"El síndrome de China" (James Bridges, 1979)

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Diversas películas de los años setenta buscaron argumentos de impacto  para el público a través de las catástrofres. Es el caso de "Aeropuerto" (George Seaton, 1970), "La aventura del Poseidón" (Ronald Neame, 1972), "Terremoto" (Mark Robson, 1974), "El coloso en llamas" (John Guillermin, 1974), "Meteoro" (Ronald Neame, 1976) o "El enjambre" (Irwin Allen, 1977). "El síndrome de China" producida por Michael Douglas y Jane Fonda, declarados activistas antinucleares, no sólo quería sumarse a un género especialmente pensando para entretener (o asustar) al gran público sino que pretendía además concienciar en un contexto en el que el debate sobre el tema estaba en el aire en Estados Unidos. Curiosamente lo que podría haber sido una película excesivamente alarmista terminó anticipando un accidente nuclear real, el de Three Mile Island (Pensilvania), que tuvo lugar doce días después de su estreno y la importancia de este proyecto se sobredimensionó. Con un potente reparto funciona bien a los dos niveles: como thriller de suspense gracias a su tensión in crescendo y como alegato de denuncia no ya sólo contra las nucleares, sino también contra la corrupción empresarial y la manipulación de la información dejando claro que sólo un periodismo valiente que se atreva a decir la verdad puede contrarrestar la tendencia del poder a ocultar las cosas bajo "la alfombra" por puro interés. Consiguió cuatro nominaciones en los óscars: Jack Lemmon (mejor actor), Jane Fonda (mejor actriz), guión original y dirección artística. 

"Fuga de Alcatraz" (Don Siegel, 1979)

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#ClintEastwood #DonSiegel

Hay muchas y muy buenas películas de tema carcelario y así a bote pronto recuerdo "La gran evasión" (Jean Renoir, 1937), "Un condenado a muerte se ha escapado" (Robert Bresson, 1956), "La evasión" (Jacques Becker, 1960), "La gran evasión" (John Struges, 1964),"Cadena perpetua" (Frank Darabont, 1994) o "Celda 211" (Daniel Monzón, 2009), pero ésta aunque esté quizás uno o dos escalones por debajo ni desmerece ni debe pasarse por alto. Máxime ahora mismo, con los tiempos que corren, que ver al duro de Clint Eastwood con la voz de Constantino Romero es un auténtico regalo para los que somos de generaciones ya entradas en años. Lo que es la huida en sí le veo algún pero y sin embargo el relato se basa en hechos reales, los que motivaron el definitivo cierre de Alcatraz; pero lo que es el intríngulis de relaciones personales dentro de la cárcel me sigue hipnotizando como en visionados anteriores. Esa determinación a no dejarse pisotear de Frank Lee Morris, la capacidad para conectar con el resto de reclusos y urdir su plan y ese peculiar aroma a cine de los setenta me fascinan.

"The warriors" (Walter Hill, 1979)

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No resiste un análisis serio de su argumento, pero no pretende ser eso, más bien busca ser un entretenimiento macarra con cierto aire onírico y su ambientación nocturna a veces le da cierto tono de pesadilla. Arranca y avanza a partir de viñetas como surgiendo de un cómic y logra hacerte penetrar en un Nueva York repleto de pandilleros y bandas de la jungla urbana en el que el grupo protagonista (Los Warriors) tratan de regresar a Coney Island de una pieza en una particular odisea. Con el tiempo se ha convertido en una película de culto y en un icono de los años 80's que tuvo gran influencia en la cultura pop dejando su huella en videojuegos diversos, videoclips como "Beat it" o "Bad" (ambos de Michael Jackson) o películas como "¡Jo, que noche! (Martin Scorsese, 1985). No creo que sea una de las películas favoritas de casi nadie, pero su simplicidad argumental es compensada por un potente impacto hipnótico y una narrativa ágil e imprevisible en todo momento. Como trasfondo una idea inquietante para el poder, pero que dura apenas un discurso....si los desfavorecidos se unieran serían imparables.

"Mamá cumple cien años" (Carlos Saura, 1979)

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Seis años después de "Ana y los lobos" (1976), Carlos Saura retoma personajes y localización con Rafael Azcona ayudándole de nuevo al guión,  para contar la celebración de centésimo cumpleaños de la madre de la familia. En realidad es una nueva escusa para hablar en clave de metáfora sobre España y sobre la sociedad del momento desde un punto de vista cómico y satírico, marcadamente caricaturesco. Particularmente me convence menos que la primera, pero hay que reconocer lo bien que mezclan ese cocktail de personajes variopintos con esos chorritos de esperpento, erotismo, melancolía y realismo mágico. El argumento en sí mismo es un despropósito de lo más exótico que muchas veces raya en lo absurdo y lo grotesco, lo interesante es sacarle jugo también a la lectura entre líneas. Acabado el franquismo y sus costumbres, ya añejas y desfasadas, es tiempo de cambio, de apertura al exterior, de liberación sexual...La película quedará en el recuerdo por una magnífica Rafaela Aparicio y por esa imagen un tanto surrealista y ya icónica del cine español descendiendo en su sillón. Fue nominada a mejor película de habla no inglesa en los óscars, pero ese año ganó "El tambor de hojalata" (Volker Schlöndorff, 1979).

"All that jazz (Empieza el espectáculo)" (Bob Fosse, 1979)

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Seguramente uno de los musicales más injustamente olvidados en el imaginario colectivo. Es cierto que su argumento, en torno al proceso de deterioro personal de un coreógrafo y director de teatro adicto al trabajo, perfeccionista, egocéntrico y mujeriego que interpreta magníficamente Roy Scheider, no es el mejor gancho para atraer espectadores y también es cierto que, puestos a comparar, su director logró un resultado más redondo y memorable con "Cabaret" (1972); pero hay que reconocer que el trabajo en producción, montaje y en un guión en el que Fosse parece psicoanalizar tanto a su profesión como a sí mismo (al modo que Fellini hizo en "Ocho y medio"), son sobresalientes. Además como musical funciona bastante bien con números quizás no tan populares como los de otros clásicos, pero con una fuerza innegable que deben formar parte de cualquier antología del género (y son un puñado entre los que destacan el Opening, el número final y el "Take off with us"). Particularmente me gusta menos su tramo final, más dramático, que se regodea con cierta ironía en el estado terminal del protagonista, pero debo reconocer que es una película en cierto modo hipnótica. Consiguió 4 óscars (mejor montaje, canción original, diseño de producción y vestuario) y recibió otras 5 nominaciones (mejor película, dirección, actor principal, guión original y fotografía).

"Kramer vs. Kramer" (Robert Benton, 1979)

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Drama costumbrista cuya principal virtud fue llegar en el momento preciso para convertirse en un gran éxito popular. A pesar de que el argumento es sencillo (trata sobre un joven pareja en proceso de separación) la película funciona a las mil maravillas porque cualquier espectador empatiza rápidamente con los personajes e identifica el problema que plantea como algo cercano (en cabeza propia o ajena), porque la sucesión de escenas tienen el ritmo, tempo  y la mezcla de drama y comedia adecuadas para entretener y porque Dustin Hoffman, Meryl Streep y Jane Alexander aciertan con interpretaciones tan verosímiles como conmovedoras. De alguna manera fue un título que inauguró un género con gran taquilla en los años 80's y 90's basado en historias sobre gente normal tamizadas con un alto componente sentimental. La clave del éxito fue, probablemente, que tras años de cine político y de autor  había un amplísimo público deseando accader a este tipo de historias cercanas a su día a día, con problemas cotidianos como pueda ser el impacto emocional de una ruptura y en concreto las ideas sobre los roles en el hogar estaban cambiando y de ardiente actualidad. La película venció en los óscars derrotando a "Apocalypse now" y cosechó 5 premios (película, director, actor, actriz secundaria y guión) y otras 4 nominaciones sin estatuilla (actor secundario, actriz secundaria, montaje y fotografía). Añadir que otra prueba más de su oportunidad es que Dustin Hofmann y Meryl Streep ganaron sendos óscars que de haber estrenado otras películas posteriores antes quizás no hubieran conseguido. No lo digo porque sus interpretaciones no sean magníficas, sino porque, bajo mi punto de vista, otras mejores quedaron sin premio pero llegaron a destiempo.

"La vida de Brian" (Terry Jones, 1979)

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Para mucha gente una de las mejores comedias de la historia del cine y sin duda de lo mejor que hizo el grupo cómico británico Monty Python con permiso de su serie televisiva "Monty Python flying circus". El nacimiento de Brian en Belén el mismo día que Jesucristo es el punto de partida de un argumento lleno de equívocos que aprovecha a las mil maravillas la capacidad de los John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle, Terry Jones y Terry Gilliam para montar gags disparatados, irreverentes, absurdos y paródicos como aquel de "Pijus magníficus" o esa crucifixión en la que todos los cricificados cantan ese himno inolvidable que es el "Always look on the bright side of life"; aunque la película entera es un rosario de grandes escenas.

"Las verdes praderas" (José Luis Garci, 1979)

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Nunca especialmente considerada en la filmografía de Garci quizás por su argumento, aparentemente sencillo, con suave tono de comedia y corte costumbrista sobre una familia acomodada de Madrid que acude a un chalet en el pueblo a pasar un fin de semana a finales de los años 70. Sin embargo es un perspicaz viaje nostálgico a la época a la par que una crítica a la burguesía española de la transición y al propio ser humano, nunca conforme pese a estar en el mejor momento de su vida y no tener objetivamente nada importante de qué lamentarse sino todo lo contrario.