"Torrente presidente" (Santiago Segura, 2026)

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Yo soy más de un humor sofisticado a lo Billy Wilder o Blake Edwards, así que el tono grosero que a veces utiliza Santiago Segura en sus películas queda en las antípodas de lo que más me gusta. Puestos a ver sus estrenos me parece más simpáticos los "Padres no hay más que uno" que los "Torrentes", para los que hay que tener cierto estómago. Siempre digo que como director está capacitado para mucho más y deseo que algún día lo filme (seguramente tendrá menos éxito, esto funciona así), pero hay algo que me parece digno de aplauso y reconocimiento: ha conseguido conectar siempre con una mayoría dispuesta a pagar una o varias entradas de cine para ver lo que rueda y cada una de sus películas se cuentan como un taquillazo, algo que ha logrado contando lo que le apetece en cada momento y reuniendo a sus amiguetes (en esta ocasión muchos cameos y de todo pelaje) y a su familia, así que me quito el sombrero porque hace piña e industria. Su "Torrente presidente" es sátira pura y dura contra la realidad política del momento, humor negro que no deja títere con cabeza y que deja caer multitud de ideas que dichas de otro modo serían violentas, incómodas o poco adecuadas, humor grueso sin remilgos y directo a la yugular. Que su protagonista sea un patán con el que nadie se identificaría complica que el visionado sea agradable, pero es un recurso magnífico para darle la vuelta a todo, conseguir risotadas gamberras y mostrar en clave de comedia lo que no debería ser, aunque lo más terrible del caso es que está siendo y ya ha sido. Puede que la forma no me convenza del todo, pero con el fondo estoy muy en sintonía. Hay que verla, pero yo aviso, como todos los "Torrentes" hay que aceptar la fórmula que propone para poder disfrutarla.

"Toy story 5" (Andrew Stanton, 2026)

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No disfrutar con cualquier entrega de "Toy story" es pecao porque todas tienen su gracia, sus momentos emotivos y cómicos, su acción trepidante, su argumento plagado de buenas intenciones y sus apuntes pedagógicos....pero me temo que la fórmula está empezando a padecer serios problemas de "frescura". Conocidos ya todos los personajes la novedad en esta ocasión consiste en introducir algunos secundarios nuevos y un punto de partida a mi juicio idóneo en los tiempos que corren: esa peligrosa deriva de la infancia hacia el pasatiempo exclusivamente con pantallas. La eficacia narrativa es indiscutible, el entretenimiento está prácticamente asegurado (sobretodo y más que nunca para los más pequeños) y el mensaje cala; pero todo suena a ya visto, la capacidad de sorpresa empieza a ser reducida y lo peor para mi gusto, es que no logran emocionar con los personajes como antes lograron y eso es duro teniendo en cuenta que desfilan casi todos los que en entregas anteriores sí lo hicieron. Hay que verla, es entretenida, pero no esperes el estado de gracia del resto de películas de esta saga. 

"Rondallas" (Daniel Sánchez Arévalo, 2025)

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Ambientada en la actualidad en un pueblo gallego cuenta algo tan simple como la vuelta de una rondalla al concurso provincial tras un accidente marítimo que les conmocionó un par de años atrás, una sanación emocional vamos. Al ser un argumento coral cruza varias historias y personajes que hacen que el desarrollo sea muy entretenido, máxime cuando el director yuxtapone escenas, a veces muy breves, siempre con toques de comedia y folclore musical como condimentos principales aunque el trasfondo sea levemente dramático. Una de esas películas sencillas en incluso previsibles que no te arrepientes finalmente de ver porque te deja con buen ánimo, te permite empatizar con casi todos los protagonistas y te saca varias sonrisas de complicidad. Me resulta difícil entender como sólo fue nominada al mejor actor de reparto en los Goya, pero si la elijes te garantizo que te irá conquistando poco a poco. Dinero bien gastado en el cine o tiempo bien invertido en el sofá de tu casa. 

"Se tiene que morir mucha gente" (Movistar +, 2026)

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Movistar + ha convertido en serie, de momento de seis episodios de 30 minutos cada uno, aunque ya se ha anunciado una segunda temporada, la novela homónima de la cómica y guionista Victoria Martín. Básicamente cuenta a modo de comedia con trasfondo dramático las andanzas de tres amigas de la infancia que ya entradas en la treintena buscan asentar su vida y es todo un soplo de aire fresco por su desparpajo, humor sin filtro y tono satírico sobre la generación milenial. Refleja a la perfección esa sensación generalizada de que hacerse adulto en el mundo de hoy no es tener la vida resuelta sino todo lo contrario y a varios niveles, laboral, social, afectivo; pero sobretodo su gran baza a favor es haber encontrado tres actrices (mejor dicho cuatro, ya descubriréis por qué) con una capacidad innegable para atrapar nuestra atención y conmovernos a pesar de dar vida a personajes llenos de defectos y contradicciones (o quizás por ello). ¡Ojo! tiene sus pegas, a veces es soez, malhablada, con momentos muy puntuales de dudoso buen gusto; pero también es imprevisible, sorprendente y alocadamente divertida. 

"53 domingos" (Cesc Gay, 2026)

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Hay también un cine juguetón y tontorrón que apetece ver a modo de desconexión y es lo que ofrece Cesc Gay con esta comedia costumbrista que adapta al cine de su propia obra teatral. En modo cómplice, rompiendo la "cuarta pared", Silvia, nos cuenta como su marido Santi se reúne con sus hermanos Natalia y Pere para hablar sobre su padre, ya muy mayor. Parte de una buena idea que promete y con un cuarteto de personajes en los que se adivina mucho juego cómico (y más con el reparto) y se desarrolla en apenas horita y poco que se pasa en un suspiro. Ideal como entretenimiento capaz de sacarte unas cuantas sonrisas si no alguna risotada, básicamente es una disección ácida e irónica sobre las relaciones familiares en la que la identificación es inevitable. La pena es que el desarrollo es algo previsible y la conclusión algo abrupta y te deja con la sensación de que podría haber dado más de sí; pero en cualquier caso es uno de esos títulos imprescindibles para pasar un rato agradable. 

"Marty supreme" (Joshua Safdie, 2025)

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En su primer largometraje en solitario tras varias colaboraciones con su hermano Ben, Joshua Safdie opta por la historia de un perdedor, un pícaro de ciudad en el Nueva York de 1952 que es un desastre en lo personal, extravagante, egoísta, inmaduro, arrogante, pero que a la vez es un genio del tenis de mesa y tiene una personalidad magnética (gracias a la que Thimothe Chalamet se luce, una vez más) Resulta difícil empatizar con él, pero curiosamente atrapa por completo tu atención durante las dos horas largas de metraje porque su vida es pura montaña rusa convirtiendo la película en un extraño entretenimiento. La propuesta no puede ser más atípica porque es una comedia dramática de ritmo frenético basada de forma libre en la figura real de Marty Reisman y, a parte de que no es la habitual película de superación personal, apuesta por una trama imprevisible en la que el caos aumenta por momentos y sorprende con una banda sonora trufada con temas de los ochenta. Una de esas películas que sorprenden e impactan por su frescura y enfoque original. No consiguió ningún premio pero cosechó 9 nominaciones en los Óscars (mejor película, dirección, actor principal, guión original, montaje, fotografía, diseño de producción, dirección de casting y vestuario).

"Las invasiones bárbaras" (Denys Arcand, 2003)

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Denys Arcand consiguió el óscar a mejor película extranjera y el César a mejor película francesa con esta continuación de "El declive del imperio americano" (1986) que en su día ya fue un éxito internacional al que no pudo poner dichas guindas. Se puede ver de forma independiente, pero lo cierto es que retoma a los personajes y actores de aquella y gran parte de su peso emocional y dramático radica precisamente en comprobar que ha sido de sus vidas y anhelos casi 20 años después. Ingeniosa y reflexiva, más tristona y lúgubre que su precedente, es una película que mezcla drama y comedia y saca a colación a través de sus diálogos, algunos trascendentales, otros pedantes, unos cuantos cargados de humor negro, algunas reflexiones importantes sobre relaciones personales, familiares y sentimentales, ideales generacionales, política, sexo...todo con un tamiz melancólico y existencial que termina conmoviendo. 

 

"Yo hice a Roque III" (Mariano Ozores, 1980)

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El cuarteto Mariano y Antonio Ozores-Pajares-Esteso se dedicó en los ochenta a hacer películas gamberras con un humor tontorrón, absurdo, chusco, castizo y chabacano a veces que incorporaba también ese "destape" que tanto se demandaba entonces como reacción natural a la censura erótica de la dictadura. El resultado es un tipo de comedia costumbrista muy de aquellos años (algunos lo llamaron "españolada") que es un género en sí mismo y testimonio de los gustos populares de esa época. Esta película en concreto nació como parodia hispana de "Rocky" y se convirtió en un enorme éxito de taquilla que demuestra cómo este tipo de propuestas conectaban perfectamente con lo que la mayoría quería ver. Para entender el impacto social cabe destacar que se llegó a retrasar el estreno de "El imperio contraataca" (ahora episodio IV de Star Wars) para evitar que coincidieran en taquilla. A día de hoy yo se la recomendaría a nostálgicos o estudiosos del ayer porque su sentido del humor es, claramente, hijo de su tiempo. En cualquier caso su tono hilarante y burdo también puede arrancarte al menos alguna sonrisa.

"La cena" (Manuel Gómez Pereira, 2025)

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A partir de la obra de teatro "La cena de los generales" de José Luis Alonso de Santos, Manuel Gómez Pereira, que conoce el género de la comedia como la palma de su mano, hace una entretenida adaptación con chispa y gracia sobre un suceso ficticio en el que el bando franquista organiza una cena en el Hotel Palace a la que asiste el mismísimo Franco mientras se gesta una fuga. La propuesta tiene tono de tragicomedia y apuesta por la trama coral con un reparto de lujo y cierto humor negro como solía hacer Berlanga en sus películas, así que es inevitable recordar "La vaquilla". En la comparación, lógicamente, "La cena" queda un par de escalones por debajo, pero es justo aplaudir el intento, máxime en un momento en el que hablar de según que cosas puede causarte todos los problemas del mundo. No es nada fácil hacer reír al espectador o sacarle una sonrisa mientras se percibe la tensión política y humana que hay de fondo en la situación. El resultado es un tanto irregular y particularmente me chirría un poco cuando se lleva a algunos personajes hacia la caricatura, pero reconozco que es un proyecto valiente, muy bien ambientado y que te proporciona un visionado agradable. Ganó los Goya a mejor guión adaptado y diseño de vestuario y otras seis nominaciones (mejor película, actor principal, actriz de reparto, actriz revelación, canción y dirección artística).

"El mundo de Suzie Wong" (Richard Quine, 1960)

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Adaptación de la novela homónima de Richard Mason sobre un arquitecto norteamericano que se toma un año sabático en Hong Kong para dedicarse a su pasión, la pintura, y acaba en un local modesto y de módico precio en el que el dueño hace también negocio con las "chicas de la pensión". Precedente, por tanto, de la más reciente "Pretty woman" y con argumento que hoy en día podría haber alcanzado tonos sórdidos o explícitos en manos de directores que apuesten por el realismo. En cambio en los años 60 Richard Quine convierte la historia en una comedia romántica con cierto enredo y trasfondo dramático que rezuma cierta alegría de vivir, cierto positivismo y sobretodo un aroma idealista que le otorgan un fuerte magnetismo. En su día tuvo importante éxito en el mercado británico y, a pesar de su temática, se estrenó en España superando la censura franquista, lo que da cuenta de la factura "apta para mayores de 13 años con cualquier sensibilidad" que consigue. Hoy día es un título olvidado, una rareza exótica pero merece la pena porque muestra localizaciones reales de la época, explora los contrastes entre Oriente y Occidente en aquel momento, reflexiona sobre el amor entre clases sociales y lanza un mensaje idealista y moral positivo a pesar de que también retrata el drama.

 

"Mi amiga Eva" (Cesc Gay, 2025)

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Cesc Gay tras la cámara y en el guión junto a Eduard Sola vuelve a hacer ese pequeño milagro que es convertir una historia cotidiana y sencilla, basada en diálogos muy espontáneos y naturales y grabada como quien diría "a pie de calle", en una comedia de fondo dramático en la que todo suena a verosímil y cercano. La película se centra en Eva, una mujer de cincuenta años, casada desde hace veinte y con hijos adolescentes que, en un viaje, de pronto, se siente atraída por alguien y empieza a experimentar cambios personales de calado. Es una película agradable de ver porque todo está contado con un tono amable y ligero, bordeando siempre lo cómico, pero claro, los sentimientos que bullen bajo lo aparente y la situación que se termina creando tienen un punto dramático. Lo mejor es que cuando crees intuir cuál va a ser el desenlace del conflicto te sorprenden con un par de giros muy verosímiles que impulsan la película dándole un plus de interés. Parte del milagro de que la fórmula funcione es una Nora Navas en estado de gracia, simpática, conmovedora y sutil en su interpretación, capaz de dejar entrever lo que se cuece en su interior incluso sin mediar palabra. No es de extrañar que fuera nominada al Goya a mejor actriz, aunque ganó Patricia López Arnaiz por "Los domingos". En cualquier caso va haciendo méritos evidentes para quedarse con una estatuilla más pronto que tarde.

"Elio" (Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrián Molina, 2025)

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Aunque es una película entretenida, especialmente para el público infantil, y quien la ve la aprecia como tal, "Elio" confirmó el bajón que se venía observando en Pixar en los años previos (a excepción de la notable "Del revés 2") y sufrió un duro revés en taquilla convirtiéndose en el peor estreno de la compañía desde su creación. Trata sobre un niño de once años abducido y apuesta básicamente por la acción y lo cómico y temas como la identidad y la pertenencia enfrentando las intenciones de humanos y extraterrestres, pero su guión dista mucho de los mejores títulos y su impacto emocional es mucho menor que aquellos. El tono es entrañable por lo que resulta ideal para ver en familia con niños, pero se ve sin pena ni gloria y se olvida rápido. 

"Gravity falls" (Disney, 2012)

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Creada por Alex Hirsch para el canal de televisión de Disney y distribuida en dos temporadas y 41 episodios es una de las series más brillantes de animación que recuerdo y un hito televisivo por cuanto rompió los canones tradicionales de las series infantiles. Cuenta las aventuras de un par de mellizos de doce años que, con la llegada de las vacaciones de verano, pasan unos días en casa de su tío abuelo Stan que vive en Gravity Falls (Oregón). Intercala episodios autoconclusivos con una trama fantástica que se extiende desde el primer capítulo al último y garantiza máximo entretenimiento tanto para pequeños como para más mayores gracias al coktail de comedia absurda, aventuras, misterio, terror ligero y drama emocional. De hecho si eres fan de series como "Expediente X" la disfrutarás aunque estés cerca de peinar canas. Una de esas delicias a las que quedas irremediablemente enganchado y que te dejan un profundo sentido de pérdida cuando acabas de ver. 

"Padre no hay más que uno, 5" (Santiago Segura, 2025)

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Quien llega a la quinta entrega de "Padre no hay más que uno" ya no busca sorpresas, que pocas hay, sino seguir entreteniéndose con los personajes de las entregas anteriores. Y, a pesar de que la fórmula se repite, a Santiago Segura le funcionó tanto para conseguir un nuevo taquillazo como para enganchar a un público fiel, básicamente familiar. El acierto consiste en algo tan simple (pero que nadie más hace) como aderezar con humor blanco y una incansable sucesión de situaciones jocosas el día a día de unos personajes que caen simpáticos mayoritariamente. Evidentemente la fórmula, a base de repetirse, pierde frescura con cada nueva entrega y en este caso es más de lo mismo para disgusto de algunos y disfrute de otros, especialmente los más pequeños. Se decía que iba a ser el cierre a la saga...no lo tengo tan claro. El tiempo lo dirá. 

"El declive del imperio americano" (Denys Arcand, 1986)

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El canadiense Denys Arcand filmó en 1986 esta comedia dramática plagada de provocadores e irónicos diálogos que podríamos definir, salvando las distancias, como un Woody Allen subido de tono. Trata sobre un grupo de profesores e intelectuales de Montreal que, con motivo de una comida en común, reflexionan y debaten sobre la decadencia de la cultura occidental, el hedonismo de las élites intelectuales, la crisis de los valores tradicionales o la sexualidad moderna. Primero pone el foco en las mujeres, después en los hombres y finalmente junta a todos en una comida en común logrando gracias a la situación y a los personajes una disección aguda y divertida de miserias y contradicciones humanas, deseos y pensamientos, filosofía y sociedad. Se trata de una película especialmente adecuada para un público adulto y crítico amante del cine de autor. Los temas que trata son solemnes y trascendentes, pero la factura es luminosa, su visionado es ligero y se ve con agrado aunque deje un profundo poso agridulce. Tuvo en su día un gran éxito internacional, ganó varios premios y fue nominada en los Óscars a mejor película extranjera. Años después el mismo director hizo una especie de continuación con "Las invasiones bárbaras" (2003).

"¡Se armó el belén!" (José Luis Sáenz de Heredia, 1970)

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El punto de partida da juego: un cura de ideas conservadoras y con cada vez menos feligreses es destinado a un barrio de la periferia Madrid donde predomina un clima anticlerical y revolucionario y su arzobispo le aconseja actualizarse con las ideas de un joven sacerdote que regenta una parroquia más moderna para recuperar fieles. La gracia radica en enfrentar a esa situación al tipo de personaje buenazas y tozudo que siempre clava Paco Martínez Soria. Al principio funciona más o menos bien, pero después la película se pierde en sus propias gracietas y se zambulle en un tono de comedia tontorrón y disparatado que termina por no cuajar. Ninguna película del comediante aragonés es desagradable de ver con lo que garantiza un visionado "amable" y alguna sonrisa,  pero en este caso me parece uno de sus títulos más flojos.

"Mickey 17" (Bong Joon-ho, 2025)

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Bong Joon-ho firmó en 2019 la multipremiada "Parásitos" así que había gran interés por su siguiente trabajo y no cumplió las expectativas con una película que también descoloca y sorprende pero que no sólo no logra aquel nivel sino que queda un par de peldaños por debajo. A lo largo de su filmografía el director coreano ha planteado siempre temas trascendentes de fondo con argumentos barnizados de un tipo de comedia con un cierto tono naif y juguetón. Aquí repitió fórmula y, aunque arranca fuerte y con interés, después se pierde en sus propias excentricidades derivando en puro despropósito (entendemos que el personaje de Mark Ruffalo se usa para evidenciar un comportamiento muy poco humano y empático en contraste con los extraterrestres pero ¿era necesario que llegara a semejante caricatura insoportable?). El argumento gira en torno a un clon que se encarga de hacer trabajos peligrosos en otros mundos durante la expansión colonizadora de la Tierra. El guión introduce temas como la clonación, la humanidad o la empatía, que tienen su interés, y el desarrollo está plagado de situaciones inesperadas e imprevisibles que garantizan un visionado entretenido. No es todo eso lo que falla, lo que no funciona es que la película pierde su equilibrio interno a mitad de metraje y entra en su tramo final, muy largo, en un deriva en la que te vas desconectando poco a poco. Una lástima porque da la sensación que se podría haber conseguido un mejor resultado final. 

"Big" (Penny Marshall, 1988)

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A veces lo sencillo funciona y "Big" es un gran ejemplo de ello. Una película amable, tierna, ligera, tontorrona, muy adecuada para ver en familia, que mezcla fantasía y humor y pone el foco en un adolescente que desearía ser más mayor e ilustra sobre la importancia de dar cada paso en la vida en el momento que toca y recordar que todos hemos sido niños y conviene no olvidarlo aún cuando las responsabilidades te sobrepasan. Tiene ese tono desenfadado y un tanto ingenuo de las películas de los ochenta que hace que el visionado sea agradable y entretenido, algo que parece muy fácil de hacer, pero que no lo es tanto y es marca de esa época. Tom Hanks consiguió una de sus mejores interpretaciones al saber transmitir la espontaneidad y torpeza emocional que requiere su personaje y te conquista con un puñado de escenas plagadas de equívocos que sólo el espectador entiende y que funcionan muy bien. Quizás el momento más recordado es la escena del piano en la tienda de juguetes FAO Schwartz, que se convirtió  en un icono de la cultura popular. Fue nominada en los óscars a mejor actor y guión original.

"Por fin, ya es viernes" (Robert Klane, 1978)

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A rebufo de la notablemente mejor "Fiebre del sábado noche" (John Badham, 1977) y empapada del espíritu discotequero de finales de los años setenta se centra únicamente en las andanzas de un grupo de jóvenes durante una noche de viernes en una discoteca en Hollywood. Sin más. Básica, intrascendente, tontorrona, gamberra a ratos, con un sentido del humor algo desquiciado y demodé es una película flojita pero simpática, que permite hacerse una idea de lo que era salir a bailar en aquella época y que atesora un momento mágico: la actuación de Donna Summer cantando "Last dance", a la postre canción ganadora del Óscar en detrimento de "Grease", un chute de energía irresistible que si no te hace mover las piernas al ritmo de la música podría ser porque no tuvieras alma. Como curiosidad encontrar a unos jovencísimos Debra Winger y Jeff Goldblum. El póster mejor obviarlo, uno de los menos atractivos que recuerdo.

"Piratas del Caribe 3: en el fin del mundo" (Gore Verbinski, 2007)

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La segunda parte dejaba abierta la posibilidad de una tercera no solo desde un punto de vista narrativo sino también empresarial porque no se podía desaprovechar el tirón comercial de los piratas más rentables de la historia del cine. Gore Verbisnki dejaba cerrada así una trilogía de aventuras marinas bastante digna, pero claro, Disney no pudo contener las ansias de amasar más dinero e iría a por nuevas entregas en años siguientes a pesar de que la fórmula ya da muestras de falta de frescura. El guión riza nuevos rizos utilizando sobretodo fantasía y comedia y el tirón popular del amanerado Jack Sparrow y aunque ya el cocktail no cuaja tan bien es de nuevo una película entretenida y repleta de acción que continúa argumentalmente los flecos que quedaron sueltos en la anterior. Como espectador te tienes que tragar varios "sapos", pero das todo por bueno a cambio de dos horas de cine de aventuras al que acompañas con palomitas. La aventura debería haber finalizado aquí.