"Acción ejecutiva" (David Miller, 1973)

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Las teorías de la conspiración no son patrimonio de nuestra actualidad, EEUU vivió durante los años sesenta y setenta suficientes hechos históricos como para generar un puñado de ellas que acabaron guionizándose y convirtiéndose en un género en sí mismo. Son unas cuantas, pero yo destacaría "El mensajero del miedo" (John Frankenheimer, 1962), "Siete días de mayo" (John Frankenheimer, 1964), "Los tres días del cóndor" (Sydney Pollack, 1975), "Marathon Man" (John Schlesinger, 1976), "Todos los hombres del presidente" (Alan J. Pakula, 1976), "Capricornio Uno" (Peter Hyams, 1977), "Coma" (Michael Crichton, 1978), "Los chicos de Brasil" (Franklin J. Schaffner, 1978) o "El síndrome de China" (James Bridges, 1979). Dentro de este grupo "Acción ejecutiva", con guión del siempre interesante Dalton Trumbo, es un thriller político con un marcado tono pseudodocumental (hay muchas imágenes reales) que pone sobre la mesa la posibilidad de que el asesinato de Kennedy estuviera planificado por un poderoso lobby. El tema es apasionante y antecede a la brillantísima "JFK" (Oliver Stone, 1991), pero así como aquella incorpora emotividad y dramatismo, en este caso la película le resulta al espectador fría, distante y extremadamente sobria por lo que va perdiendo interés, cuando no debería. Se podría decir que el debate que provoca merece mucho más le pena que el propio visionado, máxime para un espectador actual poco acostumbrado a aquel cine político que se le puede "hacer bola".

"Nevada Smith" (Henry Hathaway, 1966)

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A partir del personaje que ya había interpretado Alan Ladd en "Los insaciables" (Edward Dmytryk, 1963) hacen una especie de secuela presentando sus orígenes. El papel le venía como anillo al dedo a un Steve McQueen especializado en tipos rebeldes de intensidad contenida siempre a punto de explotar porque interpreta a un mestizo que busca venganza (no voy a decir por qué) para recomponer su dignidad. El argumento plantea básicamente una aventura personal y es muy básico pero efectivo, una suerte de aprendizaje moral que se desarrolla a lo largo de unos cuantos años y en varios actos y que le permite a Hathaway homenajear el universo del western. Aunque la película, en mi opinión, va de más a menos, y tiene altibajos, el recorrido es cuando menos entretenido y tiene el plus de recorrer varias localizaciones naturales de distinto pelaje que le dan a la narración un notable encanto y fisicidad. 

"La torre de los ambiciosos" (Robert Wise, 1954)

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Adaptación de la novela de Cameron Hawley que cuenta como una compañía afronta la sustitución de su antiguo jefe y el modelo de empresa que se impondrá a partir de ese momento, así que básicamente es una batalla entre los "ambiciosos" del título. Para dar vida a los personajes Metro Goldwyn Meyer reunió a un reparto imponente que logra transmitir a la perfección la maraña de relaciones e intereses que se da entre los ejecutivos protagonistas. Se trata de un drama empresarial sobre el poder que representa muy bien las líneas maestras del Hollywood clásico: un buen guión, grandes actores, una puesta en escena elegante e impecable y una moraleja o enseñanza moral que late al final relacionada con los valores frente al poder. La película parece lanzar la idea que no importa tanto saber quién puede dirigir una firma, sino con qué objetivo, es decir, no importa tanto quién ocupa finalmente la cúspide de la torre, sino qué hará con su poder. Consiguió 4 nominaciones en los óscars (mejor actriz secundaria, fotografía en blanco y negro, dirección artística en blanco y negro y vestuario).

Grandes escenas - "Tres camaradas" (Frank Borzage, 1938)

 

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Trailer - "Digger" (Alejandro González Iñárritu, 2026)

 

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"Los tres padrinos" (John Ford, 1948)

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Fiel a su habilidad para describir el oeste americano y sus gentes, John Ford, deslumbra con sus imágenes del desierto y a la vez logra mostrar las contradicciones de una época en la que tres tipos no tienen escrúpulos para robar un banco, pero son incapaces de abandonar a su suerte a un bebé desamparado y tan civilizados como para aceptar un café de una buena mujer del pueblo en el que cometen su delito. La curiosidad es que la película, que es nueva versión de otra que el propio Ford había rodado en 1919 "Marked men", arranca como un western con aroma a aventuras, pero acaba siendo contra todo pronóstico un cuento de navidad repleto de ternura y sensibilidad en el que los forajidos vendrían a ser algo así como los reyes de oriente de esta historia. Como sucede siempre con el director sus personajes rezuman humanidad, una inocencia algo cómica, sentido del honor y nobleza y jamás faltan a la palabra dada, por lo que terminan conmoviendo al más pintado. No es uno de los grandes títulos de la filmografía de Ford y se podría considerar realmente un western menor, pero todo lo que hacía era especial y esta película lo es porque a fin de cuentas es una párabola religiosa con fuerte poso sentimental y moral que habla sobre la redención y el bien.

"La calle del misterio" (John Sturges, 1950)

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A pesar del fracaso comercial en el momento de su estreno (puede que por la falta de estrellas en cartel) se trata de un notable policiaco de cine negro, con un blanco y negro expresionista visualmente potente y un interesante argumento en el que conocemos desde un principio al culpable y el interés radica en saber si la policía, encabezada por un jovencísimo y elegante Ricardo Montalbán, logrará atar los cabos para descubrir una verdad que parece esquiva. Como curiosidad destacar que se trata de una de las primeras películas en mostrar como la medicina legal puede ayudar a resolver crímenes, anticipando series posteriores como CSI. Es un título poco conocido del director e incluso del género, pero no tiene nada que envidiar a otras propuestas similares, es efectiva, corta en duración y por ello mismo va directa a lo importante que es crear un clima de suspense sugerente, cosa que consigue. Por último destacar la actuación de Elsa Lanchester y decir que fue nominada al óscar a la mejor historia. 

"Guy Ritchie: el pacto" (Guy Ritchie, 2023)

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A pesar de que hayan puesto su nombre en el título, cosa que me parece bastante innecesaria, Guy Ritchie se desmarca de sus señas de identidad, su habitual montaje frenético con toques de humor negro, y se pone serio y dramático para contar con un estilo "clásico", sobrio, realista y directo, el último servicio de un sargento estadounidense en Afganistán. Estrenada directamente en Amazon sin pasar por los cines, se trata de uno de los títulos más logrados del director que, a pesar de contar un argumento que resulta familiar a los amantes del género bélico y de perder algo de fuerza en su tercer acto, logra enganchar y sorprender gracias a la tensión interna del desarrollo y a una narración en la que la acción se vincula a la supervivencia y permite comprender el agotamiento, la confusión y el peligro propios de la guerra. Además la historia que cuenta está basada en historias reales de afganos que colaboraron con las fuerzas estadounidenses e ilustra una relación de amistad y honor más allá de los intereses institucionales, por lo que finalmente conmueve y tiene una dimensión humanística más allá del horror del conflicto bélico. 

Grandes escenas - "La pantera rosa" (Blake Edwards, 1964)

 

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Grandes escenas - "Sólo los ángeles tienen alas" (Howard Hawks, 1939)

 

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Trailer - "Bad apples" (Jonatan Etzler, 2025)

 

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"Romería" (Carla Simón, 2025)

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Carla Simón mantiene el tono naturalista de sus anteriores películas, pero en esta ocasión incorpora novedades interesantes en su evolución como directora. Por un lado un suspense interno que emparenta la película argumentalmente con algunos títulos clásicos del cine español como "El sur" (Víctor Erice, 1983) o "Secretos del corazón" (Montxo Armendáriz, 1997) por cuanto se indaga en el pasado de los padres de la chica protagonista, que viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre. Por otro lado y, en su tramo final, la película abandona el tono realista y se lanza a imaginar dando una explicación alegórica de lo que pudo haber sido...Es un juego fílmico lícito, valiente y admirable desde el punto de vista de la crítica cinematográfica, pero también provoca que el interés vaya en línea descendente, al menos en mi caso. Lo que inicialmente me intriga y seduce, ese pasado turbio y que se intuye dramático desemboca en un giro final experimental de tono onírico que a algunos les parecerá desconcertante y que a mí no acaba por conmoverme, cuando intuyo que sí pretendía conseguirlo. Sea como fuere un título de autor con suficientes atractivos para el público más cinéfilo y algunos menos para quien no le gusten las películas contemplativas, ya que básicamente relata un proceso de descubrimiento personal que se toma su tiempo. Consiguió 6 nominaciones en los Goya (mejor dirección, actriz de reparto, actor y actriz revelación, guión adaptado y diseño de vestuario).

 

BSO - "Los intocables de Elliot Ness" (Brian de Palma, 1987)

 

 "The Strength of the Righteous" (Ennio Morricone) #EnnioMorricone #escenas #soundtracks

BSO - "Romeo + Julieta de William Shakespeare" (Baz Luhrmann, 1996)

 

 "Young hurts run free" (Kym Mazelle) #KymMazelle #canciones

"Nuremberg" (James Vanderbilt, 2025)

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Dos horas y media para sumergirse de nuevo en los juicios de Nuremberg y contárnoslos esta vez poniendo el foco en el choque psicológico entre el abogado Douglas Kelley y la mano derecha de Hitler, Herman Goring, es decir un duelo interpretativo entre Rami Mallek y Russell Crowe. A priori una propuesta sugerente como poco y lo es, máxime cuando la puesta en escena está muy cuidada, el reparto tiene pedigree y actualiza un tema que no por trillado deja de ser interesante. El caso es que en la comparación con "Vencedores o vencidos" (Stanley Kramer, 1961) sale perdiendo clarísimamente, para desgracia de los que peinamos canas y ya hemos visto mucho cine. Es una producción esmerada, consciente de que trata un asunto histórico relevante y se nota que todos han puesto máximo empeño en ofrecer un buen trabajo, eso nos llega como espectadores, pero no logra trascender a lo magistral, carece de la magia de las grandes películas y en mi opinión es correcta, sin más. Un título que se puede ver, narrativamente es muy asequible, pero pretende tratar demasiadas cosas, se hace larga y resulta dispersa.

"28 años después: el templo de los huesos" (Nia DaCosta, 2026)

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Parece evidente que la razón de rescatar esta saga no era hacer meras historias de terror zombies al estilo de "Walking dead" o "The last of us". Alex Garland al guión lo deja claro asumiendo muchos riesgos en esta entrega que se lanza hacia una trama diferente a la entrega previa, igualmente de terror psicológico, pero que trata de jugar con la idea de que el verdadero peligro no es el contagio, sino la maldad que habita en los seres humanos. Para ello construye una historia macabra, incómoda, trufada de momentos cruentos, muchos desagradables y cercanos al gore, en la que los personajes se mantienen permanentemente lidiando con la locura, la violencia y el fanatismo y en la que una religión demoniaca cobra especial significado en un mundo devastado. Se dibuja un escenario postapocalíptico deshumanizado y despiadado en el que apenas se empatiza con un par de personajes y el mal lo preside todo...Como propuesta para el debate puede valer, pero es una película de visionado difícil y, francamente, sólo la salvo mínimamente por Ralph Fiennes, pero para mi gusto no todo vale. Lo peor es que la historia ni siquiera se cierra y queda abierta para nuevas entregas, así que si quieres saber el desenlace final te vas a tener que tragar otra peli más como mínimo. Sólo te parecerá bien si lo tuyo es el morbo.

 

"Turno de guardia" (Petra Biondina Volpe, 2025)

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Coproducción suizo-alemana que, con un tono marcadamente verosímil a modo de "película-experiencia", persigue a una enfermera a lo largo de su turno de guardia en un centro de salud privado. Es una de esas propuestas que hay que ver por su valor pedagógico, porque consigue hacer vivir en carne propia la falta de recursos de la sanidad (algo sobre lo que da datos concretos en los créditos finales) y porque muestra las dificultades por las que han de pasar unos profesionales sanitarios sobrepasados, que soportan una carga emocional y un estrés laboral difíciles de comprender de otro modo, en un trabajo que requiere humanidad pero también eficiencia. Una precisa puesta en escena con la cámara entrando en el hospital y siguiendo a la protagonista, a menudo en plano secuencia, y la actriz Leonie Benesch (tan fantástica como ya estuvo en "Sala de profesores") son los dos grandes aciertos que consiguen ese pequeño milagro que es hacernos sentir la vulnerabilidad, el desgaste progresivo, la responsabilidad moral y a la postre el agotamiento físico y mental que se trata de mostrar. El resultado es una película magnífica que hace un análisis exhaustivo y realista de la profesión, que se ve con creciente interés, que no resulta desagradable de ver aunque el trasfondo sea siempre dramático y que finalmente te conmueve de un modo intenso.

Grandes escenas - "Cantando bajo la lluvia" (Stanley Donen, Gene Kelly, 1952)

 

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BSO - "Grease" (Randal Kleiser, 1978)

 

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Trailer - "Fall 2: deadpoint" (Michael Spierig y Peter Spierig, 2026)

 

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