"Un completo desconocido" (James Mangold, 2024)

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#JamesMangold #CineMelodrama #Cine #CineMusical #Folk #TimothéeChalamet #EdwardNorton #ElleFanning #MonicaBarbaro #BobDylan #Joan Baez

Una de esas películas diseñadas para gustar y que se ven con sumo agrado. Da igual que como argumento te atraigan o no el ascenso meteórico de Bob Dylan allá por los años 60's, sus participaciones en los festivales de Newport o sus devaneos con Joan Baez que son lo "mollar" del metraje, el caso es que tal como lo cuenta la película sería raro que no te conquiste. Todo cumple su función para atraparte: una narración dinámica y fresca, un perfecto equilibrio entre musical y melodrama, una magnífica ambientación y recreación de época sobredimensionadas con una fotografía luminosa y atractiva, un buen reparto en el que sobresale un Timothy Chalamet que clava al joven Bob Dylan y, lógicamente, la música del cantante de folk a punto de transicionar hacia el rock. Una de esas películas que quizás no serán nunca de tus favoritas, pero que recordarás con afecto. No ganó ningún Óscar pero cosechó 8 nominaciones (mejor película, dirección, actor principal, actor de reparto, actriz de reparto, guión adaptado, vestuario y sonido).

"La chica con la maleta" (Valerio Zurlini, 1961)

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El realismo crítico italiano que se hizo después de la época del neorrealismo tiene la virtud de ahondar igualmente en problemas costumbristas de la Italia del momento, pero aligerando el tono dramático y dándole formas nuevas, en este caso un melodrama romántico profundamente melancólico y con carga social. El Argumento es sencillo porque la película no habla de otra cosa que el ir y venir de una joven cuya subsistencia pende siempre del recurso de vender su belleza. Bailarina en Milán es seducida por un señorito de Parma y luego abandonada a su suerte, aunque conoce al hermano pequeño de éste, un chaval que queda irresistiblemente enamorado de ella y tratará de ayudarle y mantenerla a su lado....A partir de ese planteamiento lo que hace Zurlini es retratar sociedad e individuos siempre con un tono amable y conmovedor, pero con la profunda tristeza que consiste en asumir que, muchas veces, la propia naturaleza humana es la que impide lograr un mundo mejor. Es uno de esos títulos que comienzas a ver sin darle mucha importancia y cuya atmósfera agridulce termina por calarte hasta lo más profundo.

 

"La peor persona del mundo" (Joachim Trier, 2021)

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Película noruega sorpresa de gran éxito entre crítica y público el año de su estreno. Es la tercera entrega de la trilogía de "Oslo" del director, pero es independiente, no hace falta ver "Reprise" (2006) ni "Oslo, 31 de agosto" (2011). Mezclando estilos y descolocándote a lo largo de todo el visionado cuenta varios años antes de los treinta en la vida amorosa y profesional de Julie a través de doce episodios, un prólogo y un epílogo con la particularidad de que cada fragmento tiene un tratamiento distinto y corresponde a un género fílmico diferente. El conjunto hace un retrato de una chica millenial, de sus dudas, de sus decisiones, de sus idas y venidas. La característica que define a Julie es el vaivén anímico y el guión muestra sus pasos en falso como un proceso de aprendizaje existencial. Mientras los vemos asistimos a una apología de la vida y el descubrimiento en la que las relaciones personales y el amor son parte esencial. La empatía que consigue la actriz hacia su personaje y la peculiar narración hacen que la película te atrape y sea un soplo de aire fresco tanto cuando apuesta por la comedia de enredo sentimental como cuando se pone más seria, melancólica o trascendental. Y, aunque posee varias escenas francamente logradas, todo lo que sucede desde que Julie empieza a pasear en solitario por la ciudad al atardecer y acaba en una fiesta ajena me parece que posee una magia cinematográfica arrebatadora. No te la pierdas. Fue nominada en los óscars a mejor guión original y película internacional.

"Being the Ricardos" (Aaron Sorkin, 2021)

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Nunca decepcionan los guiones de Aaron Sorkin y esta vez tampoco porque logra escarbar con tino a base fundamentalmente de diálogos en la vida profesional y sentimental de Lucille Ball y Desi Arnaz en los tiempos en los que rodaban aquella serie cómica archipopular en Estados Unidos que se llamaba "I love Lucy". No sólo eso, además la recreación de época está a la altura de producciones que se están fijando en los años 50's (hay muchas películas y series que lo bordan) y tanto Nicole Kidman como Javier Bardem están al nivel, alto, que se les exige. Pero.....el pero, y es cuestión de gustos, deriva de un metraje demasiado largo y a mi juicio de la excesiva atención que el director y guionista pone en sus personajes y su entorno sin lograr una verdadera conexión con nosotros como espectadores. Asistimos a una descripción de gentes y situaciones que terminan por dejarnos algo indiferentes, no porque no haya profundidad dramática o buenos actores, sino porque permanecemos fríos a una trama que en muchos momentos se nos queda distante y nos deja fríos. Sorkin es capaz de mucho más.

"New York, New York" (Martin Scorsese, 1977)

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Arranca pegada a la comedia y con una evocadora ambientación, iluminada por un inolvidable Robert de Niro que consigue una magnética interpretación a través de ese saxofonista granuja y pícaro. Le acompaña una Liza Minnelli cuyo personaje parece inicialmente desubicado, pero luego va ganando peso en la historia. Conforme avanza gana peso el melodrama y lo sentimental y sus virtudes se desdibujan un poco perdiendo cierto encanto sobretodo porque comienza a dar vueltas sobre la misma situación, cosa que se compensa con los números musicales pero que no evitan que resulte un poco larga en su tramo final. En cualquier caso es un sofisticado homenaje al jazz y al musical en el que Scorsese demuestra dominar varios géneros y disponer de un destacado equipo técnico a su lado. Curiosamente su canción final, que da título a la película y es todo un icono musical no es la que ha quedado en el recuerdo de todo el mundo. Eso lo consiguió Frank Sinatra con su versión de tres años más tarde.

"Si no amaneciera" (Mitchell Leisen, 1941)

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Uno de los melodramas más destacados de Mitchell Leisen que parte de un buen guión de Billy Wilder y Charles Brackett basado en la novela “Hold Back The Dawn” (1940), de Ketti Fringsy y cuenta las argucias de un seductor rumano que, para entrar en Estados Unidos por la frontera de México, urde un minucioso engaño que afecta a varias personas con las que se encuentra. La ambientación refleja perfectamente el momento y lugar en el que se desarrollan los hechos y el reparto es magnífico, destacando el trío protagonista. El desarrollo juega emocionalmente con el espectador que tan pronto gana como pierde simpatías hacia el personaje de Charles Boyer hasta que aparece una conmovedora Olivia de Havilland que termina por ganarte definitivamente. Gran acierto la atinada mezcla entre crítica social, melodrama romántico y suspense fronterizo y un poco cogido "con pinzas" ese final feliz catártico y redentor que resulta  un tanto precipitado y sorprendente.  Obtuvo 6 nominaciones en los óscars (mejor película, actriz principal, guión, fotografía en blanco y negro, banda sonora y dirección artística) pero no obtuvo ningún prmio.

"Leyendas de pasión" (Edward Zwick, 1994)

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Siempre he pensado que el cocktail de elementos que se reúnen en esta película debería funcionar mejor, de hecho se estrenó en temporada de óscars y aspiraba a conseguir nominaciones y premios que no llegaron en la cantidad esperada, pero lo cierto es que fue un notable éxito y a nivel popular es una de las películas más recordadas del entonces emergente Brad Pitt. Trata sobre los tres hijos de un Coronel retirado en un rancho de Montana a comienzos de siglo XX y todas las penurias  que les suceden a lo largo de sus vidas con la primera guerra mundial por medio y la presencia de una mujer que afectará la relación entre ellos. Las hermosísimas imágenes naturales realzadas por una imponente fotografía de John Toll y la evocadora banda sonora de James Horner y Vic Frasier logran transmitir la mezcla de épica y lírica que late en el relato y acompañan adecuadamente el tono agridulce que tiñe todo el argumento, pero a mi juicio la narración va y viene, con altibajos y no funciona igual de bien. Entiendo que el trabajo de montaje debió ser arduo, pero pienso que el conjunto naufraga por ese lado y a pesar de que todo trata de avanzar rápido, quizás demasiado, la película termina haciéndose un poco larga. En definitiva un melodrama romántico desigual, imperfecto, pero muy hermoso. Consiguió el Óscar a mejor fotografía y fue nominada a mejor diseño de producción y mejor sonido.

"La ronda" (Max Ophuls, 1950)

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Con un planteamiento muy teatral (de hecho se basa en la obra de teatro de Arthur Schnitzler) un narrador omnisciente y omnipresente que rompe la cuarta pared y se dirige a nosotros nos presenta varios romances en la Viena de 1900 que hacen girar la ronda del amor. Prostitutas, soldados, criadas, nobles, actrices, matrimonios que se engañan forman el desfile de personajes que a través de varios cuentos cortos componen una estructura narrativa cíclica sobre la pasión y el amor fatuo, diseccionando éste en todas sus formas y lanzando de paso una crítica a la doble moral burguesa de la época. A parte de la exquisita y elegante puesta en escena, envuelta de un cierto halo de ensoñación, esta película nos muestra como todos somos agentes y pacientes del deseo y cómo entrecruzamos nuestras vidas unos con otros de tal modo que sólo una visión general puede explicar y comprender impulsos, deseos e intereses que aislados son mucho más difíciles de comprender. La película fue nominada en los óscars a mejor guión y mejor dirección artística en blanco y negro.

"Dejad paso al mañana" (Leo McCarey, 1937)

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Bajo la apariencia de un melodrama costumbrista sentimental sobre una pareja que se hace mayor se esconde una de las películas más conmovedoras y tristes del Hollywood clásico. Los dos protagonistas están dibujados con trazo amable e inocente, con mucha ternura, subrayando su bondad por lo que el transcurrir del argumento parece algo naif, edulcorado e intrascendente, pero los pequeños detalles (hay muchas sutilezas interpretativas) no lo son y la moraleja es todo lo contrario, palpita una reflexión terrible sobre la vejez que cae como una bomba emocional cuando la ves. Todo se resume en una frase que la anciana abuela le dice a su nieta: "Cuando se tienen 17 años uno piensa en divertirse. Cuando tienes 70, la máxima diversión consiste en fingir que no te importa enfrentarte a los hechos... ¿te importaría que siguiera fingiendo?". En definitiva una película que anticipa para quien no lo sea el duro trago que supone hacerse mayor cuando para los demás terminas por ser una carga.

"La dama de las Camelias" (George Cukor, 1936)

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Son varias las adaptaciones que se han hecho de la novela romántica de Alejandro Dumas hijo, pero probablemente ésta sea la mejor. El interés se centra en una de las mejores actuaciones de la "divina" Greta Garbo y de su paternaire Robert Taylor que consiguen la química necesaria para que la historia conmueva como debe. George Cukor era el director idóneo para filmar con la mayor elegancia un argumento que en otras manos, buscando un mayor realismo, podría resultar más sórdido puesto que en realidad se centra en una cortesana en el París de 1847. Su cámara mima a los personajes en todo momento, les otorga un glamour especial y recrea con  acierto el mundo de la alta sociedad sin ocultar que tras las apariencias y el lujo hay también luchas de intereses, dobles juegos, deudas, sentimientos como el honor que condicionan el día a día y dramas personales que pueden tornar en pequeñas o grandes tragedias. Se trata de cine clásico, sensibilidad de otra época, una forma de concebir visualmente las historias que se acerca más a la novela y el teatro decimonónico que al cine actual. Garbo consiguió por su actuación una nominación al Óscar.

"Una partida de campo" (Jean Renoir, 1936)

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Basado en un relato de Guy de Maupassant terminó siendo un mediometraje inconcluso de 40 minutos con el que Jean Renoir pretendía homenajear la pintura de su padre Pierre-Auguste Renoir, que se descubre en varias escenas campestres o de paseos en barca. A pesar de quedar inacabada consigue transmitir la fugacidad de la vida y la importancia de subirse al tren cuando pasa. Por ambas cosas se puede afirmar que representa cinematográficamente lo que era el impresionismo, un deleite poético de la naturaleza y el amor frente al inexorable paso del tiempo. Lo consigue el director con un argumento aparentemente sencillo pero cargado de significado, la simple visita de una familia parisina al campo en 1860, en la que dos jóvenes cortejan a la hija del matrimonio y con una elipsis que transforma la alegría de vivir y el luminoso comienzo en un desenlace profundamente melancólico. Lo mejor, sin duda y, como siempre en Renoir, la delicadeza y elegancia con la que cuenta sus historias, su muy atinada construcción de personajes y en este caso su capacidad para sintetizar lo que pretende transmitir.

"Orfeo negro" (Marcel Camus, 1959)

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El director francés Marcel Camus logró  la Palma de Oro en Cannes y el óscar a mejor película de habla no inglesa con esta película exótica, peculiar, llena de contrastes, luminosa y vitalista y a la vez melancólica y triste que traslada el mito griego de Orfeo y Eurídice al Río de Janeiro de los años 50's, con un argumento melodramático ambientado en el Carnaval e impregnado de la alegría vital de la bossa nova (que suena durante buena parte del metraje) y también de la tristeza y melancolía de temas como la canción de Orfeo. En realidad se trata de una metáfora de la propia vida a través de un argumento en el que se entremezcla la alegría de vivir, el erotismo, el desengaño, el temor, el abatimiento, la muerte y que se abre y se cierra formando un círculo, dando cuenta de que la historia de la humanidad es un eterno retorno, un fluir constante de unos y otros en el que, a pesar de todo, nunca deja de salir el sol.

"La casa en la sombra" (Nicholas Ray, 1951)

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Policiaco de autodescrubimiento en el que un rudo policía de la ciudad asqueado con su trabajo diario es enviado a un destino rural para ayudar en la investigación de un caso. Ayudado por una atractiva banda sonora de Bernard Hermann y una puesta en escena muy cuidada, Ray consigue transformar la historia policial casi en un melodrama, la pena es que la segunda parte de este díptico no funciona tan bien como la primera y resulta poco creíble. Lo mejor es que la moraleja que alguien susurra al protagonista es una lección muy cierta: "Para conseguir algo en esta vida primero hay que dar algo de corazón". 

"Niebla en el pasado" (Mervyn Leroy, 1942)

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Espléndido melodrama romántico de gran éxito en el momento de su estreno, elegante, tierno, ingenuo, idealista y conmovedor. Una de esos títulos que te transporta a una época y un mundo que sólo era posible ver en una pantalla y al que tan bien supo sacar partido el cine clásico. Cuenta la historia de un combatiente de la primera guerra mundial que ha perdido la memoria y al que una apasionada y vital actriz de teatro trata de ayudar. Consiguió 7 nominaciones en los Óscars (película, director, actor, actriz de reparto, guión, banda sonora y dirección artística) aunque no ganó finalmente ninguno. Curiosamente Greer Garson no fue nominada pero es la principal responsable de un primer tramo de película maravilloso y de que el espectador la vea de inicio a fin con el corazón en un puño y deseando un desenlace justo con un personaje tan admirable.

"Sayonara" (Joshua Logan, 1957)

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Marlon Brando era el actor perfecto para encarnar al Comandante de la Guerra de Corea que enviado a Japón para un descanso se enamora de una bailarina y lo demuestra atesorando gran parte del interés de una película de contrastes que trata de sumergir en la cultura japonesa a un mundo occidental ya preparado para ir superando prejuicios acumulados durante la 2ª guerra mundial. Magnífico melodrama romántico en el que lo mejor es, sin duda, lo bien que Brando ejemplifica la evolución de su personaje y cómo contagia su aprendizaje, su toma de conciencia, su trayecto sentimental. Obtuvo 4 óscars (mejor actor y actriz secundaria, diseño de producción y sonido) y 6 nominaciones más (película, director, actor, guión adaptado, montaje y fotografía)

“Fanny” (Johua Logan, 1961)

Comedia amable de visionado agradable ambientada en una luminosa Marsella de los años 20 y con deriva hacia el melodrama romántico que, a pesar de algún pero técnico es una muy estimable adaptación de la obra de Broadway (basada en una novela de Marcel Pignol) sobretodo gracias a la ambientación, la banda sonora de Morris Stoloff y un reparto en el que destacan Charles Boyer y Maurice Chevalier. Lograda la forma con la que se origina el conflicto y pese a la alegría de vivir que emana de todos de personajes, de pronto la felicidad de uno de ellos pone en jaque la de todos los demás. Logan retrata con mucho acierto sentimientos muy intensos de amor, amistad y de afecto paterno filial y la película deja un profundo poso melancólico.

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Título original: Fanny

Duración: 134 min.

País: Estados Unidos

Guión: Julius J. Epstein (Obra: Marcel Pagnol, Harold Rome, S.N. Behrman, Joshua Logan)

Música: Harold Rome, Morris Stoloff, Harry Sukman

Fotografía: Jack Cardiff

Reparto: Leslie Caron,  Maurice Chevalier,  Charles Boyer,  Horst Buchholz,  Georgette Anys, Salvatore Baccaloni,  Lionel Jeffries,  Raymond Bussières,  Joël Flateau, Victor Francen

Productora: Warner Bros. Pictures

"Una mujer en la playa" (Jean Renoir, 1947)

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Melodrama romántico de atmósfera onírica y con toques de cine negro sobre un Teniente de la marina atraído obsesivamente por la mujer de un pintor ciego. Es la última película de la etapa americana de Jean Renoir y ofrece un sugerente choque sentimental que habla sobre traumas, obsesiones y deseos apasionados en un ajustado argumento de apenas hora y poco. En España la película nunca se estrenó a causa de la censura, lo cual le daba un atractivo especial pese a que no es de los mejores títulos en la filmografía del director.

"Un lugar en la cumbre" (Jack Clayton, 1959)

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Película clave del Free cinema inglés, con  un tratamiento fílmico adelantado a su tiempo sobre un "joven airado", combatiente en la segunda guerra mundial, enfadado con la sociedad, decidido a ascender socialmente a toda costa, incluso a costa de su propia felicidad. Se trata de un retrato amargo, certero y preciso sobre una generación y a su vez una obra a contracorriente de lo que se hacía, con un blanco y negro muy expresivo y una gran elegancia en la filmación. Laurence Harvey y Simone Signoret están inolvidables (ella ganó el óscar) y la película obtuvo un importante éxitod e crítica y público con 6 nominaciones en los óscars (película, director, actor, actriz, actriz secundaria y guión adaptado).

"La forma del agua" (Guillermo del Toro, 2017)

Cuento fantástico-romántico para adultos que funde el mito del monstruo del pantano con una trama de conspiración científica y es, a su vez, algo así como una personal "La fea y la bestia". El director mexicano consigue un relato por momentos inquietante, en otros cuasi poético, a veces brutal cuyo trasfondo es lo bello que se oculta tras lo monstruoso y lo terrible que se oculta tras lo apropiado. Una película bendecida por la crítica por lo bien narrada y filmada que está en todos los aspectos y por una interpretación maravillosa de Sally Hawkins. No obstante, cuidado, porque no es tan fácil de asimilar como podría pensarse, en muchos momentos me preguntaba cómo podrían hacernos empatizar con los protagonistas (que es la clave para que el argumento emocione) y aunque finalmente lo consiguen no es tarea sencilla para el espectador, que observa todo un poco ajeno al argumento.

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Título original: The Shape of Water
País: Estados
Duración:  123 min.
Género:  Melodrama, romántica, Fantástico, espionaje
Reparto: Sally Hawkins, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, Nick Searcy, David Hewlett, Nigel Bennett, John Kapelos, Morgan Kelly, Jayden Greig, Dan Lett, Karen Glave, Diego Fuentes, Cody Thompson, Allegra Fulton
Distribuidora: 20th Century Fox España
Productora: Fox Searchlight Pictures, Disney Double Dare You (DDY), Bull Productions
Fotografía: Dan Laustsen
Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor
Montador: Sidney Wolinsky
Música: Alexandre Desplat

"El filo de la navaja" (Edmund Goulding, 1946)

Gran película del Hollywood clásico, drama romántico adaptación de la novela de Somerset Maugham en la que un joven estadounidense abandona todo para encontrarse a sí mismo después de la dura experiencia de la primera guerra mundial. El argumento aprovecha para exponer varios contrastes: el lujo frente a la indigencia, la bondad frente al egoísmo, la paz espiritual frente al desasosiego social, y apunta moraleja: "la bondad es, al fin y al cabo, la fuerza más poderosa del mundo y él la posee". Lo mejor en cualquier caso es la brillante y elegante dirección y una puesta en escena muy cuidada.

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Título original: The razor's edge

País: Estados Unidos

Duración: 145 min.

 Género: Drama, Melodrama, romántico

Reparto: Tyrone Power, Gene Tierney, John Payne, Anne Baxter, Clifton Webb, Herbert Marshall, Lucile Watson, Frank Latimore, Elsa Lanchester, Fritz Kortner, John Wengraf, Cecil Humphreys, Harry Pilcer, Cobina Wright Sr.

Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation

Dirección artística: Nathan Juran, Richard Day

Fotografía: Arthur C. Miller

Montaje: J. Watson Webb Jr.

Música: Alfred Newman

Producción: Darryl F. Zanuck