es un buen momento para disfrutarlas. Se precisa un interés añadido, un cierto espíritu investigador y no todos tenemos tiempo, ganas y curiosidad para ello.

El cine mudo que, encima, es ¡¡¡en blanco y negro!!!, funciona con unos códigos que ya no se usan y requiere esfuerzo porque no siempre es entretenido, huele a “naftalina” y en algún caso resulta “acartonado” o parece “apolillado”. Podemos ver alguna película de Charles Chaplin e incluso la disfrutaremos pero solo recuperarla de la estantería de la videoteca implica una gran fuerza de voluntad y notable decisión. No digamos ya para los programadores de las televisiones, que saben que cine mudo equivale a canal que se zapea rápidamente y que no tiene audiencia, así que relegado queda en las parrillas a las madrugadas y a las minorías de los canales temáticos, vamos, como el cine en blanco y negro (es injusto y terrible porque habrá gente que jamás vea “Casablanca”, “Cayo largo”, “La fiera de mi niña”, “El tesoro de Sierra Madre” o “El apartamento”). Por todo esto hace falta arrestos para hacer una película muda hoy en día, hay que ser muy buen director para que entretenga y convenza y hay que ser un auténtico hipnotizador para convencer de que una película muda merece la pena ser vista pagando una entrada de cine.

El caso es que “The artist” obra el milagro y es el título idóneo para gritar a los cuatro vientos que el cine mudo y en blanco y negro también puede merecer la pena. En realidad “The artist” es cine en esencia, porque sus imágenes contagian estados de ánimo, porque te atrapa de inicio a fin y no te suelta, porque te conmueve, te alegra, te zarandea y te hace salir del cine bailando claqué y queriendo vivir.

Pienso que cuando se habla sobre películas hay que saber a quién se recomiendan porque no todos somos iguales ni tenemos los mismos gustos o apetencias, ni siquiera la misma sensibilidad o curiosidad. No recomendaría el cine de Tarantino a cualquiera como tampoco pienso que le vaya a gustar a todo el mundo el cine japonés o el musical, pero en el caso de “The artist” creo que es una película que puede gustarle más o menos a gente de todo tipo y de todas las edades, sencillamente porque es entretenida y porque logra interesarte y llegarte. Y no digo que a todos guste por igual porque sí debo admitir que su argumento, la historia que cuenta, es un poco facilona e incluso previsible, quizás lo más endeble de una película perfecta en sí misma; pero recomendable sí, os la recomiendo a todos porque merece la pena verla.

Un actor cuya última película ha sido un éxito sale del estreno triunfador, posando para las cámaras y esbozando una sonrisa poderosa y contagiosa, una de sus fans pierde el equilibrio y tropieza con él, se miran y rompen a reír.....Es una escena en la que no es preciso que digan ni una sola palabra para que entendamos que él está radiante, que ella siente admiración, que el encontronazo produce una situación de tensión, que él rompe el hielo con su sonrisa, que ella agradece la reacción con otra sonrisa, que surge un chispazo, un interés personal, que hay un flechazo.....Todo “The artist” está construida de este modo, con escenas muy estudiadas en las que lo importante son las imágenes, la expresividad de los actores, sus gestos, sus miradas, lo que no dicen y todo está engarzado de tal forma que resulta entretenido, dinámico, fluido. No "pesa" que sea muda, terminas por aceptarlo sin mayor problema.

Jean Dujardin, actor con sonrisa y pose de asombroso parecido con Gene Kelly, ha conseguido ya unos cuantos premios por su interpretación portentosa capaz de animarnos y entristecernos la tarde en tan solo unos minutos; pero pienso que el “alma” de la película es esa Bérénice Bejo que parece salida del mismo molde físico de la más famélica Maribel Verdú y que con su inacabable sonrisa, su infinito desparpajo y su mirada de niña buena te convence de que es la paternaire que necesita George Valentin a su lado para que todos acaben como unas castañuelas y en el juego del te quiero pero no te tengo, el vengo y me voy está el quiz de esta película que te emociona y te pone los congojos de corbata varias veces siempre que la montaña rusa que es su argumento remonta cuando estaba a punto de pararse. Y el contrapunto cómico, porque esta película es drama, es melodrama, es musical y es comedia, el perrito y un maravilloso John Goodman.

Todo me parece excepcional en esta película, dirección, puesta en escena, actuaciones, todos los aspectos técnicos, la banda sonora, la fotografía, la ambientación....Es una película perfecta en sí misma porque otras pueden gustar más por su argumento, pero con esta idea, con la intención para la que está hecha esta película es imposible hacerla mejor. Y encima es un homenaje que se hace el cine a sí mismo, es cine dentro del cine, un viaje al pasado, un alegato por el cine mudo, una explosión de talento y de emociones, un crisol autorreferencial en el que encontramos guiños a muchísimas películas que forman parte de nuestro recuerdo: las mudas evidentemente, “Vértigo”, “Ciudadano Kane”, “Sucedió una noche”, "Días sin huella" etc, etc. Y lo más evidente, el rescate del musical clásico, porque para nadie escapará que el argumento, desarrollando ese momento en que acaba el cine mudo y comienza el sonoro, es como si le hubieran dado la vuelta del revés a “Cantando bajo la lluvia”,con la que guarda muchos puntos en común entre los que también está esa impagable sensación que es salir del cine más feliz e ilusionado que cuando has entrado.

Es una película increíble y es digno de aplauso que se hayan atrevido a hacerla hoy en día. Se nota que su director ama el cine y que está hecha por gente y para gente que también siente fascinación por él. No queda mucho más que decir salvo recomendarla vivamente y verla. Espero no equivocarme pero el próximo mes de Febrero estoy convencido que ganará un saco de óscars, pero lo mejor es que ahí queda para que podamos verla cuando queramos y que hace el cine algo aún más grande. LA PELÍCULA DEL AÑO

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

Todas las escenas de esta película son magníficas e inolvidables, pero por seguir las pautas habituales digamos unas cuantas:

- El primer encuentro entre George Valentin y Peppy Miller en la salida del cine, momento en que surge el flechazo.
- George y su perro tratando de recuperar un poco de alegría en la relación del primero con su mujer.
- George Valentin viendo tras una pantalla en los estudios unas piernas interesantes y el juego de baile que hace con la dueña de dichas piernas.
- Las “tomas falsas” en las que George no puede dejar de reír junto a Peppy.
- Peppy Miller en su camerino abrazándose a la americana y como si en una actuación de mimo estuviera haciendo qué esta le abrace como fuera George Valentin.
- La pesadilla “SONORA” de George Valentin después de que su productor le comunique que se va a poner de moda el cine sonoro.
- El encuentro en la escaleras de los estudios simbolizando el descenso de George Valentin y la ascendente irrupción de Peppy Miller.
- La escena del restaurante en la que George Valentin malinterpreta las palabras de Peppy Miller a los periodistas.
- George descubriendo sus objetos en una escena que nos recuerda a “Ciudadano Kane”.
- La sorpresa al final de la subasta en la que descubrimos quién y por qué compra los objetos de George Valentín.
- George mirándose a un espejo para recordarse con traje de etiqueta mientras le mira un policía y suena la música de “Vértigo”.
- George perdiendo los nervios en su casa y destrozando sus películas pero salvando una, en la que aparece con Peppy.
- El perro corriendo fuera de la casa y acudiendo a un policía que se encuentra en la calle para pedirle ayuda.
- El emocionante momento en que vemos a Peppy conduciendo hacia la casa de George al final de la película.
- Los números musicales, en especial ese en el que bailan claqué George y Ppey para convencerle al productor de lo que pueden hacer juntos.
- Hay varias escenas de Clifton leal a George hasta que no le queda más remedio que abandonarlo que te encogen literalmente el ánimo.
- El reencuentro al final entre George y Peppy, en el que queda claro lo que sienten el uno por el otro.

Globos de oro - Premios

2012-01-16T04:21:00.000-08:00

Realmente pocas sorpresas en la edición de los Globos de Oro, que aclaran el panorama para las nominaciones a los óscars que se harán públicas el próximo 24 de Enero. "The artist" se refrenda como la pequeña maravilla del año y la gran favorita con tres premios y en televisión "Homeland" se convierte seguramente en lo más inesperado de estos globos de oro al vencer en una categoría en la que había auténticos pesos pesados.

CINE

Mejor película dramática:
Los descendientes (The Descendants)

Mejor película cómica o musical:
The Artist

Mejor director:
Martin Scorsese por La invención de Hugo

Mejor guion:
Midnight in Paris (Woody Allen)

Mejor película de habla no inglesa:
Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin)

Mejor película de animación:
Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin)

Mejor actor de drama:
George Clooney por Los descendientes

Mejor actriz de drama:
Meryl Streep por La dama de hierro (The Iron Lady)

Mejor actor de comedia o musical:
Jean Dujardin por The Artist

Mejor actriz de comedia o musical:
Michelle Williams por My Week With Marilyn

Mejor actriz de reparto:
Octavia Spencer por Criadas y señoras (The Help)

Mejor actor de reparto:
Christopher Plummer por Beginners (Principiantes)

Mejor música:
The Artist (Ludovic Bource)

Mejor canción original:
Masterpiece (W.E.)

TELEVISIÓN

MEJOR DRAMA
‘Homeland’

MEJOR COMEDIA o MUSICAL
‘Modern Family’

MEJOR ACTOR DE DRAMA
Kelsey Grammer (‘Boss’)

MEJOR ACTRIZ de DRAMA
Claire Danes (‘Homeland’)

MEJOR ACTRIZ de COMEDIA
Laura Dern (‘Enlightened’)

MEJOR ACTOR de COMEDIA
Matt LeBlanc (‘Episodes’)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Peter Kinklage (‘Game of Thrones’)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jessica Lange (‘American Horror Story’)

MEJOR MINISERIE o TELEMOVIE
‘Downton Abbey’

MEJOR ACTRIZ DE MINISERIE o TELEMOVIE
Kate Winslet (‘Mildred Pierce’)

MEJOR ACTOR DE MINISERIE o TELEMOVIE
Idris Elba (‘Luther’)

Trailers series TV - "The river"

2012-01-14T13:29:00.000-08:00

Aunque es un poco arriesgado decir esto después de las últimas producciones de Spielberg para la televisión (véanse "Falling skies" y "Terra Nova") esto tiene MUY BUENA PINTA...

Grandes escenas - Baile en "The artist"

2012-01-14T07:39:00.000-08:00

¡¡¡¡¡NO LO DUDEIS!!!!! ¡¡¡ID A VERLA YAAAAA!!!

Trailer - "Moonrise kingdom" (2012)

2012-01-13T11:16:00.000-08:00

Dirige el director de "Los Tenenbaums: Una familia de genios" (2001) y "Fantástico Mr. Fox" (2009).
Reparto: Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Jared Gilman, Kara Hayward

¡¡¡¡¡Promete!!!!

Goyas 2012 - Nominaciones

2012-01-10T06:58:00.000-08:00

26ª Edición de los Premios Goya (2012) - Películas 2011

He de reconocer que pocas veces me he quedado más contento con las nominaciones de los Goyas por varios motivos: primero porque tengo hechas ya las reseñas de las cuatro candidatas principales lo cual no es muy habitual, segundo porque me parece que el nivel es francamente bueno, tercero porque seguramente se ha hecho justicia (o yo al menos pienso que se han metido las mejores).

Lo cierto es que el 2011 en lo que a cine español se refiere ha sido bastante bueno. No me refiero a datos de taquilla, que tampoco ha estado mal, pero seamos claros, depende mucho de si hay "Torrentes" o no y este año lo ha habido, así que los números se hinchan un poco (debería haber todos los años un "Torrente", eso está claro y no hablo de que a mí me guste, hablo de que para que exista una industria tiene que haber taquillazos sean del tipo que sean y mucho mejor si son de calidad porque hablaría bien del nivel cultural del país). Me he ido del tema, decía que el año ha sido bastante bueno y la prueba no sólo las películas con más nominaciones sino también alguna que se ha quedado con pocas como "No tengas miedo", "Mientras duermes", "Katmandú", "De tu ventana a la mía" o "Primos" y ojito con "Arrugas".

En definitiva, un buen listado de títulos que recomendaría que vierais porque merece la pena y una gala muy interesante y más competida que nunca que se celebrará el próximo 19 de Febrero.

MEJOR PELÍCULA

Blackthorn. Sin destino (Mateo Gil)
La piel que habito (Pedro Almodóvar)
La voz dormida (Benito Zambrano)
No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu)

MEJOR DIRECTOR

Mateo Gil (Blackthorn. Sin destino)
Pedro Almodóvar (La piel que habito)
Benito Zambrano (La voz dormida)
Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)

MEJOR ACTOR PRINCIPAL

Daniel Brühl (Eva)
Antonio Banderas (La piel que habito)
Luis Tosar (Mientras duermes)
José Coronado (No habrá paz para los malvados)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

Verónica Echegui (Katmandú, un espejo en el cielo)
Salma Hayek (La chispa de la vida)
Elena Anaya (La piel que habito)
Inma Cuesta (La voz dormida)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Juan Diego (23-F)
Lluis Homar (Eva)
Juanjo Ortega (No habrá paz para los malvados)
Raúl Arévalo (Primos)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Maribel Verdú (De tu ventana a la mía)
Pilar López de Ayala (Intruders)
Ana Wagener (La voz dormida)
Goya Toledo (Maktub)

MEJOR DIRECTOR NOVEL

Paula Ortiz (De tu ventana a la mía)
Kike Maíllo (Eva)
Paco Arango (Maktub)
Eduardo Chapero-Jackson (Verbo)

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

José Mota (La chispa de la vida)
Jan Cornet (La piel que habito)
Marc Clotet (La voz dormida)
Adrián Lastra (Primos)

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

María León (La voz dormida)
Blanca Suárez (La piel que habito)
Michelle Jenner (No tengas miedo)
Alba García (Verbo)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Miguel Barros (Blackthorn. Sin destino)
Martí Roca, Sergi Belbel, Cristina Clemente, Aintza Serra (Eva)
Enrique Urbizu, Michel Gaztambide (No habrá paz para los malvados)
Woody Allen (Midnight in Paris)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca, Rosanna Cecchini (Arrugas)
Icíar Bollaín (Katmandú, un espejo en el cielo)
Pedro Almodóvar (La piel que habito)
Benito Zambrano, Ignacio del Moral (La voz dormida)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Lucio Godoy (Blackthorn. Sin destino)
Evgueni Galperine, Sacha Galperine (Eva)
Alberto Iglesias (La piel que habito)
Mario de Benito (No habrá paz para los malvados)

MEJOR CANCIÓN

"Debajo del limón" (De tu ventana a la mía)
"Nana de la hierbabuena" (La voz dormida)
"Nuestra playa eres tú" (Maktub)
"Verbo" (Verbo)

MEJOR FOTOGRAFÍA

Juan Antonio Ruiz Anchía (Blackthorn. Sin destino)
Arnau Valls Colomer (Eva)
José Luis Alcaine (La piel que habito)
Unax Mendía (No habrá paz para los malvados)

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Andrés Santana (Blackthorn. Sin destino)
Toni Carrizosa (Eva)
Toni Novella (La piel que habito)
Paloma Molina (No habrá paz para los malvados)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Juan Pedro de Gaspar (Blackthorn. Sin destino)
Laia Colet (Eva)
Antxón Gómez (La piel que habito)
Antón Laguna (No habrá paz para los malvados)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Clara Bilbao (Blackthorn. Sin destino)
Paco Delgado (La piel que habito)
María José Iglesias García (La voz dormida)
Patricia Monné (No habrá paz para los malvados)

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver (Blackthorn. Sin destino)
Karmele Soler, David Martí, Manolo Carretero (La piel que habito)
Concha Rodríguez, Jesús Martos (Eva)
Montse Boqueras, Nacho Díaz, Sergio Pérez (No habrá paz para los malvados)

MEJOR MONTAJE

David Gallart (Blackthorn. Sin destino)
Elena Ruiz (Eva)
José Salcedo (La piel que habito)
Pablo Blanco (No habrá paz para los malvados)

MEJOR SONIDO

Daniel Fontrodona, Marc Orts, Fabiola Ordoyo (Blackthorn. Sin destino)
Jordi Rossinyol, Oriol Tarragó, Marc Orts (Eva)
Iván Marín, Marc Orts, Pelayo Gutiérrez (La piel que habito)
Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo-Villanova, Ignacio Royo-Villanova (No habrá paz para los malvados)

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Arturo Balseiro, Lluís Castells (Eva)
Raúl Romanillos, David Heras (Intruders)
Reyes Abades, Eduardo Díaz (La piel que habito)
Raúl Romanillos, Chema Remacha (No habrá paz para los malvados)

MEJOR PELÍCULA HISPANOAMERICANA

Boleto al paraíso (Cuba)
Miss Bala (México)
Un cuento chino (Argentina)
Violeta se fue a los cielos (Chile)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Jane Eyre (Gran Bretaña)
Melancolía (Dinamarca)
The Artist (Francia)
Un dios salvaje (Francia)

MEJOR DOCUMENTAL

30 años de oscuridad
El cuaderno de barro
Morente
Escuchando al juez Garzón

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Arrugas (2 nominaciones )
Papá, soy una zombie
The little Wizard. O mago Dubidoso
Carthago Nova

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Birdboy
Ella
Quién aguanta más
ROSA

PELÍCULAS ESPAÑOLAS NOMINADAS

1. La piel que habito (16 nominaciones )
2. No habrá paz para los malvados (14 nominaciones )
3. Eva (12 nominaciones )
4. Blackthorn. Sin destino (11 nominaciones )
5. La voz dormida (9 nominaciones )
6. De tu ventana a la mía (3 nominaciones )
7. Maktub (3 nominaciones )
8. Verbo (3 nominaciones )
9. Intruders (2 nominaciones )
10. Katmandú, un espejo en el cielo (2 nominaciones )
11. La chispa de la vida (2 nominaciones )
12. Primos (2 nominaciones )
13. No tengas miedo
14. Midnight in Paris
15. Mientras duermes
16. 23-F

“1919, crónica del alba” (Antonio José Betancor, 1983)

2012-01-08T14:05:00.001-08:00

***
País: España
Duración: 90 min.
Guión: Antonio Jose Betancor, Lautaro Murua, Carlos Escobedo, Javier Moro (Novela: Ramon J. Sender)
Música: Riz Ortolani
Fotografía: Juan Antonio Ruiz Anchia
Reparto: Miguel Molina (Pepe Garcés), Cristina Marsillach (Isabelita), Walter Vidarte, Saturno Cerra, Concha Leza, Alfredo Luchetti, Fernando Sancho, Jose Antonio Correa, Marisa de Leza, Concha Hidalgo, Emma Suarez (Valentina), Aurora Pastor, Antonio Betancourt
Género: Drama de época, romántica

Antonio José Betancor culminó su díptico sobre “Crónica del alba” con una segunda película en 1983 que a mi parecer es radicalmente distinta a “Valentina” e inferior en calidad pese a contar con el mismo equipo técnico y un correcto reparto en el que se reparten los papeles principales Miguel Molina (un José Garcés más apocado que el que interpretara Jorge Sanz), Emma Suárez (reducido protagonismo ya de Valentina) y Cristina Marsillach (para mi gusto la mejor del trío). En su momento también tuvo menor repercusión y pasó bastante más desapercibida.

Pienso que “Valentina” no precisaba de una continuación puesto que por sí sola es una pequeña joya, no obstante es lógico que en su momento sus responsables no entendieran el proyecto de ese modo sino como una adaptación de la obra de Ramón J. Sender dividida en dos. La pega que yo le veo es que esta segunda película no está a la altura de la primera (lo cual era difícil) y además no aprovecha del todo sus posibilidades argumentales, las de la novela en que se basa, quedando como una mera descripción de la adolescencia de Pepe Garcés en un momento de aprendizaje personal en la convulsa España de la época. Cuando la película concluye da la sensación de que ha quedado en el aire una tercera parte apasionante sobre los últimos años del protagonista ya metido en “harina” con la guerra civil. Me parece un final deshilachado, con flecos sueltos que se despachan con una breve narración final que te deja con ganas de más.

Particularmente creo que lo mejor de la película es la reconstrucción de época en una Zaragoza que no se llega a ver mucho pero que está ahí como estaba hace un siglo (se filmaron los soportales del Paseo Independencia por ejemplo cuando aún no habían sido reformados). La atmósfera prerrevolucionaria, los encuentros clandestinos amorosos y políticos, la juventud estudiantil, la sociedad burguesa tambaleándose y algunos ambientes concretos como el entorno familiar o el trabajo en botica al que se dedica Pepe sí me parece que están muy conseguidos.

En cuanto al argumento en sí tiene más “sustancia” que “Valentina” porque como la historia sigue las andanzas de Pepe Garcés y éste se encuentra en pleno descubrimiento del mundo y de sí mismo, la política, el mundo laboral y social y el mundo afectivo están muy presentes y multiplican los focos de interés. En ese sentido probablemente lo que mejor funciona es la exploración del mundo afectivo del personaje que se topa con una Isabelita que le abre las puertas a una furtiva incursión en el sexo más desinhibido, algo muy atractivo para el momento en que se estrenó la película.

En suma, un interesante viaje en el tiempo a aquella época pero una adaptación que de alguna manera queda coja, teniendo en cuenta lo que podría haber dado de sí una vez vistos los resultados de la primera parte. Como anécdota comentar que “Crónica del Alba” fue una biografía novelada, así que aunque sabemos por el comienzo de Valentina que Pepe muere en el campo de concentración de los refugiados republicanos tras la guerra civil (no chafo nada, esto se sabe nada más empezar), Ramón J. Sénder al parecer mantuvo el recuerdo de Valentina hasta el final de su vida, precisamente en 1982.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!

- Pepe saliendo con sus compañeros de clase en pleno ambiente de huelga en el Paseo Independencia (más que nada por el hecho de redescubrir los viejos soportales).
- La escena en el cine en la que Pepe e Isabelita se encuentran por primera vez.
- Las escenas en la intimidad de Pepe con Isabelita, en especial aquella en la que ella le va preguntando para descubrir cómo es su relación con Valentina respecto a la suya.
- La venta a crédito de coca en la botica.
- El momento en que Isabelita sufre el desengaño definitivo al conocer que Pepe se ha marchado a Bilbao a ver a Valentina (uno de los momentos más conmovedores de la película).
- La escena final en la que se repele el ataque al Cuartel Palafox y Pepe ve a sus amigos muertos.

“Valentina” (Antonio José Betancor, 1982)

2012-01-07T08:29:00.000-08:00

****
Reparto: Anthony Quinn (Mosén Joaquín), Jorge Sanz (Pepe), Paloma Gómez (Valentina), Alfredo Lucchetti (don Arturo), Eusebio Poncela (narrador), Luis Ciges (médico), Marisa de Leza (doña Julia) , Saturno Cerra (don José), Conchita Leza (doña Luisa)
País: España
Duración: 89 min.
Género: Drama
Guión: Carlos Escobedo, Javier Moro, Antonio José Betancor
Montaje: Eduardo Biurrun
Fotografía: Juan Antonio Ruiz Anchia
Música: Riz Ortolani

He vuelto a ver “Valentina”, la primera parte de la adaptación de “Crónica del alba” que en los 80’s hizo Antonio José Betancor, creo que es la tercera vez aunque sólo lo intuyo porque de la segunda no me acuerdo, la que recuerdo es la primera cuando tenía apenas 12 años y cuando dejó su poso. De algún modo la música de Riz Ortolani, que te envuelve, te atrapa y reverbera ad infinitum, me ha provocado el efecto de la magdalena de Proust, creo que por eso me gusta especialmente esta película, que no es ni mucho ni poco, simplemente me emociona y me conmueve, quien sabe si por su argumento o porque me toca de lleno en la fibra sensible.

Vista hoy, tras haber visto mucho cine, no es la gran película que tenía en mi recuerdo (uno tiende a sobredimensionar los recuerdos), pero sí me parece una hermosísima película sobre la infancia y el primer amor y me alegro que mis padres me llevaran al cine en su estreno porque seguramente era el momento perfecto para verla. Tiene esta película un poderoso efecto melancólico porque esa banda sonora y sus imágenes te zambullen literalmente en el paraíso perdido de una infancia donde los sentimientos son cándidos e inocentes y además lo hace en un lugar que parece sacado de otro tiempo (ese es el efecto que producen las localizaciones de Albarracín y el castillo de Loarre).

La película se basa en la mejor novela de Ramón J. Sender y recrea toda la parte relativa a la infancia de José Garcés, situándose en 1911, centrándose en las trastadas del crío, su rebeldía innata, su relación con mosén Joaquín (magnífico, como siempre, Anthony Quinn) y su amor en ciernes por Valentina, la hija del notario. Viene a ser un relato sin historia, más bien resulta una yuxtaposición de recuerdos con los que se define a un personaje y se describe su infancia y su relación con Valentina.

Así como el argumento tiene inspiración decimonónica, la ambientación, la música, el estilo fílmico tienen mucho que ver con las adaptaciones literarias que se hicieron en España para cine y televisión a finales de los 70’s y en los 80’s. De hecho el director era ayudante de Mario Camus, a quien se deben series “Curro Jiménez” (1976) y “Fortunata y Jacinta” (1980) o películas como “La colmena” (1982), “Los santos inocentes” (1984) y “La casa de Bernarda Alba” (1987). Como película especialmente dirigida a un público infantil tiene también un tono sentimental e inocente muy propio de la época en la que se filmó en la que habían triunfado en la televisión series como “Heidi” o “Marco”.

“Valentina” cuenta además con la baza de una magnífica banda sonora de Riz Ortolani que impregna toda la película de una intensa melancolía y de un reparto muy bien escogido, en el que despunta un jovencísimo Jorge Sanz que representa a la perfección un Pepe que inspira ternura pero que representa una rebeldía incontrolable. Paloma Lago, que también ha sido actriz, es Valentina y encarna la dulzura y la sencillez. El encuentro entre ambos, su química juntos y un puntual sentido del humor es lo que obra ese milagro de que la película nunca caiga en la ñoñería (aunque a veces la roza) y resulte en cambio de un sentimentalismo inocente y cristalino, como las miradas de los niños. A mí la escena final me dejó en su día con los congojos de corbata y aún hoy lo sigue haciendo, aunque la escena que más me encoje el ánimo es aquella en la que monseñor Joaquín dice “Adiós Pepé, los amigos se dan la mano, pero a mí ¿me das un abrazo?”.

En definitiva, una película preciosa que entra de lleno en terreno de los sentimental y que es una de los más hermosos cantos sobre la infancia que ha hecho el cine español. Un año después tuvo una continuación titulada “1919, Crónica del alba”.

A modo de anécdota decir que Jorge Sanz y Paloma Gómez, ambos actores, se reencontraron años después (hacia 2006) en una obra de teatro y tuvieron un hijo. Aunque terminaron separándose guardan buena relación como pudo verse en el coloquio que les reunió en mayo de 2011 en el programa “Versión española”.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!

- Al comienzo de la película José sube al tejado junto a los gatos y observa el horizonte donde se ve la majestuosa forma de la muralla de Albarracín.
- Todas las escenas de Anthony Quinn preguntándole la lección a José son magníficas y casi todas terminan igual: “Tú le tienes que decir a tu padre que si fallas en este curso la culpa es tuya y no mía”. En especial la mejor es aquella en la que le pregunta por el teorema de Pitágoras.
- El padre de José recibiendo la cartilla de mosén Joaquín y diciéndole al chico que suba a su cuarto sin comer para darle unos azotes: “¿Tienes algo que decir?” “Sí, eran 20 palos y no me has dao más que 18”.
- La primera aparición en escena de Valentina, subiendo una calle corriendo para encontrarse con Pepe que la espera.
- Pepe haciendo señales a Valentina desde el tejado mientras su padre le mira perplejo creyendo que lo que hace es bailar.
- Pepe usando lo que Valentina le ha leído en misa para salir del paso con monseñor Joaquín: “soy el señor del amor, del saber y de las dominaciones”. Genial como termina la escena Anthony Quinn riendo.
- La escena con el primo de Valentina “hijo de un político nefasto” que termina con el perdigonazo.
- La pelea en el río entre las cuadrillas de los dos pueblos.
- Pepe y Valentina juntos en el tejado abrazados pensando en que si comen nueve olivas pasas con agua por la noche podrán soñar el uno en el otro para estar juntos.
- Mosén Joaquín leyendo la traducción del latín que le ha encargado el padre de José: “De tres clases de hombres está hecha la fortuna de esta tierra y en general de todas las tierras habitadas por gentes no bárbaras ni salvajes: santos, poetas y héroes”.
- Pepe y Valentina huyendo por las galerías subterráneas del castillo para pasar la noche juntos.
- La escena final de las despedidas, con Pepe corriendo tras el coche.

Trailer - "Chronicle" (2012)

2012-01-01T15:19:00.000-08:00

Empieza como si nada, pero seguid viendo hasta el final ¡¡¡Joooodeerr!!!!

Cine y TV del 2011

2011-12-31T06:47:00.000-08:00

“Blackthorn (sin destino)” (Mateo Gil, 2011)

2011-12-31T04:04:00.001-08:00

****
Países: España, Francia y Bolivia.
Duración: 98 min.
Género: Western, drama.
Reparto: Sam Shepard (James Blackthorn), Eduardo Noriega (Eduardo Apocada), Stephen Rea (Mackinley), Magaly Solier (Yana), Nikolaj Coster-Waldau (James de joven), Padraic Delaney (Sundance), Dominique McElligott (Etta).
Guión: Miguel Barros.
Producción: Andrés Santana, Ibon Cormenzana, Jerôme Vidal y Paolo Agazzi.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: J.A. Ruiz Anchía.
Montaje: David Gallart.
Dirección artística: Juan Pedro de Gaspar.
Vestuario: Clara Bilbao.
Distribuidora: Alta Classics.
Estreno en España: 1 Julio 2011.

Hay varios motivos por los que “Blackthorn” resulta peculiar y sorprendente pero esencialmente todo se resume en que pocas veces un director español ha dirigido un western, menos a medio camino entre el cine de forajidos y el drama crepúscular y nunca ambientado en Bolivia y protagonizado por el personaje protagonista que no voy a decir cuál es aunque no tarde en intuirse una vez va avanzando el argumento. Le llamaré Blackthorn.

El responsable de esta anomalía en el cine español es Mateo Gil, amigo y colaborador de Alejandro Amenábar que irrumpió con él en el panorama hispano firmando el guión de “Tesis” (1996) y después estrenando “Nadie conoce a nadie” (1999), una película de suspense e intriga ambientada en la Semana Santa sevillana que pasó ligeramente desapercibida y que en su día me pareció muy lograda, máxime cuando no estábamos acostumbrados en el cine español a ese tipo de argumentos que hoy sí, ya se han hecho más habituales.

Tiene pues Mateo Gil un cierto pronto de expedicionario y explorador de terrenos inexplorados y de géneros pocos usuales por estas latitudes y sólo por ello ya tienen interés tantos sus guiones (muchos magníficos como los de “Tesis, “Abre los ojos”, “Mar adentro”, “El método” o “Ágora”) como sus dos películas hasta la fecha (una pena que no haga más).

“Blackthorn” tiene todas sus virtudes y seguramente el “defecto” de que no va a ser el western que podría esperar alguien a quien sólo le importe la acción (que también la hay aunque en pequeñas dosis, las justas para lo que pretende filmar el director). Más bien yo diría que se instala en el terreno del drama, centrándose en un protagonista que en el umbral mismo de la vejez busca colocar las últimas piezas de su vida en su sitio y dar un sentido a todo. No se me ocurre un actor mejor para representar todo eso que Sam Sephard y tampoco otro que haga mejor de su versión más joven que Nikolaj Coster-Waldau (si os suena es porque habéis tenido el acierto de ver la serie “Juego de Tronos”) así que para empezar el acierto de casting me parece incuestionable. También merodean por ahí el siempre eficaz Stephen Rea, la emergente Magaly Solier y un Eduardo Noriega con un personaje que le viene muy bien a su espléndida trayectoria.

La historia se instala de inicio en la montañas de Bolivia en 1927, pero a menudo va dando saltos hacia 1908 para contar un relato anterior que tiene relación con el presente y en ese ir y venir se acelera o se detiene con buenas escenas de acción y otras incluso mejores en las que se retrata a la perfección la sosegada calma que busca un Balckthorn ya de vuelta de todo que trata de ganarse un merecido reposo de vuelta a Estados Unidos.

A nivel de guión seguramente lo más interesante es el encuentro entre Blackthorn y Eduardo porque es el verdadero “enfrentamiento” de la película y viene a ser algo así como una lucha de Blackthorn contra sí mismo. En un momento en que los dos reposan juntos Blacktorn le dice: “A veces creo que sólo hay dos momentos en la vida de un hombre: uno es cuando se marcha de casa y el otro cuando vuelve a ella. Todo lo demás sólo es lo de en medio, así que estamos en el mismo camino pero vamos en direcciones opuestas” y así es, viene a ser como si Blackthorn se hubiera encontrado con su yo pasado y lo que vemos es seguramente lo que hubiera ocurrido si de verdad ambos se hubieran encontrado, en realidad un choque dramático de tono casi existencial y muy interesante. Apliquémoslo a nosotros mismos ¿Cómo actuaríamos siendo ya mayores con nosotros mismos siendo jóvenes?

Por lo demás un western que parece sacado por sus formas de aquel norteamericano de los años 70’s del siglo pasado (especialmente de Sam Peckinpah), que tiene en cambio todo el atractivo visual actual (magníficos paisajes llenos de contrastes, encuadre épico, interesante uso del zoom para aumentar la tensión narrativa) y que rezuma el aroma más verosímil y melancólico del cine de forajidos evadidos demostrándonos que ser uno de ellos tiene mucho de aventura y también todo de soledad. La historia de Blackthorn parece susurrarnos que a fin de cuentas lo importante no es el dinero, sino la libertad.

En definitiva, un western atípico que yo recomendaría y que es ideal para verse e una sesión doble precedido de “Dos hombres y un destino” (atención a ese final en ambas con una fotografía fija que no me parece algo casual sino un guiño de dirección). Las dos películas son un canto a la aventura y a la libertad, pero las dos poseen un poso terriblemente triste y melancólico.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!

- Blackthorn cabalgando rumbo a su destino por las montañas bolivianas mientras la cámara se aleja y se escucha música folk.
- La escena en la que se encuentran Blackthorn y Eduardo en la que utilizan toda su pillería para no quedar sin montura.
- Eduardo bebiendo bajo la reserva de agua junto al ferrocarril.
- Blackthorn cantando con su banjo mientras cabalgan.
- El inesperado ataque de la mineras en la casa de Blackthorn y los resultados del mismo.
- Eduardo cauterizando una herida en el pecho de Blackthorn con pólvora.
- Blackthorn curando el culo de Eduardo tras una jornada a caballo: “Tienes el culo blando como un contable”.
- Seguramente la parte más espectacular de la película es la persecución en el salar y esos momentos en que se persiguen lentamente unos a otros en estado de máxima fatiga.
- El momento en que el personaje de Stephen Rea, después de toda una vida persiguiendo a Blackthorn le abre los ojos a éste sobre sus compañías.
- El final es sorprendente, brutal en cierto modo e impactante, pero también lógico y coherente con lo que hemos estado viendo.

LA CRÍTICA DE CARLOS BOYERO Aquí

Grandes escenas - Ice dance en "Eduardo Manostijeras"

2011-12-30T11:09:00.000-08:00

Grandes escenas - Preparando la navidad de "Pesadilla antes de navidad"

2011-12-30T11:03:00.000-08:00

Grandes escenas - Step in time de "Mary Poppins"

2011-12-29T10:33:00.000-08:00

Se ha muerto la mona Chita

2011-12-29T06:45:00.000-08:00

Trailer - "El Havre" (2011)

2011-12-29T06:42:00.000-08:00

Trailer - "Silencio en la nieve" (2012)

2011-12-29T06:39:00.001-08:00

Trailer - "Drive" (2011)

2011-12-29T06:07:00.000-08:00

Trailer series TV - "Revenge" (2012)

2011-12-27T08:15:00.000-08:00

Trailer series TV - "Alcatraz" (2012)

2011-12-27T07:58:00.000-08:00

Trailer series TV - "Terra Nova" (2011)

2011-12-27T07:57:00.000-08:00

“Todo lo que tú quieras” (Achero Mañas, 2010)

2011-12-26T11:02:00.000-08:00

**
Guión: Achero Mañas.
País: España.
Duración: 101 min.
Género: Drama.
Reparto: Juan Diego Botto (Leo), José Luis Gómez (Alex), Najwa Nimri (Marta), Ana Risueño (Alicia), Lucía Fernández (Dafne), Pedro Alonso (Pedro), Ana Wagener, Alberto Jiménez, Paloma Lorena. Producción: Achero Mañas y Joaquín Velasco. Música: Leiva.
Fotografía: David Omedes.
Montaje: José Manuel Jiménez.
Dirección artística: Antón Laguna.
Vestuario: Cristina Rodríguez.
Distribuidora: Wanda Visión.
Estreno en España: 10 Septiembre 2010.
No recomendada para menores de 7 años.

Achero Mañas, al que conocimos primero como actor en películas como “1492” (1992), “Dispara” (1993), “Así en el cielo como en la tierra” (1995), “El rey del río” (1995) o “La ley de la frontera” (1995) de pronto se pasó un día al otro lado de la cámara y firmó nada menos que “El bola”, película que en el año 2000 ganó cuatro Goyas entre los que estaba el de mejor película, director y guión (tres responsabilidades suyas además). Además “El bola” ganó el premio a mejor guión en Sundance y se descubrió al entonces aún niño Juan José Ballesta.

Después de aquello Achero Mañas sólo ha hecho dos películas, “Noviembre” y la que nos ocupa, pero yo diría que ambas son dos propuestas atípicas interesantes esencialmente por ello. La primera penetraba en el mundo de los actores de teatro que convierten su “vida en sueño” y hacen de sus anhelos interpretativos el cogollo de sus propias vidas. Ésta cuenta una historia que penetra en el mundo de los sentimientos entre padres e hijos y resulta también una obra atípica por cuanto el quiz del argumento exige a Juan Diego Botto (Leo) que se convierta en la “mamá” de su pequeña hija de cuatro años (Dafne).

Como sucede con las tres películas de Mañas contar de qué tratan puede hacerse en tres líneas, pero lo importante no es la historia sino lo que les sucede a los personajes, lo que viven y sienten. Es una película de emotividades, de cambios, de evolución personal, de autosuperación, metamorfosis inasibles y no sólo sucesos. Por supuesto no es una película de acción, es una película de diálogos y más que de ellos de miradas y gestos (dominan los primeros planos debido a ello).

Como sucedía con “Noviembre” Achero Mañas penetra en terrenos argumentales pantanosos, quizás tratando de hacer un cine especial, arriesgado, comprometido en cierto modo con un tipo de público que quiere que le cuenten historias personales con un plus de originalidad. Lo que vemos en esta película, pretendiendo ser diferente raya lo insólito y casi convierte lo real en fantástico (a causa de una pérdida una niña cree que su padre es su madre y su padre, abogado con prejuicios, deja de tenerlos de sopetón para contentar a su hija) y sólo es creíble y asumible a partir de la premisa de que un intenso dolor y sufrimiento (ese con el que arranca el meollo) lo puede hacer posible.

Sin embargo no es una película dramática sino que trota suavemente entre lo dramático y lo cómico, penetrando en parecidos recovecos anímicos en los que un actor triste puede convertirse en payaso alegre para contentar a su público (no me parece casual el personaje tragicómico del transformista Álex, magnífico y enternecedor José Luis Gómez, el alma de la película).

Pienso que sin los actores protagonistas esta película no hubiera sido posible o hubiera perdido gran parte de su atractivo e incluyo a la niña (Lucía Fernández), cuya carita de porcelana y aire de inocencia es la única razón palpable que nos ofrece Achero Mañas por la que un padre a punto de perder el equilibrio anímico asume que lo mejor para su hija es hacer lo que hace al margen de todo sentido común y de su propia escala de valores. Se nos pide mucho, a más de uno le va a chirriar.

La película también es atípica por su factura, por esos primeros planos constantes y porque cámara, iluminación, puesta en escena se nublan creando una atmósfera tristona que le va bien al punto de vista del padre, que es desde el que se nos cuenta todo (véase que en realidad todo gira en torno a Leo y quizás no era el único punto de vista interesante).

Sin duda la película conmueve, te llega, te emociona, pero una vez vista tienes la sensación de que en cierto modo es previsible y que el mejor caldo de cultivo argumental se ha quedado en eso, en intenciones no desarrolladas, en varios temas simplemente apuntados pero no desarrollados: lo psicológico (los porqués del comportamiento de la niña o la reacción del padre), lo escolar (las consecuencias en el colegio), lo laboral (como afecta todo en el trabajo de Leo), lo romántico (la relación de Leo con Marta) o lo social (las implicaciones de la amistad que surge entre Leo y Álex y cómo afecta esto al resto de relaciones personales de Leo).

A pesar de que resulta previsible y sus intenciones son mejores que su acabado final, una recomendable historia de sentimientos instalada en el territorio de la ternura de inicio a fin.

La opinión de OTI RODRIGUEZ MARCHANTE aquí

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!

- Los títulos de crédito iniciales son sorprendentes con una sucesión de fotos de hombres que travestidos parecen ganar luminosidad en sus rostros aunque a fin de cuentas es un motivo que despista un poco respecto al asunto central de la película.
- La ocurrencia de la “mamá postiza” de la niña
- La muerte en los columpios, un momento de cruda dureza.
- Un Leo sin rumbo llama “Alicia” en la cama a Marta y ésta le pide que no lo haga con toda la sensibilidad de que es capaz y tragándose sus propios sentimientos por él.
- Dos escenas contrapuestas: el momento en que Leo se siente asaltado por Álex en el local de variedad y le llama “¡Maricón de mierda!” y la escena del restaurante en la que le pide perdón.
- Totalmente desesperado Álex rogándole a su hija: “Es importante que me digas que soy papá”.
- El final, cuando la niña le pide que vuelva papá.

“El último mohicano” (Michael Mann, 1992)

2011-12-26T07:10:00.001-08:00

*****
Título original: The Last of the Mohicans
Guión: Christopher Crowe y Michael Mann
Fotografía: Dante Spinotti
Música: Trevor Jones y Randy Edelman
Reparto: Daniel Day-Lewis (Ojo de Halcón), Madeleine Stowe (Cora Munro), Wes Studi (Magua), Maurice Roewes (Coronel Munro), Jodhi May (Alice Munro), Rusell Means (Chingachgook), Eric Schweig (Uncas), Steven Waddington (Mayor Duncan), Patrice Chereau (General Montcalm), Pete Postlethwaite.
Producción: 1992. EE.UU.
Género: Western, aventuras, Romance
Duración: 112 minutos.

La primera vez que vi “El último mohicano” allá por 1992 me dejó un tanto indiferente, quizás porque esperaba otra cosa o porque no era un buen momento para verla, el caso es que mis compañeros de visionado habían salido encantados de la sesión así que decidí darle otra oportunidad en cuanto me fuera posible. La segunda vez la pillé empezada en televisión y me dejó enganchado a la pantalla hasta el final. Aún han caído otros dos visionados más: el tercero me hizo cambiar definitivamente me impresión inicial sobre la película y el cuarto me ha rendido definitivamente.

Es posible que al ser una película que se toma su tiempo para desarrollar el argumento y que se recrea en escenarios naturales resulte un tanto “lenta”, más para un espectador acostumbrado al cine de acción actual, tan dado a dar una sensación de celeridad a través de un montaje vertiginoso. No obstante creo que habría que aclarar eso de “lenta” porque cuando decimos que algo es lento lo hacemos para calificarlo de forma negativa y en cambio a mí no me parece que esta película lo sea, de hecho pienso que el montaje atina con un ritmo adecuado aún cuando muchas escenas son un mero seguimiento de los personajes a través de los escenarios naturales. En concreto todo el tramo final me parece fabuloso, emocionante, intenso, espectacular....no es preciso que nadie explique qué pasa o qué sienten los personajes, sus miradas y acciones lo describen a la perfección y todo queda envuelto por una fascinante épica trágica.

Posee esta película de Michael Mann, en gran parte gracias a la extraordinaria banda sonora, a sus poderosas imágenes naturales y al argumento en sí, una mezcla entre épica y romanticismo, un tono melancólico y agridulce que la sobredimensiona y la hace idónea como adaptación de la novela de Fenimore Cooper y la convierte en un título singular en la historia del cine quizás sólo comparable con “Bailando con lobos”, con la que tiene muchos puntos en común (de hecho podríamos decir que el éxito de ésta hizo posible que un par de años después se hiciera “El último mohicano”). Particularmente hecho de menos más películas de esta índole porque westerns épicos los hay a cientos, películas que si sitúen del lado de los indios y su cultura unas cuantas sobretodo desde los años 70’s y por supuesto historias de amor interracial haberlas también haylas; pero la mezcla conseguida en esta ocasión es poco común.

La épica emana de las poderosísimas imágenes que nos regala la cámara de Michael Mann, embellecidas por una luminosa fotografía de Dante Spinotti que logra exprimir al máximo las posibilidades del scope, acompañadas siempre por la inolvidable música de Trevor Jones y Randy Edelman, con unos escenarios naturales sobrecogedores y el director refuerza muchos momentos a través de la cámara lenta, casi siempre con los mohicanos acudiendo prestos a la batalla, implacables en sus acciones, nobles en su comportamiento...Ver en este caso a Ojo de Halcón (Daniel Day-Lewis), a su padre y a su hermano corriendo a través de las espesura, o entre enemigos acudiendo a rescatar a las hermanas Murron o subiendo por las rocas persiguiendo a sus enemigos los hurones posee una fuerza arrebatadora. La película posee una fisicidad innegable, de pronto no te sientes espectador, sino que estás allí (por supuesto mucho más si ves la película en una pantalla grande).

Disfrutar de los escenarios y de esas bellas imágenes tomadas por las cámaras te ayuda a comulgar con la terrible sensación de pérdida de los indios, conscientes de que los hombres blancos llegaban para arrebatarles su paraíso. Mann consigue transmitir a la perfección la sensación de libertad que experimentan los mohicanos actuando por libre, sin asumir ningún vasallaje, dejándose llevar por su instinto; pero también muestra como quedan a expuestos a la llegada de un nuevo mundo, a la codicia de unos y otros y a las consecuencias de un enfrentamiento que sólo desata odios y muerte y en el que el amor o la fraternidad son un tesoro que merece la pena custodiar aún a costa de la propia vida. La sensación que sientes es agridulce porque entiendes que la belleza está amenazada por una tragedia que resulta inevitable.

La historia que nos narran se centra en 1757, en la zona americana de los grandes lagos, durante el tercer año de enfrentamiento entre franceses y británicos por dominar aquellas tierras. Ojo de Halcón, un hombre blanco adoptado por el mohicano Chingachgook y su hijo Uncas trata de mantenerse al margen del conflicto, pero al ayudar a la partida en la que viajan las hijas de un coronel británico (Cora y Alice Munro) contra los hurones liderados por Magua queda irremediablemente ligado al destino de éstas.

Junto con “Heat” estamos ante la mejor película de Michael Mann, brillante productor y un director eminentemente visual, que trata de transmitir a través de sus imágenes una mezcla agridulce y melancólica enfrentando lo espectacular de los entornos con lo íntimo de los personajes y que encontró quizás su mejor expresión en la serie “Corrupción en Miami” a través del personaje de Sonny Crockett. En su día la película tuvo una tibia acogida, pero ha ido ganando enteros mientras otros títulos suyos teóricamente más ambiciosos como “El dilema” (The insider)(1999), “Ali” (2001), “Collateral” (2004), “Corrupción en Miami” (2006) o “Enemigos públicos” (2009) se han ido debilitando con el paso del tiempo en la apreciación general de crítica y público.

También es uno de los mejores trabajos de un magnífico reparto en el que sobresalen por supuesto el todoterreno Daniel Day Lewis y un siempre eficaz Wes Studi, el perfecto “enemigo” indio, brutal y implacable, que con su sola presencia incrementa exponencialmente la sensación de amenaza en nosotros. Madeleine Stowe también raya a gran nivel a pesar de su corto papel porque sabe imprimir a su personaje un tono romántico que no resulta ñoño en ningún momento, a la altura de la relación que establece con un Ojo de Halcón que es todo menos un amante sensiblón.

En esencia “El último mohicano” es una película de aventuras con forma de western, pero no renuncia ni a la reivindicación del pueblo indio ni al romance y ante todo es una experiencia audiovisual a medio camino entre lo épico y lo sentimental, por eso funcionan tan bien sus mejores escenas acompañadas por el tema principal de la banda sonora, que es un perfecta conjunción de la épica visual con el lirismo musical.

Ganó un óscar a mejor sonido, su única nominación aunque seguramente merecía más, en el año que venció “Sin perdón”.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!

- La persecución de arranque con los tres indios persiguiendo a un ciervo.
- El ataque sorpresa de los hurones que arranca con una imagen magnífica en primer plano del hacha de Magua apareciendo de improviso de su manga.
- El primer encontronazo de Ojo de Halcón y Cora cuando ésta le reclama que entierre a unos blancos asesinados en la frontera y él le contesta: “No son extraños y se quedarán tal y como están”. La explicación se la da luego: si los hubieran enterrado habrían delatado su paso por allí.
- El momento en que Ojo de Halcón se decide a mostrar sus sentimientos mientras Cora limpia una herida de su hermano Uncas: ¿Qué está usted mirando? / “La estoy mirando a usted?”
- La salida del mensajero, atacado por los indios fieles a los franceses siendo abatidos por los disparos de Ojo de Halcón desde el fuerte.
- Ojo de Halcón buscando a Cora junto a la hoguera del patio en el fuerte, encontrándola y llevándosela por fin a un lugar apartado.
- La discusión entre Cora y el Coronel Munro en relación a la ejecución de Ojo de Halcón.
- El encuentro entre el Coronel Munro y el Coronel francés en el que deciden la rendición de Fort William Henry.
- Magua explicando al Coronel francés su historia y las razones por las que quiere la muerte del Coronel Munro (Cabeza gris) y sus hijas.
- Desde el ataque de los hurones a los ingleses hasta el final todo es excepcional: la batalla en sí, el rescate de Ojo de Halcón a las hermanas, la forma en que Magua asesina al Coronel Munro, la huida en las canoas por el río, cómo se ocultan en la cueva tras la catarata, Ojo de Halcón saltando por ella para escapar después de asegurarle a Cora que resista porque la encontrará allá a donde vaya (“¡Manténte viva! Si te rindes te llevarán al norte a las tierras de los hurones. ¡Sométete! ¿Me oyes? Tú eres fuerte, ¡sobrevive!. Pase lo que pase manténte con vida. Te encontraré. Por mucho que me cueste, por muy lejos que estés, te encontraré”), la persecución hasta el poblado indio (mención especial para la entrada de Ojo de Halcón humillado y golpeado por los hurones), la forma en que discuten Ojo de Halcón y Magua frente al Jefe, la decisión del mayor Duncan y la conclusión.
- El final de esta película me parece extraordinario, es una explosión sin igual de sensaciones, una liberación de testosterona y adrenalina, un espectáculo visual sin parangón (es fascinante el momento en que Chingachgook sale corriendo recto e imperturbable hacia Magua destrozando enemigos a su paso con Ojo de Halcón a su rebufo librándole de enemigos con dos rifles en mano) y a la vez es un momento brutal (descomunal hachazo final) y catártico, lleno de dolor y pérdida (una vez acabado todo Chingachgook mira a Ojo de Halcón y sin decir una palabra descubres en su mirada una profunda tristeza, la de ser consciente de que él es el último mohicano).

NO VER EL VIDEO SI NO SE HA VISTO LA PELÍCULA

“La piel que habito” (Pedro Almodóvar, 2011)

2011-12-24T04:04:00.000-08:00

***
Título internacional: The skin I live in.
País: España.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Reparto: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya (Vera), Marisa Paredes (Marilia), Jan Cornet (Vicente), Roberto Álamo (Zeca), Blanca Suárez (Norma), Eduard Fernández (Fulgencio), José Luis Gómez (Presidente del Instituto de Biotecnología), Bárbara Lennie (Cristina), Susi Sánchez (madre de Vicente), Fernando Cayo (médico). Guion: Pedro Almodóvar; inspirado en la novela “Tarántula”, de Thierry Jonquet. Producción: Agustín Almodóvar y Esther García.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: José Luis Alcaine.
Montaje: José Salcedo.
Vestuario: Paco Delgado, con la colaboración de Jean-Paul Gaultier.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 2 Septiembre 2011.
No recomendada para menores de 16 años.

Pedro Almodóvar entró hace años en una especie de estado de gracia con el que ha sabido imprimir a su cine un estilo propio inconfundible y un interés que va más allá de nuestras fronteras gracias siempre a argumentos pasionales, personajes peculiares con los que los actores pueden lucirse y una puesta en escena de diseño muy cuidado y un atractivo visual innegable.

Con más acierto (“Volver”, “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella”) o menos acierto (“La mala educación”, “Los abrazos rotos”) estos últimos años ha puesto la guinda a una filmografía espectacular que te puede gustar o no, porque sus argumentos no nos gustan a todos por igual, pero que es indiscutible por repercusión, por reconocimiento de crítica y público en todo el mundo y porque representan una forma de expresión personal e intrasferible (véanse créditos, tomas cenitales, decorados, la inserción del tema musical de Buika o la banda sonora de Alberto Iglesias, una vez más sorprendente y muy bien entroncada con el particular universo que recrea Almodóvar).

“La piel que habito” yo diría que es otro tanto más que sumar a los aciertos y es seguramente una de sus películas más asequibles y más recomendables incluso para los que no comulgan mucho con su cine. Posee desde su arranque una suerte de suspense que te empuja a querer saber más sobre los personajes y su estructura narrativa, saltando en el tiempo, descolocándote para que luego vayas encajando piezas, hace que la trama se te haga entretenida y la película se te pase en un suspiro.

Como siempre la piedra angular del relato son los personajes, bien construidos desde el guión, peculiares en sus formas o en sus fondos todos ellos, capaces de sorprenderte por lo que hacen, por cómo se comportan o por lo que son...y con motivaciones que son los engranajes en esta ocasión de un complejo argumento trágico repleto de obsesiones, erotismo y venganza. Es decir, Almodóvar en estado puro, pero además con ese plus del suspense del que hablaba antes.

Casi es obvio en una película del director manchego decir que los actores están sensacionales, pero es que es verdad. Incluso ha conseguido eliminar en Antonio Banderas todo rastro de acento y sobreactuación, que era algo que a mi juicio le estaba perjudicando mucho últimamente, cuando nadie duda que es un magnífico actor. Elena Anaya también está estupenda y no me refiero sólo a lo literal, que también, cosa a la que hay que referirse porque Almodóvar lo aprovecha para insuflar un cierto toque erótico a la historia y el resto del elenco está a buen nivel, como no podría ser de otra manera, desde esa Marisa Paredes siempre eficaz a una Blanca Suárez que es una de las presencias emergentes más sobresalientes del cine español (Si sigue así esta chica puede llegar muy lejos porque domina todos los registros y su presencia en pantalla es como un agujero negro que acapara toda tu atención en cuanto aparece).

Del argumento mejor no decir mucho, simplemente que todo gira en torno a Robert, ambicioso cirujano plástico marcado por el drama de su pasado cuyo deseo de venganza (no digo de qué) origina una historia que se resuelve de forma sorprendente. En algunas cosas, también por Banderas, recuerda a “Átame” en otras a “Hable con ella” o a “El coleccionista” (William Wyler, 1965) o a “Vértigo” (Alfred Hitchcock, 1958)

En el debe quizás lo más llamativo es ese efecto de “comedia involuntaria” que produce alguna de sus escenas más salidas de madre, en el haber que pocas veces un guión de Almodóvar ha tenido tanta capacidad de sorpresa y pocas veces ha sido menos previsible su cine, así que en lo que a eso respecta una baza a favor para conquistar espectadores reticentes. Yo diría que por ello es de las películas de Almodóvar más recomendables para cualquier tipo de público.

Como siempre mi opinión nunca será tan preclara como la de Oti Rodríguez Marchante o Carlos Boyero

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡NO LEER MÁS, CONTIENE SPOILERS!!!!

La película posee varias escenas muy "marca de la casa":

- Robert mirando en una pantalla gigante a Vera y ampliando su rostro con un zoom.
- La violación de Vera por Zeca disfrazado de tigre.
- La orgía en los jardines donde Vicente trata de acostarse con Norma (antológica Blanca Suárez haciendo de tontita).
- El cameo de Agustín Almodóvar en un breve papel.
- La persecución de la moto.
- La elipsis temporal con la que descubrimos el cambio que se opera en Vicente y el secreto mejor guardado del argumento.
- El intento de huida de Vera y el corte en el cuello cuando no lo consigue.
- La escena del aspirador en la que éste retrocede hasta la pared cuando Vera termina de usarlo.
- Vera pintando en la pared de su encierro creando un enorme mural.
- Robert poniendo alambre a un bonsai.
- La escena final en la que Vera toma la iniciativa para huir.

Grandes escenas - Table ballet en "La quimera del oro"

2011-12-24T03:19:00.001-08:00

Trailer - "El invitado" (2011)

2011-12-24T03:18:00.000-08:00

Trailer - "Prometheus" (Ridley Scott, 2012)

2011-12-23T07:34:00.000-08:00

Trailer - "Wrath of the Titans" (2012)

2011-12-22T10:30:00.000-08:00

La segunda parte de "Furia de Titanes" promete más espectáculo. A ver si no se pasan mucho con los efectos...

La 2ª temporada de "Juego de tronos" en producción

2011-12-22T10:16:00.000-08:00

Trailer - "El hobbit" (Peter Jackson, 2012)

2011-12-21T06:20:00.001-08:00

VISITA LA FUERTE DE LA INFORMACIÓN AQUÍ

Grandes escenas - Les Grossman bailando en Tropic Thunder

2011-12-20T10:03:00.000-08:00

La mejor escena de "Tropic thunder" la protagonizaba un irreconocible Tom Cruise en los créditos finales...

Y hace poco repetía en la entrega de los MTV Awards con JLO

Trailer - "The dark knight rises" (Christopher Nolan, 2012)

2011-12-20T10:02:00.000-08:00

Será difícil que Christopher nolan se supere a sí mismo después de las dos entregas de Batman y "Orígenes", pero si alguien puede hacerlo es él...

Trailer - "Rock of ages" (2012)

2011-12-20T10:01:00.001-08:00

Tengo serias dudas sobre la película, pero la participación de Tom Cruise haciendo de rockero me motiva bastante por pura curiosidad...

“La boda de mi mejor amiga” (Paul Feig, 2011)

2011-12-20T07:37:00.001-08:00

**
Título original: Bridesmaids.
País: EEUU.
Duración: 125 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Rose Byrne (Helen), Kristen Wiig (Annie), Maya Rudolph (Lillian), Wendi McLendon-Covey (Rita), Chris O’Dowd (oficial Nathan Rhodes), Ellie Kemper (Becca), Matt Lucas (Gil), Melissa McCarthy (Megan), Jon Hamm (Ted).
Guión: Kristen Wiig y Annie Mumolo.
Producción: Judd Apatow, Barry Mendel y Clayton Townsend.
Música: Michael Andrews.
Fotografía: Robert D. Yeoman.
Montaje: William Kerr y Mike Sale.
Diseño de producción: Jefferson Sage.
Vestuario: Leesa Evans.
Distribuidora: Universal Pictures International Pictures Spain.
Estreno en USA: 13 Mayo 2011.
Estreno en España: 12 Agosto 2011.
No recomendada para menores de 12 años.

Pocas veces ha engañado más un título y un cartel. De hecho considero esencial para saber qué te vas a encontrar investigar un poco en el trailer y recibir información adicional, porque en caso contrario uno podría pensar que es una versión femenina de “Resacón en las Vegas” o un comedia al estilo de la casi homónima “La boda de mi mejor amigo” de Julia Roberts o de “Sexo en Nueva York”. Pues lo cierto es que no es nada de eso, sino algo completamente diferente, más próximo a “El diario de Bridget Jones” pero con un humor más grueso.

Es importante saber que el responsable es Judd Appatow, productor de títulos como “Un loco a domicilio” (1996), “Virgen a los 40” (2005), “Supersalidos” (2007), “Superfumados” (2008), “Año uno” (2009), “Hazme reír”( 2009) o “Todo sobre mi desmadre” (2010), es decir, que el tipo de comedia con el que te vas a encontrar si la ves tiene más que ver con ese humor provocador que raya la fina línea del buen gusto y lo escatológico (tremenda la escena de la “indisposición alimentaria” en la tienda de vestidos de novia) y que también enternece con historias de personas buscándose a sí mismas.

La mezcla entre el humor casi-grueso, lo “frikie” y cierta ternura hacen que las comedias de Appatow estén funcionando bastante bien porque son entretenidas, porque muchas veces la “vergüenza ajena” que producen muchas escenas resulta incorrectamente divertida y porque es difícil no conectar con los protagonistas, que son antihéroes, arquetipos mucho más próximos a cualquiera de nosotros que los que protagonizan las comedias más sofisticadas. El caso es que “La boda de mi mejor amiga” se ha convertido en el mayor éxito en taquilla hasta la fecha de Appatow y se le ha reconocido con premios y nominaciones, la última en el apartado de mejor comedia o musical en os Globos de oro de este año 2011.

Particularmente no es el tipo de comedia que más me gusta, prefiero más aquella que se basa en la ironía o en humor más fino y menos transgresor, pero este tipo de comedias siempre me han parecido “desengrasantes” porque de algún modo desatascan los resortes más primarios de nuestro sentido del humor, permitiéndonos que nos reíamos o nos sonrojemos con situaciones poco correctas con las que sería de dudoso gusto hacerlo en la vida real. Es un poco lo que ocurría con “Algo pasa con Mary”. Son películas que no puedes tomártelas muy en serio, pero se trata precisamente de eso, de reírte de situaciones ridículas o salidas de madre. Por supuesto, habrá quien esto no le haga la más mínima gracia.

Gran parte del éxito de la película cabe atribuírselo a la actriz protagonista, Kristen Wiig (por momentos recuerda a la mejor Meg Ryan), que demuestra un excepcional desparpajo para resolver de forma hilarante y con un estilo muy personal las escenas más ridículas. Su personaje de Annie enseguida empatiza con el espectador y gracias a ello la película gana interés aún cuando el argumento decae, que lo hace hacia la mitad final porque el metraje es probablemente excesivo. Wiig es además coautora del guión junto a Annie Mumolo demostrando que los años que pasó trabajando en Saturday night live dejaron poso.

El argumento trata sobre una boda, en efecto, la boda de la mejor amiga de Annie y sus preparativos, pero realmente el tema central es la propia Annie buscándose a sí misma, hundiéndose en todos los aspectos de su vida para reinventarse (como le dice a su madre “aún no había tocado fondo”), algo recurrente en las comedias de Appatow por la sencilla razón que sus protagonistas son casi siempre “patosos”, “frikies”, “perdedores” pero con una importante virtud, todos son buena gente y eso les redime al final gracias a sus amistades.

Una película entretenida que gustará más o menos dependiendo de si su sentido del humor conecta o no contigo y que, eso sí, garantiza unas cuantas escenas de literal “vergüenza ajena”. Eso sí, es sintomático ese momento en que, cuando Annie está viendo una escena de “Naúfrago” te darían ganas de cambiar de una película a la otra.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡NO LEER, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La escena inicial entre Kristen Wiig y Jon Hamm (el Don Draper de “Mad men”) en la cama: “Quiero que te vayas y no sé cómo decírtelo sin ser un capullo”.
- La escena del tatuaje y los guisantes ¿se puede ser más corta?
- La escena de los agradecimientos a la novia en la que hablan Annie y Helen.
- En la escena en la que la para el policia la forma en que Annie demuestra que no va borracha haciendo monadas sobre la línea blanca de la calzada.
- La escena de la tienda de vestidos de novia, probablemente la escena más impactante de la película por escatológica y salida de madre.
- El policía y Annie controlando la velocidad de los coches que circulan por la carretera.
- La escena en la que Megan le hace ver a Annie que no debe compadecerse de sí misma.
- La escena en la que Annie pierde los papeles en la fiesta de despedida de soltera de su amiga.
- La escena en la que Annie trata de llamar la atención del agente Nathan pasando varios veces por delante de él infringiendo todo tipo de normas de circulación.

Trailer - "Jack and the giant killer" (Bryan Singer, 2012)

2011-12-19T10:00:00.001-08:00

Se están poniendo de moda las adaptaciones de cuentos con todo lujo de efectos especiales. Gran culpa de ello lo tienen la Alicia de Tim Burton y la nueva serie "Once upon a time". Ojo con esto, que viene firmado por Bryan Singer...

Trailer series TV - "Iluminada" (2011)

2011-12-19T08:38:00.000-08:00

Grandes escenas - "The commitments"

2011-12-17T05:49:00.000-08:00

Trailer - "Los mercenarios 2" (2012)

2011-12-17T04:42:00.000-08:00

Trailer - "Men in black 3" (2012)

2011-12-16T07:42:00.001-08:00

Trailer - "The dictator" (2011)

2011-12-16T06:50:00.000-08:00

Globos de oro 2012 - Nominaciones

2011-12-15T10:44:00.001-08:00

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA

The Descendants
Criadas y señoras (The Help)
Hugo
The Ides of March
Moneyball
War Horse

MEJOR ACTOR DRAMÁTICO

George Clooney The Descendants
Leonardo DiCaprio J. Edgar
Michael Fassbender Shame
Ryan Gosling The Ides of March
Brad Pitt Moneyball

MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA

Glenn Close Albert Nobbs
Viola Davis Criadas y señoras (The Help)
Rooney Mara The Girl with the Dragon Tattoo
Meryl Streep The Iron Lady
Tilda Swinton We Need to Talk about Kevin

MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL

50/50
The Artist
La boda de mi mejor amiga
Midnight in Paris
My Week with Marilyn

MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL

Jean Dujardin The Artist
Brendan Gleeson The Guard
Joseph Gordon-Levitt 50/50
Ryan Gosling Crazy, Stupid, Love
Owen Wilson Midnight in Paris

MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL

Jodie Foster Un dios salvaje
Charlize Theron Young Adult
Kristin Wiig La boda de mi mejor amiga
Michelle Williams My Week with Marilyn
Kate Winslet Un dios salvaje

MEJOR DIRECTOR

Woody Allen Midnight in Paris
George Clooney The Ides of March
Michel Hazanavicius The Artist
Alexander Payne The Descendants
Martin Scorsese Hugo

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Kenneth Branagh My Week with Marilyn
Albert Brooks Drive
Jonah Hill Moneyball
Viggo Mortensen A Dangerous Method
Christopher Plummer Beginners

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Bérénice Bejo The Artist
Jessica Chastain Criadas y señoras (The Help)
Janet McTeer Albert Noobs
Octavia Spencer Criadas y señoras (The Help)
Shailene Woodley The Descendants

MEJOR GUIÓN

Woody Allen Midnight in Paris
George Clooney y Grant Heslov The Ides of March
Michel Hazanavicius The Artist
Alexander Payne, Nal Faxon y Jim Rash The Descendants
Aaron Sorkin y Steven Zaillian Moneyball

MEJOR BANDA SONORA
Ludovic Bource The Artist
Abel Korzeniowski W.E.
Trent Reznor y Atticus Ross The Girl with the Dragon Tatoo
Howard Shore Hugo
John Williams War Horse

MEJOR CANCIÓN

Lay Your Head Down (Albert Nobbs)
The Living Proof (Criadas y señoras (The Help))
Hello Hello (Gnomeo & Juliet)
Masterpiece (W.E.)
The Keeper (Machine Gun Preacher)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

The Adventures of Tintin
Arthur Christmas
Cars 2
Puss in Boots
Rango

MEJOR PELÍCULA EN LENGUA EXTRANJERA

The Flowers of War (China)
Le Gamin au Vélo (Bélgica)
In the Land of Blood and Honey (EE.UU.)
La Piel que Habito (España)
A Separation (Irán)

TOTAL DE NOMINACIONES CINE

6 The artist
5 Criadas y señoras (The Help)
5 The descendants
4 The ides of march
4 Moneyball
4 Midnight in Paris
3 Hugo
3 La boda de mi mejor amiga
3 My week with Marilyn
2 War horse
2 50/50
2 Un dios salvaje
2 Albert Nobbs
2 W.E.
2 The girl with the dragon tattoo
1 J. Edgar
1 Shame
1 Crazy, stupid, love
1 The guard
1 The iron lady
1 We need to talk about Kevin
1 Young adult
1 A dangerous method
1 Beginners
1 Gnomeo and Juliet
1 Machine Gun Preacher

MEJOR SERIE DRAMÁTICA

American Horror story
Boardwalk empire
Boss starz
Juego de tronos
Homeland

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMÁTICA

Claire Danes (Homeland)
Mirelle Enos (The killing)
Julianna Margulies (The good wife)
Madeleine Stowe (Revenge)
Callie Thorne (Necessary roughness)

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA

Steve Buscemi (Boardwalk empire)
Bryan Cranston (Breaking bad)
Kelsey Grammer (boss)
Jeremy Irons (Los Borgia)
Damián Lewis (Homeland)

MEJOR SERIE DE COMEDIA O MUSICAL

Enlightned
Episodes
Glee
Modern Family
New girl

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DE COMEDIA O MUSICAL

Laura Dern (Enlightned)
Zooey Deschanel (New girl)
Tina Fey (30 Rock)
Laura Linney (The big C)
Amy Poehler (Parks and recreation)

MEJOR ACTOR EN SERIE DE COMEDIA O MUSICAL

Alec Baldwin (30 rock)
David Duchovny (Californication)
Johnny Galecki (The big band theory)
Thomas Jane (Hung)
Matt Leblanc (Episodes)

MEJOR MINI SERIE

Cinema verite
Downtown Abbey
The hour
Mildred Pierce
Too big to fail

MEJOR ACTRIZ EN MINI SERIE

Romola Garay (The Hour)
Diane Lane (Cinema verite)
Elizqbeth McGoverb (Downton Abbey)
Emily Watson (Appropiate adult)
Kate Winslet (Mildred Pierce)

MEJOR ACTOR EN MINI SERIE

Hugh Boneville (Downtown Abbey)
Idris Elba (Luther)
William Hurt (Too big to fail)
Billy Nighy (Page eight)
Dominic West (The hour)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Jessica Lange (American Horro story)
Kelly McDonald (Boardwalk empire)
Maggie Smith (Downtown Abbey)
Sofia Vergara (Modern Family)
Evan Rachel Wood (Mildred Pierce)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Peter Dinklage (Juego de Tronos)
Paul Giamatti (Too big to fail)
Guy Pearce (Mildred Pierce)
Tim Robbins (Cinema Verite)
Eric Stonestreet (Modern Family)

TOTAL NOMINACIONES SERIES TV

4 Downtown Abbey
4 Mildred Pierce
3 Boardwalk empire
3 Cinema verite
3 Homeland
3 The hour
3 Modern family
3 Too big to fail
2 30 Rock
2 American Horror story
2 Boss
2 Enlightned
2 Eposides
2 Juego de tronos
2 New girl
1 Appropiate adult
1 The big bang theory
1 The Big C
1 Breaking bad
1 Californication
1 Glee
1 The good wife
1 Hung
1 The killing
1 Luther
1 Necessary roughness
1 Page eight
1 Parks and recreation
1 Revenge

“Sin identidad” (Jaume Collet-Serra, 2011)

2011-12-13T10:06:00.000-08:00

***
Título original: Unknown.
Países: Reino Unido, Alemania y Francia.
Duración: 113 min.
Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson (Dr. Martin Harris), January Jones (Elizabeth Harris), Diane Kruger (Gina), Aidan Quinn (el otro Martin Harris), Frank Langella (Rodney Cole), Bruno Ganz (Ernst Jürgen), Sebastian Koch (profesor Bressler), Olivier Schneider (Smith).
Guión: Oliver Butcher y Stephen Cornwell; basado en la novela “Out of my head” de Didier Van Cauwelaert.
Producción: Leonard Goldberg, Andrew Rona y Joel Silver.
Música: John Ottman y Alexander Rudd.
Fotografía: Flavio Labiano.
Montaje: Tim Alverson.
Diseño de producción: Richard Bridgland.
Vestuario: Ruth Myers.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en Reino Unido: 4 Marzo 2011.
Estreno en España: 13 Mayo 2011.
No recomendada para menores de 12 años.

Directamente al número uno de la taquilla norteamericana en su estreno, “Sin identidad” es la cuarta película del catalán Jaume-Collet Serra tras “La casa de cera” (2005), “goal 2” (2005) y “La huérfana” (2009). Ese dato y su buena acogida del público, multiplicando su presupuesto por cinco, no debe confundirnos, es una película entretenida de acuerdo, pero su guión está repleto de casualidades sin las que no funcionaría el thriller y de sucesos inverosímiles que hay que pasar por alto. Digamos que funciona como producto de evasión y que el director demuestra tener sentido del ritmo y buen pulso fílmico, pero no deja de ser una película más por culpa de lo ya mencionado. En cuanto al número uno en USA por mucho que nos alegre por aquí al ser un director español, seguramente fue más producto del momento en que se estrenó, justo después de los óscars, con la cartelera norteamericana raquítica de buenos títulos.

La película trata sobre un tipo (Liam Neeson) que viaja a Berlín con su mujer (January Jones en trepidante escalada de popularidad tras su participación en “Mad men” y la última entrega de “X men”) para asistir a un congreso científico y que al perder su equipaje, queda sin identidad y a merced de un grupo de mercenarios cuyas intenciones desconoce.....Ahí dejo el argumento para no destripar ninguna de las sorpresas y giros de guión que se producen y que, ya digo, hay que “pasar por alto” en lo que tienen de rebuscados para que la película te mantenga atrapado de inicio a fin.

Lo mejor que puede decirse en este caso de Jaume Collet-Serra es que pese a que un repaso con lupa dejaría el guión en entredicho, si te tomas la película como un mero divertimento se te pasa en un suspiro. Se vislumbra en él pericia técnica (hay escenas bastante bien resueltas como la del accidente del taxi) y sentido del ritmo y logra que pese a los “agujeros” de la historia ésta te mantenga atento a la pantalla sin altibajos, lo cual es un buen síntoma. Me da la sensación que a la espera de un guión más brillante puede resultar un director de encargo interesante para los grandes estudios, no en vano fue reclutado desde su primera película y se mantiene a su lado hasta ahora por el mismísimo Joel Silver (productor de reputadísima fama el cine de acción gracias entre otras a la saga de “La jungla de cristal o “Matrix"). Quiero pensar que de momento su cine no depende tanto de él como de lo que le ofrecen para dirigir, así que cabe esperar buenas cosas en el futuro (a ver cómo resuelve la adaptación de “Akira” si finalmente la dirige él).

Aunque los peros del argumento son inevitables, los personajes están bastante bien llevados por un reparto cuando menos importante. Liam Neeson es siempre una buena elección cuando se trata de empatizar rápidamente con el protagonista y los secundarios son de lujo. Me gustaría hacer especial hincapié en la presencia del actor suizo Bruno Ganz al que muchos recordaréis por su papel de Hitler en “El hundimiento”, que me parece que es lo mejor de esta película.

En definitiva, una buena película para pasar el rato, una película floja si nos ponemos a verle “las costuras”, pero a veces con que sea eficaz es suficiente y en este caso lo es porque detrás de ella hay un director francamente prometedor, un reparto con gancho y un argumento vertiginoso.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!! NO VEAS NI LEAS!!!

- El accidente del taxi por inesperado y bien resuelto
- La forma en que el protagonista recupera después la consciencia usando la cámara subjetiva recordando por momentos a “La escafandra y la mariposa”.
- El personaje de Liam Neeson tratando de ir con su mujer en el hotel y descubriendo “el pastel” cuando ella no le reconoce ¿qué harías tú?.
- La escena en el hospital cuando el personaje de Liam Neeson drogado descubre lo que pretenden hacer con él al ver a la enfermera que le acaba de atender con el cuello partido.
- La escena entre Rodney Cole y Ernst Jürgen y cómo finaliza la conversación éste al darse cuenta que no tiene escapatoria.

Trailer series TV - "Juego de tronos 2ª temporada"

2011-12-13T06:32:00.000-08:00

“Asignatura pendiente” (José Luis Garci, 1976)

2011-12-10T06:09:00.001-08:00

****
País: España
Duración: 109 min.
Género: Melodrama, costumbrista
Reparto: José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Antonio Gamero, Silvia Tortosa, Héctor Alterio, Simón Andreu, Covadonga Cadenas, María Casanova, José Fernández, Pilar Lavanda, Carmen Luján, Berta Fraguas, Micaela Fraguas, José María González Sinde
Guión: José Luis Garci, José María González Sinde
Fotografía: Manuel Rojas
Maquillaje: Francisca Guillot, Miguel Sesé, Paloma Fernández
Montaje: Miguel González Sinde
Sonido: Enrique Molinero
Vestuario: Paquita Pons

Ese viaje nostálgico que ahora hace la serie “Cuéntame”, se puede hacer también con las primeras películas de José Luis Garci, un director cuyos mejores trabajos estoy convencido que son aquellos en los que analiza épocas y circunstancias desde la observación de lo cotidiano y utilizando la sensibilidad como marca de estilo.

No muy lejos de sus mejores títulos (”El abuelo”, “Volver a empezar” o “El crack”) queda ésta su primera película, que tuvo un notable éxito en su época y que retrató como pocas en su día el desencanto de una generación a la que la transición les llegó tarde, como todo, como rezaba ese texto que cerraba la película y que copio abajo.

El argumento trata sobre José y Elena, ambos casados y con sus respectivos hijos, que un día se encuentran y deciden recordar aquel tiempo en el que fueron novios en Miraflores, una localidad a las afueras de Madrid, a la que acuden para revivir su adolescencia. La historia se sitúa además en los últimos meses de 1975, momento en que muere Franco y España experimenta profundos cambios.

La película no tiene gran enjundia argumental (sí temática), eso es cierto, pero refleja de maravilla la sociedad y el momento y explica con acierto, ternura y una comicidad muy de aquella España el lío personal en que se encontraban muchas personas justo en el umbral de una nueva etapa en la que iban a poder caminar hacia delante dejando muchos prejuicios y libertades coartadas atrás.

El asunto principal es la relación entre José y Elena, una relación fuera de la pareja, mostrada abiertamente, sin tapujos y sin censuras (los personajes se ríen de ello en concreto cuando se duchan juntos sin remilgos recordando esas películas en las que ellas se tapaban al levantarse de la cama); pero la película también alude al momento político y social puesto que José es abogado “de rojos” y tiene la responsabilidad de asumir el inevitable cambio de la sociedad con sus clientes.

Nadie hace el cine que hace Garci. El género de esta película es inclasificable en cierto modo, a medio camino entre lo sentimental, el melodrama, la comedia hispana o la descripción social. Por momentos “la locomotora” que es José (así le llama Elena) nos recuerda un poco al José Luis López Vázquez de muchas películas de la época, pero no estamos ante una comedia, aunque haya diálogos muy de comedia de costumbres al uso de muchas series actuales. Particularmente pienso que la película gana cuando se pone seria, cuando Elena y José hablan “en serio” (no son muchas veces) y cuando Garci se fija en pequeños detalles que entonces podían parecer poco importantes, pero que hoy permiten una mirada melancólica al pasado que tiene mucho valor. Es curioso, pero a veces algunas escenas que en su día quizás parecieron superfluas, al cabo del tiempo dicen mucho: esa forma en que Elena le prepara la manzanilla a José en el apartamento donde se ven a escondidas, esas escenas de los desayunos con colacao, las comidas aún sin la tele como contertulio inexcusable o en la cocina o escuchando la lotería de navidad en la radio o simplemente esas tomas cenitales, esas vistas desde el cielo que muestran un Madrid anterior...han pasado apenas 35 años y tienen ya el aroma de otra época.

Seguramente esta película tendrá más impacto sentimental en quienes vivieran aquel momento y les interesará más, pero también es posible que quede como documento de una época y eso es seguramente lo que mejor sabe hacer Garci con una cámara. Eso y el contarnos historias desde la ternura.

“Asignatura pendiente” es una película de director y de actores. Creo que a las películas de Garci siempre les ha perjudicado el estar dobladas (él opinará otra cosa porque es una mera cuestión de estrategia de rodaje) y en este caso, por ejemplo, nos perdemos la voz de Héctor Alterio (aunque seguramente querían quitarle el acento), no obstante los actores están a un nivel más que bueno, especialmente Fiorella Faltollano que borda un personaje que enternece en todo momento y más cuando reflexiona sobre su situación como mujer en una sociedad a la que todavía le queda mucho por evolucionar (en un momento dice: “las mujeres tenemos tan poco...”). José Sacristán también borda a un abogado “peleón”, de izquierdas, que está a medio camino entre el galán y el buscarrollos a lo comedia española de los 60’s, tan titubeante en formas como en decisión, pero que al final da un paso adelante.

En definitiva, una película con una fuerte carga nostálgica y emotiva, que habla de personajes a caballo entre una época y otra, entre una edad y otra, en un momento crucial de sus vidas y que explica muy bien, a su modo, con ternura y sensibilidad muy personales estas circunstancias: “Las dictaduras son como las bicicletas, que cuando se paran se caen. El amor es igual”.

TE GUSTARÁ SI EN SU DÍA TE GUSTARON...

- “Solos en la madrugada”
- “Las verdes praderas”
- “Sesión continua”
- “Volver a empezar”

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDAO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La escena inicial, cenital de Madrid, con los personajes narrando en off su pasado.
- Una curiosidad: el choto de la cría que hace de hija de Elena cuando se va al colegio con su padre (pocas veces se ha visto a un crío llorar tan amargamente en una película) -
- Elena sobre las burlas cuando aún no eran novia de José: “¡Parecen los amantes de Teruel, tonta ella y tonto él!”.
- José le propone a Elena que le diga a su marido que va a comer en el “Galerías” (Galerías preciados) y poco después su mujer hace lo mismo.
- La mañana en que José y Elena acuden a Miraflores y ese viaje en coche mientras suena el Dúo Dinámico (la música suena a pasada de moda, pero funciona para ambientar la película en la época).
- Elena: “Por qué será que todo lo bueno en esta vida es pecado o engorda”.
- José: “Como dice mi mujer: eran nones y no llegaban a tres”.
- La escena en que la cámara se detiene en Elena y la luz comienza a disminuir a su alrededor para introducirnos en un largo flashback.
- La escena en la que José le propone a Elena acostarse juntos y ella termina diciéndole ¿Cuándo quieres que aprobemos la asignatura pendiente”.
- La escena del primer encuentro en casa de “Trotski” en la que José con gran delicadeza se echa atrás y le comenta a Elena que no tienen por qué hacer nada.
- La escena en la que, al final de la película, Elena analiza la relación que sostiene con José y lo que ha pasado....las ilusiones se pierden....José se había encontrado con Elena en un mal momento....”Era agradable mirar hacia atrás sobretodo porque no había nada que mirar hacia delante”.

A nosotros, que supimos, cuando ya no
había remedio, que aquel mundo
imperial en Cinemascope y color
DeLuxe que nos habían prometido en el
colegio y en tantos discursos y sermones,
no existiría nunca…

A nosotros, que hemos ido llegando
tarde a todo: a la infancia,
a la adolescencia, al sexo, al amor,
a la política…

A nosotros, que nos quitaron, año
tras año, el significado de cuanto nos
rodeaba, aunque fueran las cosas más
pequeñas, menos importantes…

Y a quienes nos hicieron así: nuestros
padres, que también llevaron lo suyo;
y a Sor Bernarda, siempre dando
pellizcos; y al Padre Pulido, que
tanto nos azaraba cuando nos echaba
el brazo por el cuello;
y a José Mallorquí y sus “Dos hombres buenos”,
y a Roberto Alcázar y Pedrín, jefe de
centuria y “flecha”, respectivamente;
y a Domingo, el de los comestibles,
que partía el chicle “bazooka” con un
cuchillo enorme;
y a Young Martín y a Fred Galiana;
y a Di Stefano y a Kubala, y los
zapatos de Segarra;
y a Pedro Pablo Ayuso y Matilde
Conesa, y a Guillermo Sautier
Casaseca y a Marcial Lafuente
Estefanía;
y a Indívil y Mardonio, y a “By Vázquez”,
y a Conti, y a Peñarroya;
y al inventor del “palmo y dao”, y al
Padre Venancio Marcos, y a “La melodía misteriosa”,
y a Gila, y a Pepe Iglesias
“El Zorro”, y a Renato Carossone y a
Gloría Lasso, y a Luis Mariano,
que nunca lo dejaron en paz con eso de si
era marica;
y a Juan de Orduña, el de “Locura de amor”,
y a Carpanta, y al gran Mekong
de los Wiganes, y al “París Hollywood”;
y al Padre Ripalda (no, al Padre Ripalda, no);
bueno, pues a los últimos de Filipinas;
y a los amigos ricos que nos dejaron
jugar alguna vez con sus trenes eléctricos,
y a todos los billares y futbolines de España,
y a Marilyn Monroe…

“Chico & Rita” (Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, 2010)

2011-12-08T12:17:00.000-08:00

****
Países: España y Reino Unido.
Duración: 94 min.
Género: Animación, musical, romance.
Guion: Fernando Trueba e Ignacio Martínez de Pisón.
Producción: Santi Errando, Cristina Huete, Martin Pope y Michael Rose.
Música: Bebo Valdés.
Montaje: Arnau Quilles.
Distribuidora: Buena Vista International Spain.
Estreno en España: 25 Febrero 2011.
Apta para todos los públicos.

“Chico & Rita” acaba de ganar el premio a mejor película europea de animación, ganó en el mismo apartado en los Goyas del 2011 y cuando aún no se han hecho públicas las nominaciones de los óscars que se entregarán en febrero del 2012 está preseleccionada en un selecto grupo en el que también hay otra película española “Arrugas”, basada en el cómic de Paco Roca.

Las preseleccionadas son:

"The Adventures of Tintin"
"Alois Nebel"
"Alvin and the Chipmunks: Chipwrecked"
"Arthur Christmas"
"Cars 2"
"A Cat in Paris"
"Chico & Rita"
"Gnomeo & Juliet"
"Happy Feet Two"
"Hoodwinked Too! Hood vs. Evil"
"Kung Fu Panda 2"
"Mars Needs Moms"
"Puss in Boots"
"Rango"
"Rio"
"The Smurfs"
"Winnie the Pooh"
"Wrinkles" (Arrugas)

Independientemente de si forma parte de las elegidas y de si gana o no el óscar (que no deja de ser mera anécdota), es una película francamente exótica, atípica y digna de aplauso porque pocas veces se ha emprendido un proyecto de estas características en España. Nació fruto de la colaboración de Fernando Trueba y Mariscal y de la pasión por la música cubana de ambos (Mariscal de hecho ya había colaborado en un video de Compay Segundo, “La negra Tomasa”) y se convirtió en una inusual película animada precisamente porque querían trabajar juntos. Es decir, no estamos ante una película de animación al uso y no está pensada para un público infantil, al contrario, se trata de un trabajo realizado para adultos repleto de sensualidad e insinuación.

La historia que narra se centra en un viejo músico cubano (Chico) que recuerda sus comienzos en La Habana de 1948, cuando conoció a una cantante (Rita) de la que se enamoró. Hay un fuerte componente nostálgico y melancólico en la película, que además desarrolla una historia de perdedores, un melodrama clásico en cierto modo, en el que los dos protagonistas parecen no asir nunca sus vidas la una a la otra a pesar de la fuerte atracción que sienten desde su primer encuentro. No obstante y gracias a la peculiar animación, muy luminosa y llamativa visualmente y a una escogida banda sonora, la película es también alegre y dinámica.

Debo reconocer que viéndola me ha parecido que en su segunda mitad descendía un poco el interés, no obstante cuando la historia parece desfallecer remonta de pronto con un giro inesperado en el que participa Estrella Morente y que descarga toda la emotividad contenida que no habían dejado escapar los personajes.

Hay que apuntar que del mismo modo que ahora está de moda la animación por ordenador a partir de la captura en movimiento (véanse “Avatar” o la reciente “Tintín”), esta película se rodó con actores reales y después se dibujó encima lo que constituye también una forma peculiar de trabajar aunque no novedosa. Estrella Morente pudo por tanto interpretarse a sí misma y los personajes se mueven de forma real y muy vistosa.

Como no podía ser de otro modo la música es magnífica (la banda sonora oscila entre el jazz y los ritmos cubanos y la firma Bebo Valdés aunque también se insertan piezas de Charlie Parker o Dizzy Gillespie) y Trueba sabe aprovechar a la perfección el dibujo de Mariscal para sacarle partido a música, escenarios y ambientes logrando fotogramas y secuencias muy sugerentes. Lo cierto es que es una película distinta a todo lo que hayamos podido ver con anterioridad y sólo por su exotismo merece la pena. Así lo ha entendido la crítica de medio mundo aunque no tanto el público español que no reportó a la película buenos datos de taquilla en España, cosa que a la postre no ha importado demasiado económicamente dada la aceptable acogida en el extranjero.

Algunos críticos consideran que es una de las mejores películas que se han hecho sobre el mundillo del jazz y, en efecto, es una gozada dejarse llevar por melodías e imágenes.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!

- El primer encuentro entre Chico y Rita en el baile cuando ella no puede parar de mirarle y bailan finalmente juntos en un intercambio de parejas.
- La persecución que acaba con el coche destrozado dentro de la tienda de automóviles.
- La pelea de “gatas” de Rita y la otra amante de Chico en el piso de éste después de la primera noche que han pasado juntos.
- El pasaje dedicado a Chano Pozo y su asesinato.
- El momento en que Chico le explica a Rita quién es Lilly y vuelven a besarse.
- La llegada de Chico a una luminosa ciudad de Nueva York y el homenaje a “Un americano en París” a través de ese sueño con un trazado distinto en el dibujo en el que Chico se enfrenta al mismísimo Humphrey Bogart para conseguir a la chica.
- El encuentro final de Chico y Rita ya ancianos, después de 47 años esperándose uno a otro.

Trailer - "Arrugas" (2011)

2011-12-08T11:24:00.001-08:00

Trailer - "The iron lady" (2011)

2011-12-08T10:39:00.000-08:00

Grandes escenas - Lección en el taller de "En un lugar del mundo" (2010)

2011-12-07T08:22:00.000-08:00

“En un mundo mejor” (Susanne Bier, 2010)

2011-12-07T08:15:00.001-08:00

*****
Título original: Hævnen.
País: Dinamarca.
Duración: 113 min.
Género: Drama.
Reparto: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), Ulrich Thomsen (Claus), Markus Rygaard (Elias), William Jøhnk Nielsen (Christian), Bodil Jorgensen (director del colegio), Elsebeth Steentoft (Signe), Martin Buch (Niels), Anette Stovebaek (Hanne), Kim Bodnia (Lars).
Guion: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y Anders Thomas Jensen.
Producción: Sisse Graum Jørgensen.
Música: Johan Söderqvist.
Fotografía: Morten Søborg.
Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm.
Diseño de producción: Peter Grant.
Vestuario: Manon Rasmussen.
Distribuidora: Golem. Estreno en Dinamarca: 26 Agosto 2010.
Estreno en España: 1 Abril 2011.

La competición del óscar a mejor película de habla no inglesa el año pasado (2010) estaba entre esta película danesa, la canadiense “Incendies” que partía como gran favorita y la mexicana y con participación española “Biutiful”. Vistas ya las tres me parecen tres dramas soberbios, pero quizás “En un lugar mejor” es la más esperanzadora o quizás la más fácilmente digerible porque conciencia y a la vez te susurra una posible solución para que todo lo que va mal pueda ir mejor.

El argumento me ha hecho pensar en eso tan difícil que es dar consejos sin sermonear. Es matemático, si alguien nos dice cómo podrían ser mejor las cosas o qué deberíamos hacer instantáneamente nos ponemos a la defensiva y a veces surge incluso el deseo de hacer lo contrario. Quizás no todos, cada cual es como es, pero ¿quiénes son los demás para decirnos qué hacer o no hacer? es lo que parece surgir en nuestra mente en cuanto alguien pretende darnos lecciones.

La película trata sobre dos familias danesas: Anton es médico en un campo de refugiados en África, está separado de su mujer y tiene dos hijos. Elia es uno de ellos y en el colegio sufre los abusos de sus compañeros, que le llaman “cararrata”. Christian es compañero de Elia, huérfano de madre y vive con su padre en casa de su abuela. Una vinculación se establece entre las dos familias cuando los dos chicos se relacionan y fruto de las circunstancias surgen varios problemas.

“En un mundo mejor” utiliza un argumento brillante en el que actos y sus consecuencias tienen gran importancia dramática para demostrarnos que todo podría ser mejor, aunque no sea nada fácil lograrlo. La opción por la que se apuesta tiene raíz cristiana o incluso budista porque de ese signo es el poner la otra mejilla, pero la película no pretende instruir desde un punto de vista religioso, sino que más bien apuesta por el sentido común como guía. Sin duda el “héroe” de la película es Antón, padre separado, persona constructiva, idealista y positiva, que logra reconducir los impulsos del resto de personajes hacia la lógico e insufla en ellos y en nosotros un soplo de esperanza e ilusión. Nadie está exento de problemas y el drama nos acecha a todos, pero quizás todo sea más fácil con sentido común y buena voluntad. La idea que late en la película es que una acción constructiva y con buena voluntad genera una serie de consecuencias positivas que terminan beneficiándote, mientras que una acción destructiva o con mala intención produce lo contrario: “Ganar” o “perder” muchas veces depende de ello. Las circunstancias muchas veces escapan a nuestro control, pero sería bueno que utilizáramos nuestro sentido común para controlar aquellos conflictos que sí están a nuestro alcance.

No es extraño que la película se alzara con el óscar, tiene una buena historia que contar, está bien desarrollada con un guión que aporta ideas interesantes y cuenta además con una filmación muy cuidada, con una factura cromática especial que contrasta los fríos azules y blancos de Dinamarca con el cálido marrón arenoso de África casi comparando personajes, circunstancias, ambientes, sociedades (¿qué mundo es realmente mejor?) y que apuesta por una cámara que sigue a los personajes con el nervio que sea preciso, ya sea deteniéndose en sus momentos de reflexión o alterándose cuando la tensión se dispara.

En definitiva una película altamente recomendable con un potente poso temático desarrollada con una emotividad en ocasiones contenida y que consigue en cambio conmovernos con una colección de escenas que están a punto de crisparnos pero que se resuelven finalmente con una contención digna del Gandhi más equilibrado. En efecto, es difícil ver esta película y no quedarte con la sensación de que, efectivamente, quizás hay otro modo de actuar que no sea el del primer impulso, el de las tripas.....yo diría, que más que nunca esta es una película “necesaria”.

Recientemente ha participado en los Premios del cine europeo y aunque ganó como mejor película “Melancolía” de Lars Von Trier, Susanne Bier se llevó el premio a mejor director europeo del año.

Por cierto, como siempre, fabulosa la crítica de Oti Rodríguez Marchante: http://www.abc.es/20110401/cultura/abcp-sobre-heridas-vendas-20110401.html

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- El primer encuentro de Christian con los compañeros de Elias, en el que sale malparado y la venganza unas escenas más adelante en los baños.
- La conversación de Christian en el coche con su padre justificándose: “Papá, no entiendes nada, esto pasa en todos los colegios”
- El encontronazo entre el mecánico y el padre de Christian en los columpios y unas escenas más adelante la forma en que trata de demostrarles a los chicos que la mejor respuesta ante un imbécil es poner la otra mejilla (“Ya ha perdido” les dice, pero su hijo se pregunta si el mecánico sabe que ha perdido).
- La forma en que Anton decide expulsar de su “hospital” al mafioso local, Big Man, en el país africano y la venganza colectiva que se produce.
- La escena final de Antón acudiendo a ver a Christian en el tejado al que suele acudir cuando se siente mal.

Trailer - "Star Wars Eposide I 3D"

2011-12-07T07:30:00.000-08:00

¡¡¡Y AHORA EN 3D VAMOOOOOOOSSSS!!!!

Trailer series TV - "American horror story" (2011)

2011-12-07T06:58:00.000-08:00

Trailer series TV - "Pulseras rojas" (2011)

2011-12-07T06:51:00.000-08:00

Trailer - "The woman in black" (2011)

2011-12-07T06:44:00.000-08:00

Trailer - "Attack the block" (2011)

2011-12-07T06:43:00.000-08:00

“Criadas y señoras” (Tate Taylor, 2011)

2011-12-05T08:45:00.000-08:00

****
Título original: The help.
País: EEUU.
Duración: 138 min.
Género: Drama.
Reparto: Emma Stone (Eugenia ‘Skeeter’ Phelan), Viola Davis (Aibileen), Bryce Dallas Howard (Hilly Holbrook), Octavia Spencer (Minny Jackson), Jessica Chastain (Celia), Ahna O’Reilly (Elizabeth), Mike Vogel (Johnny), Allison Janney (Charlotte), Sissy Spacek (Missus Walters), Mary Steenburgen (Elain Stein).
Guión: Tate Taylor; basado en la novela homónima de Kathryn Stockett. P
roducción: Michael Barnathan, Chris Columbus y Brunson Green.
Música: Thomas Newman.
Fotografía: Stephen Goldblatt.
Montaje: Hughes Winborne.
Diseño de producción: Mark Ricker.
Vestuario: Sharen Davis.
Distribuidora: Buena Vista International Spain.
Estreno en USA: 10 Agosto 2011.
Estreno en España: 28 Octubre 2011.
Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Se le llama “sleeper” en cine a aquella película de éxito más o menos inesperado que de pronto se convierte en un éxito en taquilla. Bueno, pues probablemente “Criadas y señoras”sea el sleeper del cine norteamericano del 2011 y podría serlo en España si no fuera porque por alguna extraña razón no ha terminado de cuajar o no tanto como en Estados Unidos, donde fue líder de taquilla.

Me da la impresión que el título no ayuda mucho (el original es “The help”, nada que ver) y menos el que se haya vendido como una película de mujeres para mujeres, cuando lo es, claro que sí, pero quizás no de la forma que pueda parecer a priori y eso, por supuesto, no la descarta para otros públicos que seguro que la aprecian igualmente.¿No nos hemos quejado siempre de que el fantástico y las películas de superhéroes las etiquetaban “para frikies”? Pues no cometamos el mismo error.

Ante todo “Criadas y señoras” (me gusta poquísimo este título, no lo puedo evitar) es una película amable, pensada y construida para tocar la fibra sensible y para emocionar lo cual en sí mismo es una virtud y un defecto que sumará o restará según quién la vea.

Además es una película de esas que entran por los sentidos. Se apuesta por una filmación clásica, ya sabéis, encuadres nítidos, cámara fija o a lo sumo realizando suaves travellings alrededor de los personajes, fotografía colorista resaltando paisajes y ambientes y se acentúa todo lo que pueda hacer agradable el visionado (música incluida, magnífico de nuevo Thomas Newman y van....ni me acuerdo).

El argumento tiene de todo un poco para enganchar al público, drama (evidente, de nuevo el racismo sureño en el Mississippi de los años 60’s a escena), comedia, un cierto toque reivindicativo y unas cuantas escenas de esas con las que explosiona la tensión contenida a lo largo de toda la película y que nos deja tan anchos como largos a nosotros y a los protagonistas. Vamos, que es una película facilona, que te hace sentir bien y que te deja contento y tras la que vuelves a la realidad pensando que quizás con un poco de buena voluntad todo tenga remedio. Una vez escuché o leí que este tipo de películas se llaman “feelgood comedy” y aunque ésta también incorpore elementos dramáticos creo que le viene al pelo esa denominación.

Desde luego la película no es perfecta, sufre algún altibajo quizás porque es más larga de la cuenta y se nota que pretende agradar, que te quiere emocionar a toda costa; pero a su favor hay que decir que está muy bien interpretada (Emma Stone, la prota, a mi parecer sólo cumple, pero el elenco de secundarias está fabuloso), que en efecto emociona y te engancha y que va siendo hora de que se recupere un poco este tipo de cine del que andábamos un poco escasos después de años de títulos de segunda fila. Por dar más pistas al que ande aún perdido yo diría que podríamos emparentar esta película por forma o fondo con “Tomates verdes fritos”, “Magnolias de acero”, “Las normas de la casa de la sidra”...

El argumento se basa en una novela de Kathryn Stockett que narra las dificultades de una joven recién licenciada (Eugene Skeeter) para escribir un libro en el que muestra el punto de vista de las criadas negras de la localidad sureña de Jackson (especialmente de Aibileen Clark y Minny Jackson), lo cual es en sí mismo una afrenta para la sociedad de la época y en concreto para la ofuscada visión del mundo de Hilly Holbrook, que considera que las criadas negras no son merecedoras de ciertos derechos.

Seguramente lo que sobredimensiona el argumento y la película no es sólo el cuidado que se nota en la puesta en escena sino el buen trabajo de las actrices. Como ya he dicho Emma Stone cumple, pero tenemos a cuatro pesos pesados acompañándola, a saber: Bryce Dallas Howard (magnífica y poco reconocida actriz) en el papel más ingrato de la película volviéndose cada vez más ñoña y odiosa conforme avanza la historia; Jessica Chastain (claro valor en alza tras “La deuda” y “El árbol de la vida”), maravillosa rubia tonta de buen corazón muy al estilo Marilyn, y sobretodo las dos actrices negras que se meriendan la pantalla (no sería de extrañar alguna nominación): Viola Davis y Octavia Spencer (la segunda estupenda con esa vis cómica que gasta). Y no nos olvidemos de Sissy Spacek, que anda en segundo plano, pero tan bien como siempre.

El director, Tate Taylor (residente en la localidad de Jackson y amigo de la autora de la novela original), nos introduce en el microcosmos femenino de la localidad ayudado por un excelente y preciosista trabajo de ambientación que está muy en la línea de la serie “Mad men” (aprovecho para recomendárosla vivamente) y no renuncia a la baza también facilona pero eficaz de oponer el sentido común de unas al capricho y la cursilería de otras para conseguir rápidamente un efecto de simpatía y antipatía en el espectador. El caso es que la película funciona a pesar de estos recursos tan simples y se ve con interés y emoción creciente de inicio a fin. En cualquier caso, aunque desarrolle clichés y lo haga de forma amable, no hay que olvidar que lo que cuenta responde a algo real.

Todos los años suele colarse en los óscars incluso en categorías importantes una de estas películas del agrado del público. “Criadas y famosas” puede ser la película pequeña que se cuele este año. Seguramente nadie la va a considerar un peliculón, no lo es, pero te garantiza un par de horas entretenidas, agradables y con carga emotiva sin ser lacrimógena. Si cuando vas al cine huyes de las emociones fuertes y el montaje endiablado y prefieres historias de personajes y sentimientos, esta es tu película.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- Al comienzo cuando Aibileen explica cómo se sienten las criadas negras de Mississippi, que han criado a las señoritas blancas como si fueran sus madres y después se convierten en señoras y las tratan como a criadas.
- El momento en que Minny decide ayudar a Skeeter dejándose entrevistar por ella.
- La sesión de cartas en la que Hilly expresa sus intenciones de que haya un baño para las criadas negras y la llegada de Celia Foote a la misma, cuando todas se esconden para evitarla.
- Minny entrando al baño que tiene prohibido por Hilly y fingiendo que orina en él para ser a continuación despedida.
- La madre de Skeeter despidiendo a Constantine cuando su hija entra a buscarla en la sala en la que están comiendo.
- La fiesta en la que Celia rompe el vestido a Hilly y termina vomitando en el suelo del baile.
- La historia de la tarta que Minny hace para Hilly, crucial en todo el desenlace de la película y la ayuda “the help” a la que el título original hace referencia.
- Celia Foote y su marido preparando una comida especial a Minny para agradecerle todo lo que ha hecho por ellos.
- La despedida de Aibileen con la niña recordándole sus palabras: “Tú eres buena, tú eres lista, tú eres importante”.
- La madre de Skeeter reaccionando finalmente contra Hilly y echándola de su casa cuando ésta pretende poner a Skeeter en el disparadero.

“Los santos inocentes” (Mario Camus, 1984)

2011-12-04T07:54:00.001-08:00

OBRA MAESTRA
País: España
Duración: 107 min.
Género: Drama, constumbrista
Reparto: Alfredo Landa (Paco el bajo), Terele Pávez (Régula), Belén Ballesteros (Nieves), Juan Sánchez (Quirce), Susana Sánchez (la niña chica), Francisco Rabal (Azarías), Ágata Lys (doña Pura), Agustín González (don Pedro), Juan Diego (señorito Iván), Mary Carrillo (señora Marquesa), José Guardiola, Manuel Zarzo (Doctor), Francisco Torres, José Salvador, José Manuel Sito, José Albiach, Rafael Serna, Maribel Martín
Distribuidora: United International Pictures (UIP)
Productora: Televisión Española (TVE), Ganesh Producciones Cinematográficas
Dirección artística: Rafael Palmero
Efectos especiales: Reyes Abades
Fotografía: Hans Burman
Guión: Antonio Larreta, Manolo Matji, Mario Camus
Maquillaje: Josefa Rubio, Juan Farsac, María José Domínguez, Mariano García Rey
Montaje: José María Biurrún
Música: Antón García Abril
Novela original: Miguel Delibes
Sonido: Carlos Faruolo, Claudia Radoszynski, Eduardo Fernández, Luis Castro
Vestuario: León Revuelta Marina Rodríguez

Desde que vi por primera vez “Los santos inocentes” y ya van cuatro, me pareció que no se podía hacer mejor una adaptación ni una película. De hecho yo diría que es un buen ejemplo de “Obra maestra” de película perfecta porque todo es magnífico.

No sólo es que la película mejora cada vez que la ves, no es sólo que consiga su objetivo a la perfección (no obviemos que el argumento carga contra una sociedad y una época), no es sólo que te deje una huella imborrable, un regusto inolvidable, un poso agridulce a medio camino entre la indignación, la impotencia y el buen “sabor” de todo lo que se disfruta; además, te penetra, se instala en tu memoria y te queda para siempre asida a tus mejores recuerdos del cine español gracias a una colección de escenas y personajes sencillamente antológicos.

Esta película llegó en un momento en el que el cine español pretendía reimpulsarse. Gran culpa del reparto que se reunió y del equipo técnico que se reclutó fue de la entrada en vigor de la “Ley Miró” con la que se pretendía que el cine español mejorara mediante propuestas competitivas también a nivel internacional. El actor Julián Mateos acaba de fundar una nueva productora y precisaba un título de éxito y renombre y vaya si lo tuvo porque fue un éxito de crítica y público con unos datos de taquilla fabulosos

Gran culpa de todo la tiene la novela de Miguel Delibes, por supuesto. No voy a cometer el desliz de decir que el novelista no fuera valorado en vida, que lo fue y mucho, pero siempre he tenido la impresión que su estilo sencillo, su fácil lectura le perjudicaban en la opinión de muchos y en cambio, cuando lees a Delibes sientes que es veraz, que lo que te cuenta no sólo es verosímil sino también revelador. Seguramente es uno de los autores que mejor ha reflejado muchas de las realidades de la España del siglo XX, sobretodo de la rural y con el tiempo es seguro que sus obras se convertirán casi en testimonios históricos.

“Los santos inocentes” se sitúan en un cortijo extremeño en la España de los 60’s y concretamente focaliza el argumento en una familia que vive en la miseria, bajo las órdenes de Don Pedro y el señorito Iván. Son Paco el bajo, su mujer Régula, Azarías (hermano de Régula) y los tres hijos, Quirce, Nieves y la niña chica. Esencialmente se cuentan dos épocas, saltando atrás y adelante en el tiempo, utilizando a cada uno de los personajes para explicar su evolución y al mismo tiempo hacer un retrato de la sociedad del momento, marcada por grandes diferencias sociales y culturales, por la hipocresía y el orgullo de los potentados y la resignación de las clases desfavorecidas.

Mario Camus (“La colmena”, “La casa de Bernarda Alba”, “Sombras en una batalla”, “El color de las nubes”, “Fortunata y Jacinta” (TV) o “Curro Jiménez” (TV)) es un director en especial sintonía con las adaptaciones literarias y hace con la obra de Delibes un gran trabajo que en su día fue muy aplaudido incluso a nivel internacional, no en vano Alfredo Landa y Francisco Rabal ganaron el premio de interpretación ex aequo en el Festival de Cannes (todo el reparto no obstante está perfecto, en concreto Juan Diego raya al mismo nivel si no superior que los dos protagonistas).

Ante todo Camus sabe captar a la perfección el ambiente rural y social de la época por lo que la película constituye un auténtico viaje en el tiempo y el espacio para asistir a la sórdida realidad de las familias más humildes y a la cínica prepotencia de los terratenientes durante la España franquista. No sólo es que de pronto nos encontremos en los años 60’s sino que esos ambientes campestres son perfectamente reconocibles para quien haya vivido en entornos rurales. Dirección artística, puesta en escena y esa fotografía a veces lúgubre y a veces luminosa de Hnas Burmann perfectas.

El interés de la película reside por su puesto en su temática y carga de profundidad, pero también en unos personajes con un magnetismo incuestionable y una colección de escenas antológicas que resuelven de manera perfecta lo que pretende sugerir con ellas. Pocas veces se ha explicado mejor la forma con la que una clase social se imponía sobre otra y lo injusto y caprichoso del proceder de los señores, personificado en la figura del señorito Iván figura caprichosa, egoísta y altanera que representa a un clase social henchida de orgullo que se cree en posesión de unos privilegios que realmente no respetan a nada ni a nadie salvo a su propia conveniencia). La película es una auténtica delicia no sólo por lo atinado de cada escena, de cada diálogo y de cada actuación sino también por todo eso que no se dice, por esos gestos que sin decir nada dicen tantas cosas. El reparto es perfecto y todos sus trabajos memorables..

La historia es especialmente reveladora porque al tiempo que describe una época y un status quo, enfrenta los valores de dos clases sociales destinadas a chocar por la pura inercia de sus comportamientos. Junto a la soberbia, el egoísmo y el afán por sobresalir de unos cohabitan la humildad, la sumisión y la docilidad de los otros pero inevitablemente es una situación insostenible porque ante los desmanes sólo cabe reaccionar, aunque sea desde la más pura inocencia. El señorito Iván y Azarías son precisamente los dos polos de esas dos realidades y el conflicto se produce precisamente entre ellos.

Una vez vista “Los santos inocentes” te dejan la sensación de haber visto una de las mejores películas que has visto nunca y ya adelanto que sucesivos visionados reafirman esa impresión e incluso la mejoran; pero también te hace zozobrar en cierto modo, recordándote que hubo un tiempo en que los Paco el bajo, Régula, Azarías y el señorito Iván fueron posibles y que todavía lo son al modo actual porque diferencias sociales siempre las va a haber y desgraciadamente los “señoritos” son una clase inextinguible porque también para tener posición hay que tener clase, humanidad y solidaridad con los demás.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

La película está plagada de grandes escenas, todas están resueltas con indudable maestría por Mario Camus, pero por citar unas cuantas me quedaría con estas:

- Paco el bajo acudiendo a ver al antiguo señor de Azarías para saber por qué le ha despedido.

- Azarías orinándose en las manos y asegurando con total inocencia a su sobrino que lo hace por las mañanas “pa que no me se agrieten” justo antes de contar una mazorcas de maíz que mete en un saco y en las que pasa del diez al treinta y cinco.

- La visita de la marquesa con motivo de la comunión es toda en sí especialmente brillante: la llegada a la casa con toda la cuadrilla en fila y el sacerdote dejándose besar el anillo hasta que se cansa; la propina para los currantes; la visita a la vivienda de Paco el bajo en la que descubren el estado en que viven cuando la niña chica comienza a gritar (¡¡¡y es infinitamente mejor que la choza en la campiña!!!) o el contraste entre la fiesta de los jornaleros y la comida de los señores.

- La escena de la película es sin duda aquella en la que, mientras hacen una foto a toda la familia, Azarías sale corriendo tras su “milana bonita” que ha salido volando y en medio del cortijo consigue que vuelva a posarse en su hombro.

- El flashback dedicado a Paco a través del cual comprendemos por qué cojea y que pone de manifiesto de una forma clara el egoísmo y capricho del señorito Iván, que a pesar del afecto que parece tener con él realmente sólo aprecia a Paco porque le beneficia en los días de caza.

- La escena en la que el señorito Iván demuestra a sus colegas de caza las habilidades de Paco el bajo como “secretario” y el orgullo que muestra éste al recordar de memoria el paradero de las cuarenta codornices a las que ha abatido el señorito y esa otra extraviada de un competidor a la que localiza olisqueando el suelo.

- Hay dos escenas escalofriantes sobre cómo la clase social más elevada se jacta incluso de estar haciendo una gran labor con los sirvientes a su cargo: el momento en que el señorito Iván llama a Paco y Régula para que escriban sus nombres ante el embajador y cuando le asegura al señor ministro que los nuevos jóvenes parecen no agradecer su trato con ellos.

- Paco el bajo aconsejándole a su hija que con los asuntos de los señores se dedique a ver, oír y callar.

- El momento más enternecedor e impactante de la película es cuando el señorito Iván deja llorando a Azarías después de una nefasta jornada de caza en la que maldice su suerte por no contar con Paco a causa de su lesión en la pierna.

- El inesperado suceso del final de la película, que no se ve venir pero es una consecuencia lógica de todo lo que se ha ido gestando a lo largo del argumento.

Grandes películas - "Dersu Uzala" (Akira Kurosawa, 1955)

2011-12-03T04:33:00.000-08:00

Trailer - "War horse" (2011)

2011-12-03T04:29:00.002-08:00

Trailer - "Criadas y señoras" (2011)

2011-12-03T04:29:00.001-08:00

Trailer - "The descendants" (2011)

2011-12-03T04:21:00.001-08:00

Trailer - Hugo (2011)

2011-12-03T04:20:00.001-08:00

Trailer - "Extremely Loud and Incredibly Close" (2011)

2011-12-03T04:18:00.002-08:00

Trailer - "Tinker Tailor Soldier Spy" (2011)

2011-12-03T04:18:00.001-08:00

Trailer - "The artist" (2011)

2011-12-03T04:15:00.000-08:00

Trailer - "Catch.44" (2011)

2011-12-02T06:55:00.000-08:00

Grandes escenas - "América" de "West side story"

2011-11-30T07:23:00.000-08:00

Trailer - "Érase una vez" (serie de TV)

2011-11-30T07:22:00.001-08:00

Trailer - "Brave" (2012)

2011-11-30T07:21:00.003-08:00

Trailer - "Happyr feet 2" (2011)

2011-11-30T07:21:00.001-08:00

Trailer - "Snow White and the Huntsman" (2012)

2011-11-30T07:20:00.001-08:00

Trailer - "John Carter" (2012)

2011-11-30T07:17:00.001-08:00

Trailer - "Being Flynn" (2012)

2011-11-28T11:48:00.000-08:00

Trailer - "Fuga de cerebros 2"

2011-11-25T08:23:00.000-08:00

Más que por la película, por comprobar cómo ha pasado "al otro lado" David Hasseholff

Grandes escenas - El comienzo de "El Padrino" (1972)

2011-11-24T08:08:00.000-08:00

Trailer - "Piratas" (2012)

2011-11-24T07:48:00.000-08:00

Cortometrajes - "Presto" (Pixar, 2008)

2011-11-23T06:14:00.001-08:00

Cortometrajes - "La dama y la muerte" (Javier Recio, 2009)

2011-11-23T06:11:00.000-08:00

CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN NOMINADO A LOS ÓSCARS EN 2010

“Cuentos de la luna pálida de agosto” (Kenji Mizoguchi, 1953)

2011-11-22T10:11:00.000-08:00

*****
Título original: Ugetsu monogatari
Nacionalidad: Japón
Productor: Daiei
Guión: Matsutarô Kawaguchi , Yoshikata Yoda
Fotografía: Kazuo Miyagawa
Música: Fumio Hayasaku , Ichirô Saitô , Takemichi Mochizuki
Duración: 97 min.
Reparto: Machiko Kyo , Masayuki Mori , Kinuyo Tanaka , Sakae Ozawa , Mitsuko Mito , Kikue Mori , Ryôsuke Kagawa , Kichijirô Ueda , Sugisaku Aoyamati , Syozô Nanbu , Mitsusaburô Ramon , Ichisaburô Sawamura.

Recomendar una película japonesa a mucha gente de estas latitudes es algo así como montar un castillo de naipes en medio de un tornado y eso que el cine de Akira Kurosawa primero (“Ran”, “Dersu uzala”, “Rashomon” o “Los siete samuráis”), después el de Takeshi Kitano y más recientemente los éxitos de Hayao Miyazaki en la animación (“El viaje de Chihiro”, “La princesa Mononoke” o “Ponyo en el acantilado”) han hecho que al menos se sepa que por allí también hacen películas.

La cosa se pone mucho más complicada si retrocedemos en el tiempo y rescatamos a los que se consideran grandes clásicos del cine japonés como Ozu o Mizoguchi, que hacen un cine con un sentido de lo trágico, lo épico y lo lírico que entronca mucho más con las leyendas de su mitología medieval que con los tiempos actuales. Si encima hablamos de películas en blanco y negro, muchas veces con un ritmo moroso y una emotividad en las antípodas de la que gastamos y aseguro que es preferible verla en versión original subtitulada ¿para qué queremos más?

Los japoneses, como la mayoría de orientales, tienen una sensibilidad artística muy diferente a la nuestra, que además estamos acostumbrados a un ritmo y una cultura audiovisual radicalmente distinta ya desde pequeñitos. Querer ver y disfrutar una película japonesa equivale pues a tener una inquietud especial y a no tener prejuicios con los terrenos inexplorados. Y por su puesto generalizar es injusto porque existen casos peculiares como el de “Departures” que ganó el óscar a mejor película extranjera hace poco y es un drama como muy mascadito y desmenuzado para que su digestión sea facilona hasta para nosotros.

El caso es que la película que he visto y de la que quiero hablar se encuentra en casi todas las listas con pedigrí de las grandes películas de la historia del cine. “Ugetsu monogatari” o lo que es lo mismo, “Cuentos de la luna pálida de agosto”, que filmó Keni Mizoguchi en 1953 no sólo ha ido resistiendo el paso de las generaciones sin perder la fuerza hipnótica que poseen sus imágenes sino que sigue siendo uno de esos manjares que de vez en cuando nos regala el cine.

Dicho lo dicho a nadie le sorprenderá que recomiende que se elija un buen momento para verla en el que no haya prisas ni las tentaciones de cambiar de canal porque seguramente cueste engancharse, pero si se tiene interés lo que propone Mizoguchi con sus imágenes es un auténtico viaje en el tiempo a un lugar y una época que nada tiene que ver con el mundo en el que nos movemos. Hay en esta película (como en muchas otras japonesas porque en esto los japoneses son auténticos maestros) un halo de magia, una atmósfera onírica, que nos transporta literalmente a una realidad diferente.

El argumento trata sobre dos familias de campesinos en la provincia de Orni junto al lago Biwa que en plena guerra civil y rodeados por las tropas del general Shibata, han de elegir su futuro. En una sociedad patriarcal como la japonesa ese destino lo deciden los cabezas de familia, Genjuro y Tobai, que aspiran cada uno a convertirse en personas importantes, uno vendiendo sus cuencos en la ciudad de Nogahama y el otro convirtiéndose en guerrero samurai. Lo que ignoran es que la elección de cada uno de ellos queda lastrada por el peso del egoísmo y la ambición, que a la postre les perjudicará y los convertirá en víctimas de un duro aprendizaje.

La historia que nos narra Mizoguchi está basada en una leyenda del siglo XVI, una historia con moraleja a medio camino entre lo fantástico y lo real que pone en tela de juicio el afán por obtener riqueza, fama y poder olvidando lo fundamental, la familia y la autorrealización personal a través del trabajo.

Se trata de un drama humanista marcado por esa sensibilidad tan característica japonesa que tanto realza lo dramático para enseñar y adoctrinarnos observando las consecuencias de nuestros errores en cabeza ajena.

Aunque son escasos los personajes es difícil conectar emotivamente con ellos, primero porque Mizogochi evita los primeros planos y trabaja con planos generales en los que se mueven varios personajes (cosa a la que no estamos acostumbrados hoy en día que dominan los primeros planos y el protagonista enseguida conecta con nosotros) y segundo porque los dramas japoneses suelen ser muy exagerados y eso en cierto modo nos distancia. Estos aspectos son por los que apuntaba que la sensibilidad artística es muy diferente a la nuestra, no obstante hay que entender la película como un drama aleccionador diferente, basado en un continuo juego de idas y venidas entre lo real y lo fantástico, lo brumoso y lo sobrenatural.

Quizás lo más difícil en una película como ésta sea apreciar el porqué de su relevancia ya que el argumento tiene su miga pero es más bien simple y no es lo único importante, ni siquiera la moraleja lo es porque en cambio la forma en que está construida, la atmósfera que consigue, la puesta en escena elaboradísima sí son piezas claves de una obra absolutamente personal y distinta a cualquier otra, que es algo que conforme pasa el tiempo adquiere más valor artístico.

La moraleja: Quizás para ser felices debamos aprender primero a conformarnos con lo que tenemos. Desde luego es una gran película sobre la fatalidad.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La huida con la llegada de los soldados y el regreso a la casa para recuperar las vasijas.
- El viaje por el río con los piratas como amenaza entre la bruma y los sueños de futuro de los dos hombres.
- Las transiciones que se producen de la realidad a los fantástico, especialmente aquella en la que Genjuro se da cuenta que ha estado enamorado de un fantasma.
- El asesinato de la mujer de Tobai cuando caminaba por el campo con su hija a cuestas.
- La escena en la que un samurai pide a Tobei que le decapite después de hacerle el harakari (el momento se oculta de la cámara, pero no deja de tener un fuerte impacto en el espectador).

“La saga Crepúsculo: Amanecer, parte I” (Bill Condon, 2011)

2011-11-21T09:15:00.001-08:00

**
Título original: The Twilight saga: Breaking dawn – Part 1.
País: EEUU.
Duración: 117 min.
Género: Drama, fantástico, romántica.
Reparto: Kristen Stewart (Bella Swan), Robert Pattinson (Edward Cullen), Taylor Lautner (Jacob Black), Dakota Fanning (Jane), Michael Sheen (Aro), Maggie Grace (Irina), Ashley Greene (Alice), Nikki Reed (Rosalie Hale), Jackson Rathbone (Jasper Hale), Billy Burke (Charlie Swan), Kellan Lutz (Emmett), Anna Kendrick (Jessica), Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen), Lee Pace (Garrett), Elizabeth Reaser (Esme Cullen), Julia Jones (Leah), Jamie Campbell Bower (Cayo).
Guión: Melissa Rosenberg; basado en la novela de Stephenie Meyer.
Producción: Wyck Godfrey, Karen Rosenfelt y Stephenie Meyer.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Guillermo Navarro.
Montaje: Virginia Katz.
Diseño de producción: Richard Sherman.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Distribuidora: Aurum.
Estreno en USA: 18 Noviembre 2011.
Estreno en España: 18 Noviembre 2011.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

A estas alturas ya a nadie coge desprevenido esta saga de “Crepúsculo” para la que es recomendable tener entre 15 y 25 años, ser mujer o aspirar a ello y haberse empapuzado las novelas en las que se basa. No es que el resto de la población mundial no pueda verla (de hecho viendo los sobresalientes resultados en taquilla queda constancia que el fenómeno es más global y yo mismo soy prueba de ello), pero ya digo que el tramo de edad y género aludido son seguramente los que más disfrutarán esta película (95% de la sala de cine donde la vi).

Así como la primera entrega era una mezcla entre cine teenager y experimento fantástico-indie, lo cual le daba un cierto encanto para un profano como yo; una vez defenestrada Catherine Hardwicke, directora de aquella, la saga pasó a ser un producto de estudio con todo lo que esto tiene de bueno y malo. Con semejante “caramelo” para sus arcas era lógico que una productora relativamente pequeña y nueva como Summit Entertainment (comenzó en 1998) apostara por lo seguro y decidiera no arriesgar. Se optó por una factura preciosista (la fotografía, ambientación y dirección artística lo son), se prefirió un soundtrack efectista (sonido muy cuidado como en toda producción de terror y pese a que lamentablemente “Crepúsculo” poco tenga de miedo y banda sonora rimbombante, en este caso de Carter Burwell), se contrataron directores de encargo que no impusieran criterios propios (esta vez Bill Condon, responsable de películas muy correctas como “Dioses y monstruos”, “Kinsey” o “Dreamgirls”) y se trabajó en las bazas seguras, a saber, argumento de las novelas y trío de actores protagonistas (la legión de fans de Robert Pattinson y Taylor Lautner asegura por sí sola el éxito de cada entrega).

El resultado responde perfectamente a lo que las fans esperan y es entretenido para el resto (para mi gusto sin más y con pegas), así que el éxito en taquilla, que es lo que importa, está asegurado en una nueva operación comercial que les sale bordada, máxime cuando deciden dividir la última novela en dos entregas siguiendo la costumbre reciente de muchas adaptaciones (“Harry Potter” o “El Hobbit” entre llas) que puede tener una intención creativa, no digo que no, pero también económica.

Reconociendo no ser la persona más indicada para contagiar entusiasmo con esta película mi impresión es que han desperdiciado una gran oportunidad para hacer un melodrama fantástico que daba mucho juego aunque en la parte positiva quiero pensar que la saga puede estar reclutando a un nuevo público potencial para un género que antes sólo les llamaba la atención cuando adoptaba otras formas (véanse “La princesa prometida” o “Sturdust”).

“Amanecer” arranca con una primera mitad que hará las delicias de muchas chicas casaderas o en búsqueda de su “príncipe azul”, pero creo que esa no era su mejor baza argumental y me da la sensación que tampoco se le ha sacado todo el partido posible porque la carga emocional con la que se podía haber jugado era mucho mayor que la “late” en pantalla (para mi gusto es el tramo más endeble y discutible de toda la saga). Para que se me entienda me parece que el primer acto es muy sentimental, pero muy poco emocionante. Su segunda mitad sí se adentra en “fangos” más interesantes, no olvidemos que estamos ante la historia de una humana que se enamora de un vampiro y a quien pretende un hombre lobo y que sufre un embarazo que es todo menos algo “amable”....Posibilidades para sobrecogernos con un relato de impacto las había y por momentos la película parece querer derivar hacia lo mórbido y malsano, pero un producto de estas características no se lo puede permitir y todo se queda en un mero apunte cuidadosamente autocensurado. No quiero dar la impresión con esto de que hubiera sido mejor adentrarse por esos terrenos, pero sí dejar claro que “Amanecer” podría haber sido otra cosa, como casi lo fue “Crepúsculo”.

No dudo que una aplastante mayoría de las personas que tuvieran afán por ver esta entrega habiendo disfrutado de las anteriores, volverán a salir contentas del cine (se ha hecho una película a su medida), pero a muchos nos queda una inequívoca sensación de que con los mismos ingredientes y un poco más de riesgo podría haberse conseguido algo mejor, quizás poniendo el acento en lo que ha quedado átono y no tanto en lo que se ha acentuado, quizás apostando más por el thriller fantástico y no tanto en un melodrama que para mi gusto no acaba de funcionar bien. Es decir, de acuerdo que las fans quedarán contentas con la escena de la boda, con el paradisiaco entorno de la luna de miel, con el torso desnudo de Taylor Lautner (concesión total a la galería) a los cinco segundos de película, con la cara de no haber roto un plato y la caballerosa “humanidad” de Edward Cullen o con el nuevo enfrentamiento de criaturas de la noche; pero argumentalmente yo al menos echo en falta más emoción (tanto si hablamos de lo sentimental como de la acción). Lo que de verdad importaba y podía hacer buena a “Amanecer” era un buen desarrollo de los conflictos: Jacob vs Edward, las dudas de bella, la conveniencia de la boda, sus consecuencias, lobos vs vampiros, Edward vs. sus instintos, Jacob vs sus celos...Tengo la sensación de que todo podría haber sido mejor, mucho más intenso, mucho más emotivo; pero ya digo, es una sensación personal y subjetiva y no dejo de ser alguien ajeno el fenómeno sociológico que constituye esta saga.

En resumidas cuentas, que recomendaría la película a quienes ya disfrutaron con las anteriores (aunque a mí el primer acto me parece el peor de toda la saga) y a un sector muy concreto de público en el que yo y otros como yo quedaríamos fuera....No pasa nada, tiene que haber cine para todos los gustos y todos los públicos.

La resolución eso sí tendrá que esperar hasta noviembre del año que viene y promete más acción a juzgar por la escena final que os poderéis si no os quedais a los títulos de crédito finales.

Trailer - "The lorax" (2012)

2011-11-19T04:56:00.000-08:00

Trailer - "Brave" (2012)

2011-11-19T04:43:00.001-08:00

Trailer - "Mirror mirror"

2011-11-18T05:32:00.001-08:00