Está más cerca de "Gran turismo" (Neill Blomkamp, 2023) que de "Grand prix" (John Frankenheimer, 1966) y es prima hermana de "Rush" (Ron Howard, 2013) y "Le Mans 66'" (James Mangold, 2019), todas disfrutables para amantes de los coches y la velocidad. En este caso se trata de una película que va a lo que va y que te lo ofrece. Grandes escenas en carrera, acción a raudales, emoción potenciada por una banda sonora potente y hechuras de peli de los ochenta y noventa (le habría encantado a Tony Scott) con guapazo de vuelta de todo a lo cowboy, incluido. Joseph Kosinski vuelve a hacer la magia que consiguió con "Top gun: Maverick" (2022) porque a veces no se trata de hacer una película redonda, especialmente si tienes un guión previsible, que lo es, a veces se trata de conseguir la mejor película a partir de los recursos que dispones y hay que reconocer que aprovecha todos y de manera inmejorable. Los actores, la trama, los cameos (Fernando Alonso y Carlos Sainz incluidos), la fotografía, el montaje, la música, el sonido, todo se integra perfectamente para que el espectador se entretenga a lo grande. Yo me lo pasé pipa.
Con un gran equipo técnico, artístico e interpretativo a su disposición Denis Villanueve ¿cierra? con nota su adaptación de la saga novelística de Fran Herbert (también al guión) con una película que termina de narrar lo crucial de una historia muy alambicada sobre enfrentamientos de razas, luchas de poder entre estirpes y profecías mesiánicas planetarias. Despojada de parte de las complejidades del original y de algo de su atmósfera inquietante, esta versión apuesta más por el choque en pantalla entre lo épico y lo lírico, entre lo social y lo íntimo y lo que hace a las mil maravillas es epatar constantemente al espectador curtido en este tipo de relatos con imágenes sobrecogedoras que permiten disfrutar de lo más de lo más en cuestión de batallas de naves espaciales, luchas masivas o gusanos gigantes. Es una película muy física, muy visual, en la que la arena de Arrakis parece meterse en tus ojos y secar tu boca y en la que la potente banda sonora te envuelve irremediablemente. La típica película que hay que ver en cine y pantalla grande porque de otro modo pierde parte de su encanto. Se ve con máximo interés durante sus casi tres horas, pese a tener un tramo intermedio en el que las intrigas de palacio se "embarran" un poco y el único pero que yo le pondría es que en su desenlace sus personajes no logran emocionar cuanto prometía su desarrollo, quizás porque es prácticamente imposible hacer crecer más aún una intensidad dramática que se mantiene muy alta en todo momento.
Nunca decepcionan los guiones de Aaron Sorkin y esta vez tampoco porque logra escarbar con tino a base fundamentalmente de diálogos en la vida profesional y sentimental de Lucille Ball y Desi Arnaz en los tiempos en los que rodaban aquella serie cómica archipopular en Estados Unidos que se llamaba "I love Lucy". No sólo eso, además la recreación de época está a la altura de producciones que se están fijando en los años 50's (hay muchas películas y series que lo bordan) y tanto Nicole Kidman como Javier Bardem están al nivel, alto, que se les exige. Pero.....el pero, y es cuestión de gustos, deriva de un metraje demasiado largo y a mi juicio de la excesiva atención que el director y guionista pone en sus personajes y su entorno sin lograr una verdadera conexión con nosotros como espectadores. Asistimos a una descripción de gentes y situaciones que terminan por dejarnos algo indiferentes, no porque no haya profundidad dramática o buenos actores, sino porque permanecemos fríos a una trama que en muchos momentos se nos queda distante y nos deja fríos. Sorkin es capaz de mucho más.
El relato que Fernando León de Aranoa hace sobre el contexto de tres adultos en dificultades laborales y personales en la España del cambio de siglo tiene, a mi juicio, muchísimas virtudes cinematográficas, alguna tan obvia como las excelentes interpretaciones de un reparto en estado de gracia en el que impacta un Javier Bardem excelso; pero entre todas yo destacaría la grandísima habilidad para construir desde lo cotidiano y con aparente sencillez un retrato atinadísimo de la época y sus gentes. Personas que viven a contracorriente en medio de unas aguas políticas y sociales poco gratas y que hacen frente a ello con cierto estoicismo, con un punto de picardía, sin sucumbir a la autocompasión y con la resignación de quien asume su condición. Hay diálogos magníficos en esta película y escenas que parecen intrascendentes pero que rebosan significados más profundos y hay una gran capacidad para explicar situaciones y ambientes; pero lo que a mí me rinde es como todos los personajes te atrapan, te conmueven y te hacen vivir en su pellejo. Consiguió 5 premios Goya (mejor película, director, actor, actor secundario y actor revelación).
En clave de sátira y mezclando a la perfección las dosis justas de humor, ironía y mala leche, la película se centra en Julio Blanco (inmenso Javier Bardem), un empresario de una compañía de balanzas industriales en una pequeña ciudad española, que debe lidiar con una sucesión de acontecimientos entre sus empleados porque pueden poner en peligro el último premio empresarial que le falta para adornar una pared repleta de galardones. El acierto de la película se cimienta en un guión magnífico que hubiera hecho las delicias de Rafael Azcona y una actuación de Javier Bardem por encima del bien y del mal...pero todo es sobresaliente y permite disfrutar, entretenerse y reflexionar. Aunque los sucesos se concentran sólo en unos pocos días, todo está perfectamente hilado y habla de muchas cosas y de muchos personajes, lo cual es ya en sí mismo un alarde en toda regla. Es una de esas películas de las que no se puede hablar solo en unas líneas y que recomiendo el visionado. No a todo el mundo, porque es una película más dirigida a un público adulto, digamos "en edad de trabajar", que se verá reflejado de una manera u otra, pero que explica muchas cosas tanto por lo que es evidente como por lo que no se dice pero se insinúa. Desconcierta y produce hilaridad comprobar un "patrón" como el de esta película tan preocupado por sus trabajadores y eso lleva a muchos grandes momentos, pero el final de la película (que yo ya situaría como uno de los mejores finales que he visto) te da la clave de toda ella. ¿Es bondad y altruismo o es otra cosa? No os la perdáis. Ha sido nominada a 20 Goyas (récord hasta la fecha): mejor película, director, actor principal, 3 nominaciones a actores de reparto, actriz de reparto, 2 actores revelación, actriz revelación, guión original, fotografía, montaje, música original, dirección de producción, dirección artística, diseño de vestuario, maquillaje y peluquería, sonido y efectos especiales).
Primera parte de un díptico muy ambicioso en el que el reputado director Denis Villeneuve supera con nota el reto de adaptar la complejísima primera novela de Frank Herbert y superar la inquietante y extraña versión que David Lynch hizo en 1984 (a mi juicio lo consigue porque donde aquella era aburrida o densa ésta es narrativamente dinámica y diáfana). La suya es una versión muy potente visualmente, de tono épico y dramático, reforzada por una banda sonora epatante muy del estilo de Hans Zimmer y con una fotografía vistosa y de contrastes idónea para recrear los distintos ambientes que se muestran. Lo fundamental no es todo eso, sin duda destacado, ni tampoco el buen trabajo de su destacado elenco de actores (en el que destacan, perfectos en sus papeles, Timothée Chalamet y Rebecca Ferguson) sino la capacidad para impactar en el espectador con una narración que sabe acelerar y decelerar cuando la acción o el conflicto entre personajes lo requiere y la enorme pericia que tiene este director para transportarnos a lugares y atmósferas nunca antes vistas. Eso sí, una película en la que resulta fundamental el visionado en pantalla grande para sacarle todo su jugo y que deja, irremediablemente, ganas de más.
A priori una propuesta muy interesante, por lo que cuenta, por quién lo cuenta y por quién lo interpreta; pero a posteriori el resultado no pasa de correcto aunque sólo sea porque sucumbe a comparaciones con una de las series más celebradas del momento que es "Narcos", que cuenta lo mismo, pero mejor, aprovechando el formato en capítulos, de manera menos dispersa, multiplicando puntos de vista, imprimiendo más nervio y más sentimiento. Las actuaciones de Bardem y Cruz, siendo más que correctas y puede incluso que más miméticas con sus personajes, son buen ejemplo de esa comparativa porque no logran el impacto hipnótico sobre el espectador que lograba "Narcos". En cualquier caso se puede ver, es un proyecto arriesgado y bien trabajado que habría corrido mejor suerte en otro contexto y eso aunque, personalmente pienso que no le ha beneficiado a León de Aranoa adaptar el libro de Virginia Vallejo ("Amando a Pablo, odiando a Escobar") porque seguramente no es la mejor perspectiva para abordar la verdad del narco colombiano.
Sorprende y fascina comprobar como alguien, en teoría tan poco autóctono como el director iraní Asghar Farhadi, ha sabido captar con tanta "verdad" y detalle la esencia e idiosincrasia de nuestro mundo rural. En esta película se relata un caso criminal, pero no es lo más importante, pese a que sea lo que despierta el interés, lo que suscita el debate y lo que nos mantiene en tensión y con interés de principio a fin. Lo importante, en mi opinión, es que gracias a la puesta en escena y a un reparto excepcional penetramos en ese ambiente casi familiar y reconocible que es el de nuestros pueblos, en el que todo el mundo sabe todo gracias a los dimes y diretes y en el que conviven trabajadores de sol a sol, antiguos terratenientes venidos a menos, gentes ambiciosas dispuestas a todo por un pedazo de tierra, envidias, rencillas familiares pero también buenas gentes de gran corazón, festejos inigualables, inolvidables amores de infancia y juventud y amaneceres y atardeceres mágicos.
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País: Francia, España
Duración: 130 min.
Género: Drama
Reparto: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Bárbara Lennie, Inma Cuesta, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Roger Casamajor, Ramón Barea, José Ángel Egido, Jordi Bosch
Distribuidora: Universal Pictures International Spain
Productora: Morena Films, Lucky Red, Memento Films Production
Sorprende y fascina comprobar como alguien, en teoría tan poco autóctono como el director iraní Asghar Farhadi, ha sabido captar con tanta "verdad" y detalle la esencia e idiosincrasia de nuestro mundo rural. En esta película se relata un caso criminal, pero no es lo más importante, pese a que sea lo que despierta el interés, lo que suscita el debate y lo que nos mantiene en tensión y con interés de principio a fin. Lo importante, en mi opinión, es que gracias a la puesta en escena y a un reparto excepcional penetramos en ese ambiente casi familiar y reconocible que es el de nuestros pueblos, en el que todo el mundo sabe todo gracias a los dimes y diretes y en el que conviven trabajadores de sol a sol, antiguos terratenientes venidos a menos, gentes ambiciosas dispuestas a todo por un pedazo de tierra, envidias, rencillas familiares pero también buenas gentes de gran corazón, festejos inigualables, inolvidables amores de infancia y juventud y amaneceres y atardeceres mágicos.
¿Entretenida? Sí, ¿qué menos? Pero todo suena a ya visto porque el gran problema que tiene ya esta saga es su propio diseño de producción que sigue inamovible e inalterable apostando por hacer caja pero eliminando cualquier atisbo de sorpresa: la comicidad gamberra en torno a Jack Sparrow, unas cuantas escenas tan espectaculares como inverosímiles y un componente fantástico que podría haber dado emoción o intensidad a la trama, pero que sólo le dan exotismo. La ves y la olvidas en el maremágnum que es en sí la propia saga. Una prueba inequívoca de que no termina de funcionar: ¿Alguien se emociona un ápice cuando debería hacerlo?
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Título original: Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tal
País: Estados Unidos
Duración: 129 min.
Género: Comedia, Aventuras, Acción
Reparto: Johnny Depp, Javier Bardem, Brenton Thwaites, Kaya Scodelario, Geoffrey Rush, Kevin McNally, Golshifteh Farahani, Stephen Graham, Orlando Bloom, Martin Klebba, Adam Brown
Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Jerry Bruckheimer Films
Dirección: Espen Sandberg, Joachim Roenning
Guión: Jeff Nathanson
Producción: Jerry Bruckheimer
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Paul Cameron
¿Entretenida? Sí, ¿qué menos? Pero todo suena a ya visto porque el gran problema que tiene ya esta saga es su propio diseño de producción que sigue inamovible e inalterable apostando por hacer caja pero eliminando cualquier atisbo de sorpresa: la comicidad gamberra en torno a Jack Sparrow, unas cuantas escenas tan espectaculares como inverosímiles y un componentemente fantástico que podría haber dado emoción o intensidad a la trama, pero que sólo le dan exotismo. La ves y la olvidas en el maremagnum que es en sí la propia saga. Una prueba inequívoca de que no termina de funcionar: ¿Alguien se emociona un ápice cuando debería hacerlo?
Zannou se consolida como director emergente en el panorama hispano con este drama en torno al mundo del boxeo y la problemática interracial en España que es adaptación de una novela de Carlos Bardem y funciona en pantalla sobretodo gracias al buen trabajo del elenco.
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País: España.
Duración: 100 min.
Género: Drama, thriller.
Reparto: Álex González (Julián “Alacrán”), Miguel Ángel Silvestre (Luis), Carlos Bardem (Carlomonte), Judith Diakhate (Alyssa), Javier Bardem (Solís), Hovik Keuchkerian (Pedro).
Guión: Santiago A. Zannou y Carlos Bardem; basado en la novela de Carlos Bardem. Producción: Álvaro Longoria.
Música: Wolfrank Zannou.
Fotografía: Juanmi Azpiroz.
Montaje: Jaume Martí y Fernando Franco.
Dirección artística: Llorenç Miquel.
Vestuario: Irene Orts y Manuel Bonillo.
Distribuidora: Alta Classics.
Estreno en España: 12 Abril 2013.
Sin ser una película redonda tiene muchos aspectos interesantes y entre ellos el principal es el buen trabajo de los actores aunque el apunte social tiene también su miga. Eso sí, hay que verla con el oido fino. No sé si por la dicción o por el sonido en sí, hay veces que no se entiende bien, aunque eso también aporta una verosimilitud que desde dirección se persigue a toda costa.
*** Países: México y España. Duración: 148 min. Género: Drama. Reparto: Javier Bardem (Uxbal), Maricel Álvarez (Marambra), Eduard Fernández (Tito), Diaryatou Daff (Igé), Cheng Tai Shen (Hai), Luo Jin (Liwei), Rubén Ochandiano (Zanc), Hanaa Bouchaib (Ana), Guillermo Estrella (Mateo), Cheick Ndiaye (Ekweme), Karra Elejalde (Mendoza). Guión: Alejandro G. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone; basado en un argumento de Alejandro G. Iñárritu. Producción: Alejandro G. Iñárritu, Fernando Bovaira y Jon Kilik. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Stephen Mirrione. Diseño de producción: Brigitte Broch. Vestuario: Paco Delgado. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en México: 22 Octubre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.
Escribo esta reseña un día después de conocer las nominaciones a los Globos de oro, en las que ha quedado fuera Javier Bardem pese a componer uno de los mejores y más intensamente dramáticos papeles de su carrera en esta película, por la que recibió el galardón a mejor actor en el Festival de Cannes, y si no ha sido nominado en los Golden Globes mucho me temo que la carrera hacia el óscar como actor principal está bastante difícil por no decir imposible, aunque que le quiten lo bailao (ya ganó el de mejor secundario por “No es país para viejos” y tuvo nominación como actor protagonista por “Before the night falls” de Julian Schnabel).
Javier Bardem es seguramente lo mejor de la nueva película del mexicano Alejandro González Iñarritu (aunque decir esto es injusto para Maricel Álvarez o Eduard Fernández, que están inmensos, como todo el reparto) y deja literalmente el corazón acongojado interpretando a un tipo que vive literalmente en un infierno personal pero que lo afronta sin lágrimas, sin llantos, con la certeza de que ni puede ni debe rendirse y seguramente porque ya se ha lamentado y ha sufrido suficientemente mucho antes.
No sé si el lector ha pasado por ello, pero yo pienso que el dolor más intenso es precisamente ese que te deja sin lágrimas porque ya no te zarandea, no te convulsiona y ya no se traduce en una expresión física porque ataca directamente a tu alma. Lo explico de una forma muy “metafísica”, pero creo que se entiende y además pienso que es lo que transmite esta película.
Uxbal (Javier Bardem) vive en Barcelona y padece una enfermedad terminal (no anticipo nada, esto se sabe desde el mismo comienzo de la película) pero antes de morir debe dejar atados ciertos cabos porque tiene dos hijos, está separado de su mujer, trapichea con la policía para que un grupo de chinos puedan trabajar de forma clandestina haciendo bolsos que después vende a través de inmigrantes africanos.
Esta es la cuarta película de Alejandro González Iñarritu, que probablemente si conseguirá nominación como mejor filme de habla no inglesa en los óscars para México pero probablemente no ganará porque los académicos de Hollywood prefieren dramas humanos que transmitan una cierta esperanza y “Biutiful” es una película desoladora con un final que también es comienzo (la estructura narrativa es circular) que te alivia solo si te crees que, en efecto, Uxbal ve más allá de la realidad (para mi gusto un asidero a la esperanza un tanto frágil).
Iñarritu ha perdido por primera vez en su cine la pluma de su guionista fetiche, Guillermo Arriaga, y eso se nota tanto que la crítica se ha cebado en el hecho para justificar una descenso de calidad de esta película respecto a las anteriores del director. Creo en cambio que el estilo de Iñarritu se mantiene puesto que compone de nuevo un drama intenso, una película de atmósfera “nublada” en la que los personajes se ven sometidos a una realidad opresiva, a unas circunstancias que pueden con ellos y los tumban en la lona de la vida. Lo que pierde el cine de Iñarritu sin Arriaga es esa fabulosa capacidad para entremezclar varias historias, para convertir lo coral en un discurso único y para fragmentar y desfragmentar la narración buscando efectos expresivos. Efectivamente, “Babel” fue seguramente su mejor película; aunque “Amores perros” narrativamente me impactó más y situaría “Biutuful” la tercera porque “21 gramos” me pareció excesiva tanto a nivel formal como a nivel dramático.
El propio director dice que si “Babel” era una ópera, “Biutiful” sería un réquiem y lo dice porque conscientemente rebaja pretensiones y se concentra en un solo personaje protagonista, en un solo escenario, en una única línea narrativa y en desarrollo lineal
No es sencillo ir a ver una película de Iñarritu, sobretodo si vas sobre aviso y ya has visto alguna otra antes. Lo que te encuentras son dramas sin concesiones así que tienes que querer ver eso precisamente porque de lo contrario el metraje (que siempre suele ser largo) puede llegar a resultar insufrible, puede provocarte un hartazgo y obligarte a abandonar.
A mí modo de ver Iñarritu tiene una especial capacidad para introducirte en ambientes de un realismo afixiante que por ello mismo hace que su estilo no sea “realista” sino dramáticamente poético (compárese como ejemplo lo distinta que es la Barcelona que nos muestra a la de Woody Allen en “Vicky Cristina Barcelona”). Hay mucho en sus películas de búsqueda de microcosmos de dolor y en ésta más que en ninguna, de un cierto lirismo, una cierta poesía de lo patético, un intento por trascender más allá del dolor, por buscarle al sufrimiento un cierto sentido de redención. Es como si los personajes, conscientes de sus errores, aceptaran lo que les toca sufrir con resignación como único camino para liberarse. Por ello como espectador asistes a todo pasmado, impregnándote de la tristeza que invade a los protagonistas.....Esa escena de Uxbal andando sobre un puente al caer la tarde, con las luces de Barcelona de fondo y viendo los pájaros en el cielo revolotear con esa magnífica banda sonora de Gustavo Santaolalla y la fotografía crepuscular de Rodrigo Prieto transmite una profunda melancolía y más teniendo en cuenta lo que acaba de suceder. Son imágenes que no te hacen llorar, con las que no surge el llanto pero que te dejan los ojos llenos de lágrimas, como a los personajes.
La sensación al ver “Biutiful” es parecida a la de tomarse un zumo de pomelo, puedes disfrutarla pero es amarga y te deja el cuerpo con ganas de una compensación en sentido contrario, con ganas de azúcar y dulce, de comedia y algarabía y es que el cine de Iñarritu son las antípodas del musical del Hollywood dorado, “Biutiful” es el “Cantando bajo la lluvia” del drama aunque es cierto que este tipo de descenso a los infiernos nos ayuda a relativizar problemas y a valorar los de los demás, a sufrir en cabeza ajena para comprender sin padecer en carne propia. A veces ver películas como ésta es necesario, aunque no sean nuestras favoritas.
MIS ESCENAS FAVORITAS (¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!)
- Las escenas cenitales de los inmigrantes huyendo de la policía desde la Plaza España hacia calles adyacentes. - Las escenas de Bardem con su amiga y consejera la vidente. - Impresionante la escena en la discoteca. - El comienzo y el final de la película creando una estructura circular. - Bardem sobre el puente mirando los pájaros volando en el cielo de Barcelona.
** Guión: Woody Allen. Países: España y USA. Duración: 96 min. Género: Comedia. Interpretación: Javier Bardem (Juan Antonio), Patricia Clarkson (Judy Nash), Penélope Cruz (María Elena), Kevin Dunn (Mark Nash), Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber. Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Montaje: Alisa Lepselter. Diseño de producción: Alain Bainée.
Vestuario: Sonia Grande.
“Vicki Cristina Barcelona” tiene una gran virtud, así de entrada, y es que apenas dura hora y veinte con lo que uno se queda con ganas si está de sí o consigue escapar del cine justo a tiempo de empezar a subirse por las paredes si está de non.
A parte esta película tiene una peculiaridad y es que un Wooody Allen muy poco Wooody Allen o, siendo más precisos, un Woody Allen menor aunque en el guión se note su pluma y uno perciba en más de un diálogo que Bardem es como una versión españolizada de los típicos protagonistas de las comedias de enredo sentimental del director y que Johansson, Hall y Cruz también cumplen el papel que Allen suele reservar a sus personajes femeninos.
Da la sensación y es una sensación que he tenido viendo la película en algún momento de altibajo, porque esta película los tiene, que el argumento es una anécdota estirada con la que se pretende homenajear a una ciudad y un país que se nota en cada fotograma que maravilla a este director, aunque sólo sea por generosidad con quienes tan bien acogen sus películas. Dicen de hecho las revistas especializadas que el revuelo cuando filmaba fue tremendo. Y pienso que es una idea “estirada” porque argumentalmente no le ha dado para mucho y, como en muchas de sus películas, importan más las situaciones y los diálogos que la historia en sí.
La verdad es que lo que se nos cuenta es un poco lo de siempre en tantas y tantas comedias sentimentales que ya hemos visto de Woody Allen, está vez aderezado con un punto latino, con el descaro y el desparpajo del galán Juan Antonio, con la intensidad pasional de María Elena (casi más italiana que española), con el equilibrio que se derrumba de Vicky, con la inocencia curiosa de Cristina y de fondo con Barcelona, pero no una Barcelona cualquiera sino la que le gusta a Allen marcada por la impronta de Gaudí y una España retratada con tonos cálidos, días soleados, monumentos turísticos resplandecientes y lugares de encuentro en los que el vino aparece en cada mesa.
Sólo por el homenaje que ha querido hacer hay que ver esta película con una cierta simpatía, pero si nos ponemos muy puntillosos hay que reconocer que es un título menor en la filmografía del director. Parece una película hecha por cumplir y no me refiero a cumplir con nosotros, ni con España, ni con Barcelona, sino para cumplir consigo mismo o con su estudio, como si fuera para él una obligación hacer una película al año. Ésta vez su guión se ha visto perjudicado por ello y tan sólo ha conseguido tres o cuatro secuencias estelares de esas que encantan a la platea como el momento en que María Elena dispara y los golpes de ingenio que le caracterizan han quedado reducidos, pero no obstante Allen si ha contado con un reparto que por sí solo consigue sobredimensionar ciertas secuencias y eso que seguramente yo no he podido disfrutarlo al máximo porque esta película hay que verla en versión original y yo no lo he hecho (¿Por qué la habrán doblado? ¿No hubiera quedado incluso mejor subtitulada? Bueno sí, ya sé, eso no vende).
En cualquier caso guste más o menos, a mí me parece de visión obligada si te gusta Woody Allen aunque no tanto si uno va al cine a ver la creme de la creme (no se llega a tanto, es un título más discreto) y tiene sus detalles para el recuerdo, ese triángulo entre Johansson, Cruz y Bardem, la presencia de estos dos últimos en el cine de Woody Allen, las reflexiones sentimentales que brotan de los diálogos y por su puesto esas imágenes de Barcelona y Oviedo con “Entre dos aguas” de paco de Lucía o “Barcelona” de Giulia y los Tellarini de fondo poniendo música al pasear de los personajes entre monumentos de Gaudí.
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