Trailer - "Bajo la superficie" (Netflix, 2026)

"Señora Doubtfire" (Chris Columbus, 1993)

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"Señora Doubtfire" forma parte de un puñado de comedias para toda la familia que no son grandes películas, pero funcionan a la perfección entre el público como entretenimiento amable con cierta moraleja. Chris Columbus sabía mucho de este tipo de cine familiar y rodó unos cuantos títulos de éxito entre los que se podrían destacar "Solo en casa" (1990), con un tono más dramático "Quédate a mi lado" (1998) o, en tono fantástico, las dos primeras entregas de la saga de "Harry Potter". La clave del éxito en esta ocasión es un Robin Williams inolvidable, con un maquillaje oscarizado, que es capaz de bordar el papel de niñera para mantenerse cerca de sus hijos mientras se suceden todo tipo de situaciones comprometidas que pueden hacer explosionar el conflicto familiar que late durante todo el metraje. El éxito comercial fue espectacular porque el tono, el sentido del humor muy de su època y el equilibrio entre comedia y drama están francamente logrados. No es redonda, porque en realidad el engaño es poco creíble, pero lo damos por bueno gracias al magnífico rato que nos hacen pasar.

"Un rostro de mujer" (George Cukor, 1941)

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#Cine #GeorgeCukor #JoanCrawford #MelvynDouglas #ConradVeidt #OsaMassen #ReginaldOwen #AlbertBassermann #CineMelodrama #CineNegro #CineSuspense #CineJudicial

Adaptación de la obra de teatro de  “Il était une foi” (1933) del dramaturgo belga Francis de Croisset, es básicamente un drama de cine negro ambientado en Suecia que mezcla suspense psicológico y melodrama en torno a una mujer acusada de asesinato que se somete a una operación de cirugía. Lo interesante de la película es, por un lado el clima de intriga judicial y, por otro lado, una pregunta que palpita en el argumento en todo momento ¿puede realmente una persona cambiar su manera de vivir cuando deja de ser rechazada por los demás? Con estas dos premisas George Cukor construye una puesta en escena elegante y sofisticada, con un expresivo blanco y negro, y una narración de irresistible interés en la que la protagonista se debate en un conflicto moral entre varios estados de ánimo  y decisiones vitales, que le permiten a Joan Crawford hacer uno de los papeles más complejos y aplaudidos de su carrera.

"El puente de Cassandra" (George Pan Cosmatos, 1976)

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#Cine #GeorgeP.Cosmatos #SophiaLoren #RichardHarris #MartinSheen #O.J.Simpson #IngridThulin #LeeStrasberg #AvaGardner #BurtLancaster #CineSuspense #CineCatastrofista #CineDrama

Se trata de una de las películas más representativas del cine de catástrofes de la segunda mitad de los años setenta e incluye además aspectos conspirativos, que en aquel momento estaban bastante de moda. Trata sobre una epidemia mortal localizada en un tren que viaja por Europa y lo que las autoridades están dispuestas a hacer para evitar que dicha enfermedad se extienda. Fue una producción con muchas complicaciones en la que pusieron dinero la Alemania ocidental, el empresario británico Lew Grade y el productor italiano, Carlo Ponti. La idea era reunir a un reparto de relumbrón (cosa que consiguieron) para ofrecer un entretenimiento de suspense in crescendo con trasfondo político que pudiera competir con los títulos norteamericanos. El resultado cumple bastante bien su propósito, pero la película es un tanto irregular y tiene altibajos de interés y de coherencia interna a causa de un guión que no es tan redondo como pretendía. En cualquier caso un título interesante de ver que posee una atmósfera de inquietud, eso sí, bastante lograda.  

BSO - "Bailando con lobos" (Kevin Costner, 1989)

 

"John Dumbar theme"  #JohnBarry #BSO #Soundtracks

Grandes escenas - "La batalla de Midway" (Jack Smight, 1976)

 

 #escenas #CharltonHeston #JackSmight

BSO - "Memorias de África" (Sidney Pollack, 1985)

 

"Flying over Africa"  #BSO #Soundtrack #JohnBarry

Trailer - "El confidente" (Daniel Calparsoro, 2026)

"El secreto del libro de kells" (Tomm Moore, Nora Twomey, 2009)

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#Cine #CineAnimación #CartoonSaloon #TommMoore #NoraTwomey  

En un universo de la animación dominado por Disney, el anime y las nuevas técnicas 3D por ordenador la productora irlandesa Cartoon Saloon se lanzó a una propuesta completamente diferente y disruptiva: dibujo bidimensional, líneas geométricas y motivos ornamentales homenajeando la orfebrería e inspirados en el arte celta y medieval. Lo que lograron fue una película atípica, de un aroma añejo muy especial, visualmente hipnótica que probablemente disfrutará más un público adulto que sepa apreciar lo arriesgado de la apuesta. Cierto es que la historia fantástica sobre el niño que vive en un monasterio irlandés del siglo IX y protege un manuscrito ante la inminente llegada de los bárbaros es bastante sencilla y la pueden disfrutar niños ya no muy pequeños, pero todo lo que tiene que ver con la estética visual lo gozarán más los espectadores con más experiencia y bagaje en el género. Sea como fuere, una auténtica delicia, muy apreciable desde una perspectiva artística (trazo, color, diseño, banda sonora) y que se ve en un suspiro como cuento fantástico porque dura poco más de una hora. La película fue nominada en los Óscars a mejor película de animación y tuvo notable reconocimiento internacional.

"Diamantes en bruto" (Ben Safdie, Joshua Safdie, 2019)

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La acogida crítica de esta película de los hermanos Safdie fue bastante positiva. El caso es que propone ir detrás de un joyero neoyorquino adicto al riesgo y las apuestas durante unas horas y lo hace con una atmósfera mayoritariamente nocturna, una fotografía "sucia" y un tono claustrofóbico que no hacen que el visionado sea ni amable ni agradable, sino más bien todo lo contrario (muy marca de la casa de Netflix). Podemos considerarla más verosímil que realista y está en las antípodas de ese cine "amable" que se estilaba en otros tiempos porque todo resulta incómodo y se basa en discusiones a grito pelado, interrupciones, personajes que se pisan unos a otros en la conversación, un ir y venir constante que termina por ser estresante para el espectador, violencia que irrumpe sin permiso.... El ritmo y el montaje potencian todas esas sensaciones y además tenemos un protagonista (fantástico en esta ocasión Adam Sandler) con el que va a resultar bastante complicado empatizar por su incesante berborrea, su personalidad temeraria e irresponsable y su caótico comportamiento. Dicho todo esto no dan muchas ganas de verla, pero precisamente su estilo es, en teoría, su baza a favor porque muchas veces el cine también te permite vivir en cabeza ajena situaciones que quizás nunca vivirías en tu vida y donde te mete ésta es en el pellejo de un personaje que vive en continua ansiedad. Así que si te gusta el cine experimental que explora propuestas distintas ésta película podría gustarte y, al contrario, si ves cine para entretenerte o buscar argumentos edificantes no lo hará. Uno de esos títulos que te parecen mejor cuando los piensas a fondo que cuando los estás viendo.

"Conspiración" (Richard Donner, 1997)

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La sociedad estadounidense entró en el mundo de la conspiranoia hace ya muchos años. Los años sesenta y setenta estuvieron plagados de sucesos históricos en EEUU que les hicieron ser conscientes de los manejos del poder y de lo que se operaba entre bambalinas y para desprestigiar estas ideas empezaron a tacharlas de "teorías de la conspiración" (ya se sabe que una teoría no es un hecho cierto ni probado). El caso es que en ese statu quo social el avispado productor Joel Silver contactó con Richard Donner para lanzar una película a medio camino entre lo paródico y el thriller que prometía convertir en entretenimiento de acción un guión de Brian Helgeland sobre un taxista atrapado en una peligrosa conspiración. La película arranca fuerte, con un Mel Gibson histriónico y aparatoso, también vulnerable y divertido, investigando en periódicos y enamorado del personaje de Julia Roberts. Digamos que plantea un montón de ingredientes interesantes a varios niveles, pero por desgracia el guión, que arranca con un prometedor "¿Y si si?" va entrando progresivamente en un desarrollo lleno de casualidades, cada vez menos verosímiles, y la narración sucumbe en un tramo final bastante convencional y mucho menos interesante de lo que prometía. Vamos, la típica película de acción de los noventa, que te apetece ver, que ves con cierto interés, pero que finalmente te ofrece menos de lo que esperabas. Das por bueno el entretenimiento, pero te defrauda un poco. Lo mejor: los créditos iniciales ;)

"Godzilla: minus one" (Takashi Yamazaki, 2023)

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Después de varias películas norteamericanas sobre "Godzilla" con unos efectos especiales apabullantes pero unos guiones penosos, la propuesta japonesa de Takashi Yamazaki, ambientada en el Japón de la postguerra mundial, pretendía integrar mejor a los personajes humanos y ofrecer más intensidad dramática. Su objetivo lo consigue y la película no es sólo de acción y de Godzilla, también habla sobre la culpa, el trauma de la guerra y la reconstrucción de un país, con tono fantástico igualmente, pero más verosímil. Y algo muy importante, Godzilla vuelve a dar miedo porque las consecuencias de su poder destructivo realmente importan.  Lamentablemente las virtudes de la película no se concretan en un drama tan emocionante como se pretende, quizás porque los actores simplemente cumplen y la acción no logra ir mucho más allá de sus predecesoras. Al final acaba siendo una película desigual e irregular, no obstante tuvo un importante éxito de público, la crítica la considera una de las mejores entregas del monstruo y consiguió el Óscar a mejores efectos visuales, un tortazo a mano llena para los estudios, después de años poniendo toda la carne en el asador en ese sentido y sin conseguirlo.

Grandes escenas - "Sin remisión" (John Cromwell, 1950)

 

 #escenas #JohnCromwell #EleanorParker #AgnesMoorehead

BSO - "La insoportable levedad del ser" (Philip Kaufman, 1988)

 

 "The Holy Virgin of Frydek" (Leos Janacek)     #BSO #Soundtracks 

Trailer - "Las nuevas desventuras de Cliff Booth" (David Fincher, 2026)

 

 #trailes

"Adiós pequeña adiós" (Ben Affleck, 2007)

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Ben Affleck arrancó muy fuerte su carrera como director con esta adaptación de la novela homónima de Dennis Lehane, también autor de "Mystic river", con cuyo argumento tiene algunos aspectos en común. La película, rodada casi íntegramente en los barrios obreros de Boston, rezuma realismo y atmósfera urbana, aunque Affleck no lleva ese tono realista a las últimas consecuencias y apuesta por un estilo clásico de filmación. Más que el tono lo importante es un guión (del propio Affleck con Aaaron Stockard) que arranca como policiaco sobre la búsqueda de una niña desaparecida, juega con un cierto suspense y el dramatismo social propio de la situación y plantea finalmente un dilema moral de calado que no puede dejar indiferente a nadie e invita a reflexionar sobre la justicia y el bienestar infantil. Como no podía ser de otra manera en un drama de este estilo, los actores tienen una vital importancia y Affleck logra un reparto magnífico que se luce y mantiene la tensión de inicio a fin. Eso sí, el tramo final pierde un poco de la fuerza inicial y hay que advertir al espectador que ha de fijarse en los nombres de los personajes porque la trama llega a ser algo enrevesada en algún momento. Amy Ryan fue nominada como mejor actriz secundaria en los Óscars.

"La bola negra" (Javier Calvo, Javier Ambrossi, 2026)

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El reconocimiento a Javier Calvo y Javier Ambrossi como mejores directores por esta película en Cannes y los que van a llegar en forma de Goyas, Óscars y otros premios no son casualidad ni capricho. Les avalan series como "Paquita Salas" (2016), "La Veneno" (2020) y "La mesías" (2023) y su ópera prima cinematográfica "La llamada" (2017) que pueden gustar más o menos, pero son valientes, trangresoras, se notan trabajadas, conmueven y están filmadas con muy buenas ideas para enganchar al espectador. A esas virtudes añaden en "La bola negra" la capacidad para hilar, en una narración hipnótica y con una atmósfera muy especial, tres historias en tiempos distintos que terminan confluyendo en un grito al viento: «No hay nada más doloroso que vivir negando quién eres para encajar en una sociedad que no te acepta; la verdadera libertad comienza cuando dejamos de sentir vergüenza de nuestra propia identidad». No recuerdo una película que trate con más tino y sensibilidad la homosexualidad, ni siquiera las mejores de Almodóvar porque, en realidad y, aunque es la protagonista de todo el relato, no se centra en sublimarla, más bien habla de sentimientos reprimidos, de dolor, de aceptación, de emociones que cualquier ser humano puede comprender sea cual sea su condición. Evidentemente los dos directores, que también son coguionistas con Alberto Conejero, se posicionan a varios niveles (con los que estarás en sintonía o no) y ponen contexto a parte de su historia en la guerra civil española usando muy brevemente la figura de Federico García Lorca (todo parte de una obra suya inacabada), lo cual implica irremediablemente crear debate....francamente, creo que es lo de menos, aunque para muchos será lo de más. Para mí lo importante es cómo ponen en imágenes su idea, cómo entrecruzan personajes y tiempos narrativos, como idean cada escena para que sea especial y nos haga tener interés por el relato. A veces es con una pieza musical, a veces con un diálogo intenso, a veces con dos o más actores (mucho y muy bueno que hablar sobre todos ellos) que dan lo mejor de sí mismos en una conversación en apariencia banal, a veces con una escena simbólica, a veces con un plano preciosista lleno de luz o color....el caso es que el cine es exactamente eso, tener algo que decir y contarlo de la mejor manera que sabes en una pantalla para que los espectadores entiendan tu mensaje y disfruten mientras la narración avanza. No es una película perfecta, no está entre mi puñado de preferidas, pero la disfruté mucho y me conmovió. Creo que esa era la intención. Ahora vendrán los premios....tiempo al tiempo.

Trailer - "Paper tiger" (James Gray, 2026)

 

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Trailer - "El debut" (Jesse Eisenberg, 2026)

 

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Trailer - "El peso de la libertad" (Padraic McKinley, 2026)

 

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