"El rey del juego" (Norman Jewison, 1965)

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Notable drama en torno al póquer con un irresistible suspense interno. Ambientada en el Nueva Orleans de la depresión norteamericana y centrada en la figura de un joven jugador  representado por un Steve McQueen en el mejor momento de su carrera cinematográfica, consigue una gran descripción de ambientes y tipos humanos y un crescendo muy logrado a través de las partidas de cartas a lo largo de toda la película, dando también cabida a otras subtramas relacionadas con juegos de engaño, celos, infidelidad y ambición. Es una de esas películas que te atrapa de inicio y ya no te suelta y que, aunque se ciñe a un periodo de tiempo reducido, te conduce a través de cabeza ajena hacia un potente aprendizaje moral. El argumento no es ni muy original ni muy complejo, pero sí lo son las relaciones entre los personajes y cómo éstos van evolucionando conforme avanza la trama. Al final lo que se plantea es una pregunta que se lanza de forma no explícita al espectador en relación al protagonista ¿Finalmente ha ganado o no? Mi respuesta es sí.

"El puente de Cassandra" (George Pan Cosmatos, 1976)

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Se trata de una de las películas más representativas del cine de catástrofes de la segunda mitad de los años setenta e incluye además aspectos conspirativos, que en aquel momento estaban bastante de moda. Trata sobre una epidemia mortal localizada en un tren que viaja por Europa y lo que las autoridades están dispuestas a hacer para evitar que dicha enfermedad se extienda. Fue una producción con muchas complicaciones en la que pusieron dinero la Alemania ocidental, el empresario británico Lew Grade y el productor italiano, Carlo Ponti. La idea era reunir a un reparto de relumbrón (cosa que consiguieron) para ofrecer un entretenimiento de suspense in crescendo con trasfondo político que pudiera competir con los títulos norteamericanos. El resultado cumple bastante bien su propósito, pero la película es un tanto irregular y tiene altibajos de interés y de coherencia interna a causa de un guión que no es tan redondo como pretendía. En cualquier caso un título interesante de ver que posee una atmósfera de inquietud, eso sí, bastante lograda.  

"Diamantes en bruto" (Ben Safdie, Joshua Safdie, 2019)

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La acogida crítica de esta película de los hermanos Safdie fue bastante positiva. El caso es que propone ir detrás de un joyero neoyorquino adicto al riesgo y las apuestas durante unas horas y lo hace con una atmósfera mayoritariamente nocturna, una fotografía "sucia" y un tono claustrofóbico que no hacen que el visionado sea ni amable ni agradable, sino más bien todo lo contrario (muy marca de la casa de Netflix). Podemos considerarla más verosímil que realista y está en las antípodas de ese cine "amable" que se estilaba en otros tiempos porque todo resulta incómodo y se basa en discusiones a grito pelado, interrupciones, personajes que se pisan unos a otros en la conversación, un ir y venir constante que termina por ser estresante para el espectador, violencia que irrumpe sin permiso.... El ritmo y el montaje potencian todas esas sensaciones y además tenemos un protagonista (fantástico en esta ocasión Adam Sandler) con el que va a resultar bastante complicado empatizar por su incesante berborrea, su personalidad temeraria e irresponsable y su caótico comportamiento. Dicho todo esto no dan muchas ganas de verla, pero precisamente su estilo es, en teoría, su baza a favor porque muchas veces el cine también te permite vivir en cabeza ajena situaciones que quizás nunca vivirías en tu vida y donde te mete ésta es en el pellejo de un personaje que vive en continua ansiedad. Así que si te gusta el cine experimental que explora propuestas distintas ésta película podría gustarte y, al contrario, si ves cine para entretenerte o buscar argumentos edificantes no lo hará. Uno de esos títulos que te parecen mejor cuando los piensas a fondo que cuando los estás viendo.

"Godzilla: minus one" (Takashi Yamazaki, 2023)

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Después de varias películas norteamericanas sobre "Godzilla" con unos efectos especiales apabullantes pero unos guiones penosos, la propuesta japonesa de Takashi Yamazaki, ambientada en el Japón de la postguerra mundial, pretendía integrar mejor a los personajes humanos y ofrecer más intensidad dramática. Su objetivo lo consigue y la película no es sólo de acción y de Godzilla, también habla sobre la culpa, el trauma de la guerra y la reconstrucción de un país, con tono fantástico igualmente, pero más verosímil. Y algo muy importante, Godzilla vuelve a dar miedo porque las consecuencias de su poder destructivo realmente importan.  Lamentablemente las virtudes de la película no se concretan en un drama tan emocionante como se pretende, quizás porque los actores simplemente cumplen y la acción no logra ir mucho más allá de sus predecesoras. Al final acaba siendo una película desigual e irregular, no obstante tuvo un importante éxito de público, la crítica la considera una de las mejores entregas del monstruo y consiguió el Óscar a mejores efectos visuales, un tortazo a mano llena para los estudios, después de años poniendo toda la carne en el asador en ese sentido y sin conseguirlo.

"Adiós pequeña adiós" (Ben Affleck, 2007)

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Ben Affleck arrancó muy fuerte su carrera como director con esta adaptación de la novela homónima de Dennis Lehane, también autor de "Mystic river", con cuyo argumento tiene algunos aspectos en común. La película, rodada casi íntegramente en los barrios obreros de Boston, rezuma realismo y atmósfera urbana, aunque Affleck no lleva ese tono realista a las últimas consecuencias y apuesta por un estilo clásico de filmación. Más que el tono lo importante es un guión (del propio Affleck con Aaaron Stockard) que arranca como policiaco sobre la búsqueda de una niña desaparecida, juega con un cierto suspense y el dramatismo social propio de la situación y plantea finalmente un dilema moral de calado que no puede dejar indiferente a nadie e invita a reflexionar sobre la justicia y el bienestar infantil. Como no podía ser de otra manera en un drama de este estilo, los actores tienen una vital importancia y Affleck logra un reparto magnífico que se luce y mantiene la tensión de inicio a fin. Eso sí, el tramo final pierde un poco de la fuerza inicial y hay que advertir al espectador que ha de fijarse en los nombres de los personajes porque la trama llega a ser algo enrevesada en algún momento. Amy Ryan fue nominada como mejor actriz secundaria en los Óscars.

"La bola negra" (Javier Calvo, Javier Ambrossi, 2026)

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El reconocimiento a Javier Calvo y Javier Ambrossi como mejores directores por esta película en Cannes y los que van a llegar en forma de Goyas, Óscars y otros premios no son casualidad ni capricho. Les avalan series como "Paquita Salas" (2016), "La Veneno" (2020) y "La mesías" (2023) y su ópera prima cinematográfica "La llamada" (2017) que pueden gustar más o menos, pero son valientes, trangresoras, se notan trabajadas, conmueven y están filmadas con muy buenas ideas para enganchar al espectador. A esas virtudes añaden en "La bola negra" la capacidad para hilar, en una narración hipnótica y con una atmósfera muy especial, tres historias en tiempos distintos que terminan confluyendo en un grito al viento: «No hay nada más doloroso que vivir negando quién eres para encajar en una sociedad que no te acepta; la verdadera libertad comienza cuando dejamos de sentir vergüenza de nuestra propia identidad». No recuerdo una película que trate con más tino y sensibilidad la homosexualidad, ni siquiera las mejores de Almodóvar porque, en realidad y, aunque es la protagonista de todo el relato, no se centra en sublimarla, más bien habla de sentimientos reprimidos, de dolor, de aceptación, de emociones que cualquier ser humano puede comprender sea cual sea su condición. Evidentemente los dos directores, que también son coguionistas con Alberto Conejero, se posicionan a varios niveles (con los que estarás en sintonía o no) y ponen contexto a parte de su historia en la guerra civil española usando muy brevemente la figura de Federico García Lorca (todo parte de una obra suya inacabada), lo cual implica irremediablemente crear debate....francamente, creo que es lo de menos, aunque para muchos será lo de más. Para mí lo importante es cómo ponen en imágenes su idea, cómo entrecruzan personajes y tiempos narrativos, como idean cada escena para que sea especial y nos haga tener interés por el relato. A veces es con una pieza musical, a veces con un diálogo intenso, a veces con dos o más actores (mucho y muy bueno que hablar sobre todos ellos) que dan lo mejor de sí mismos en una conversación en apariencia banal, a veces con una escena simbólica, a veces con un plano preciosista lleno de luz o color....el caso es que el cine es exactamente eso, tener algo que decir y contarlo de la mejor manera que sabes en una pantalla para que los espectadores entiendan tu mensaje y disfruten mientras la narración avanza. No es una película perfecta, no está entre mi puñado de preferidas, pero la disfruté mucho y me conmovió. Creo que esa era la intención. Ahora vendrán los premios....tiempo al tiempo.

"La semilla de la higuera sagrada" (Mohammad Rasoulof, 2024)

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Película de producción alemana rodada de forma clandestina en su país de origen por el iraní Mohammad Rasoulof (que acabó exiliado el mismo año que la filmó para evitar represalías). Básicamente es un drama político sobre la familia de un juez de instrucción en Teherán que se ve presionado por el régimen a dar sentencias favorables al mismo, mientras sus hijas y su mujer comprenden cada vez menos su forma de actuar así como la obediencia ciega que regala a su gobierno. Baste decir ésto para que cualquiera pueda entender que es una película de denuncia, comprometida y necesaria; pero también hay que alertar que es una película muy sobria en su estilo, de tono cotidiano y pegado a la realidad, centrada en diálogos y de casi tres horas de duración, que acaban por hacerse largas. Un realismo social que combina escenas familiares con imágenes reales de protestas en Irán y un crescendo narrativo cada vez más claustrofóbico que culmina en una métafora sobre el desmoronamiento familiar y del propio régimen. En suma, una película interesante por lo que cuenta, con "chicha", conmovedora en cierto modo, pero un hueso duro de roer para quien no disfrute con la denuncia sociopolítica.

 

"Nevada Smith" (Henry Hathaway, 1966)

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A partir del personaje que ya había interpretado Alan Ladd en "Los insaciables" (Edward Dmytryk, 1963) hacen una especie de secuela presentando sus orígenes. El papel le venía como anillo al dedo a un Steve McQueen especializado en tipos rebeldes de intensidad contenida siempre a punto de explotar porque interpreta a un mestizo que busca venganza (no voy a decir por qué) para recomponer su dignidad. El argumento plantea básicamente una aventura personal y es muy básico pero efectivo, una suerte de aprendizaje moral que se desarrolla a lo largo de unos cuantos años y en varios actos y que le permite a Hathaway homenajear el universo del western. Aunque la película, en mi opinión, va de más a menos, y tiene altibajos, el recorrido es cuando menos entretenido y tiene el plus de recorrer varias localizaciones naturales de distinto pelaje que le dan a la narración un notable encanto y fisicidad. 

"La torre de los ambiciosos" (Robert Wise, 1954)

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Adaptación de la novela de Cameron Hawley que cuenta como una compañía afronta la sustitución de su antiguo jefe y el modelo de empresa que se impondrá a partir de ese momento, así que básicamente es una batalla entre los "ambiciosos" del título. Para dar vida a los personajes Metro Goldwyn Meyer reunió a un reparto imponente que logra transmitir a la perfección la maraña de relaciones e intereses que se da entre los ejecutivos protagonistas. Se trata de un drama empresarial sobre el poder que representa muy bien las líneas maestras del Hollywood clásico: un buen guión, grandes actores, una puesta en escena elegante e impecable y una moraleja o enseñanza moral que late al final relacionada con los valores frente al poder. La película parece lanzar la idea que no importa tanto saber quién puede dirigir una firma, sino con qué objetivo, es decir, no importa tanto quién ocupa finalmente la cúspide de la torre, sino qué hará con su poder. Consiguió 4 nominaciones en los óscars (mejor actriz secundaria, fotografía en blanco y negro, dirección artística en blanco y negro y vestuario).

"Guy Ritchie: el pacto" (Guy Ritchie, 2023)

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A pesar de que hayan puesto su nombre en el título, cosa que me parece bastante innecesaria, Guy Ritchie se desmarca de sus señas de identidad, su habitual montaje frenético con toques de humor negro, y se pone serio y dramático para contar con un estilo "clásico", sobrio, realista y directo, el último servicio de un sargento estadounidense en Afganistán. Estrenada directamente en Amazon sin pasar por los cines, se trata de uno de los títulos más logrados del director que, a pesar de contar un argumento que resulta familiar a los amantes del género bélico y de perder algo de fuerza en su tercer acto, logra enganchar y sorprender gracias a la tensión interna del desarrollo y a una narración en la que la acción se vincula a la supervivencia y permite comprender el agotamiento, la confusión y el peligro propios de la guerra. Además la historia que cuenta está basada en historias reales de afganos que colaboraron con las fuerzas estadounidenses e ilustra una relación de amistad y honor más allá de los intereses institucionales, por lo que finalmente conmueve y tiene una dimensión humanística más allá del horror del conflicto bélico. 

"Romería" (Carla Simón, 2025)

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Carla Simón mantiene el tono naturalista de sus anteriores películas, pero en esta ocasión incorpora novedades interesantes en su evolución como directora. Por un lado un suspense interno que emparenta la película argumentalmente con algunos títulos clásicos del cine español como "El sur" (Víctor Erice, 1983) o "Secretos del corazón" (Montxo Armendáriz, 1997) por cuanto se indaga en el pasado de los padres de la chica protagonista, que viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre. Por otro lado y, en su tramo final, la película abandona el tono realista y se lanza a imaginar dando una explicación alegórica de lo que pudo haber sido...Es un juego fílmico lícito, valiente y admirable desde el punto de vista de la crítica cinematográfica, pero también provoca que el interés vaya en línea descendente, al menos en mi caso. Lo que inicialmente me intriga y seduce, ese pasado turbio y que se intuye dramático desemboca en un giro final experimental de tono onírico que a algunos les parecerá desconcertante y que a mí no acaba por conmoverme, cuando intuyo que sí pretendía conseguirlo. Sea como fuere un título de autor con suficientes atractivos para el público más cinéfilo y algunos menos para quien no le gusten las películas contemplativas, ya que básicamente relata un proceso de descubrimiento personal que se toma su tiempo. Consiguió 6 nominaciones en los Goya (mejor dirección, actriz de reparto, actor y actriz revelación, guión adaptado y diseño de vestuario).

 

"Turno de guardia" (Petra Biondina Volpe, 2025)

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Coproducción suizo-alemana que, con un tono marcadamente verosímil a modo de "película-experiencia", persigue a una enfermera a lo largo de su turno de guardia en un centro de salud privado. Es una de esas propuestas que hay que ver por su valor pedagógico, porque consigue hacer vivir en carne propia la falta de recursos de la sanidad (algo sobre lo que da datos concretos en los créditos finales) y porque muestra las dificultades por las que han de pasar unos profesionales sanitarios sobrepasados, que soportan una carga emocional y un estrés laboral difíciles de comprender de otro modo, en un trabajo que requiere humanidad pero también eficiencia. Una precisa puesta en escena con la cámara entrando en el hospital y siguiendo a la protagonista, a menudo en plano secuencia, y la actriz Leonie Benesch (tan fantástica como ya estuvo en "Sala de profesores") son los dos grandes aciertos que consiguen ese pequeño milagro que es hacernos sentir la vulnerabilidad, el desgaste progresivo, la responsabilidad moral y a la postre el agotamiento físico y mental que se trata de mostrar. El resultado es una película magnífica que hace un análisis exhaustivo y realista de la profesión, que se ve con creciente interés, que no resulta desagradable de ver aunque el trasfondo sea siempre dramático y que finalmente te conmueve de un modo intenso.

"La deuda" (Daniel Guzmán, 2025)

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En su tercera película Daniel Guzmán vuelve al esquema de su ópera prima "A cambio de nada" (2015) e introduce inicialmente la relación entre un pícaro y una señora mayor que viven juntos para después dar un giro que cuenta otras cosas e introduce nuevos personajes. Su arranque funciona bastante bien porque conmueve, porque la química entre los actores es indudable (maravillosa Rosario García) y porque pone sobre la mesa temas muy del momento como la dificultad para encontrar vivienda, la especulación urbanística, los desahucios o el abandono de los mayores. Cuando se produce el giro argumental y entramos en el thriller criminal todo se vuelve imprevisible, sí, pero también menos verosímil y aunque el trasfondo sigue planteando temas importantes como la culpa o el deseo de redención, la narración empieza a tener baches y entra en una deriva algo caótica. No es qué esté mal, es que resulta irregular y te sorprendes encantado con una parte y desencantado después. El intento se aplaude, me parece buena idea y necesario combinar denuncia social con otros registros en el cine español.

"El síndrome de China" (James Bridges, 1979)

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Diversas películas de los años setenta buscaron argumentos de impacto  para el público a través de las catástrofres. Es el caso de "Aeropuerto" (George Seaton, 1970), "La aventura del Poseidón" (Ronald Neame, 1972), "Terremoto" (Mark Robson, 1974), "El coloso en llamas" (John Guillermin, 1974), "Meteoro" (Ronald Neame, 1976) o "El enjambre" (Irwin Allen, 1977). "El síndrome de China" producida por Michael Douglas y Jane Fonda, declarados activistas antinucleares, no sólo quería sumarse a un género especialmente pensando para entretener (o asustar) al gran público sino que pretendía además concienciar en un contexto en el que el debate sobre el tema estaba en el aire en Estados Unidos. Curiosamente lo que podría haber sido una película excesivamente alarmista terminó anticipando un accidente nuclear real, el de Three Mile Island (Pensilvania), que tuvo lugar doce días después de su estreno y la importancia de este proyecto se sobredimensionó. Con un potente reparto funciona bien a los dos niveles: como thriller de suspense gracias a su tensión in crescendo y como alegato de denuncia no ya sólo contra las nucleares, sino también contra la corrupción empresarial y la manipulación de la información dejando claro que sólo un periodismo valiente que se atreva a decir la verdad puede contrarrestar la tendencia del poder a ocultar las cosas bajo "la alfombra" por puro interés. Consiguió cuatro nominaciones en los óscars: Jack Lemmon (mejor actor), Jane Fonda (mejor actriz), guión original y dirección artística. 

"Bajo cero" (Frank Marshall, 2006)

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Película Disney basada en hechos reales y adaptación de una película japonesa llamada "Antarctica" de 1983. Ideal para consumo familiar, trata sobre un grupo de científicos que trabajan con perros esquimales en la Antántida y se ven obligados a evacuar por una tormenta. Peca de un argumento relativamente sencillo, previsible y amable pero funciona narrativamente bien, trufado de aventura y supervivencia, mejorando cada vez que los perros toman el protagonismo en escena. Un título más que correcto, visualmente atractivo, que tuvo un notable éxito comercial en el momento de su estreno gracias básicamente a Paul walker y a la química sentimental que su personaje desarrolla con los perros. 

"Apocalypto" (Mel Gibson, 2006)

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No exagero un ápice si afirmo que "Apocalypto" es una de las películas más hipnóticas que he visto y entiéndase en el sentido que una vez empezado a ver lo que ocurre en pantalla me resulta tan fascinante, interesante y entretenido que no puedo casi parpadear hasta el final. Habrá quien diga ¿pero si sólo cuenta la historia de supervivencia de un hombre sometido por un pueblo invasor durante la época Maya? Y si, el argumento es bastante simple, eso es cierto; viene a ser una mera experiencia de supervivencia pero lo que sucede me mantiene en tensión y con interés ya no sólo por el empeño de ese hombre por permanecer vivo para reunirse con su familia, sino porque es un canto a la vida y a la inteligencia, porque vives su calvario con creciente emoción e intensidad y porque una vez más (es un magnífico director) Mel Gibson hace todo un alarde con su cámara y le saca a la historia todo su jugo regalando dos horas de una narración audiovisual ágil, trepidante, impactante en muchos momentos y a la vez hermosa, evocadora y verosímil. En cualquier caso, para mí lo mejor es su mensaje: "el miedo es una enfermedad. Se mete en el alma de cualquiera que lidia con él y contamina nuestra paz". Lo sabemos todos y no es fácil vencerlo, pero con miedo renuncias a vivir y quien controla nuestros miedos nos convierte en sus esclavos. Un mensaje a reflexionar en estos tiempos convulsos y una película para ver en estos días de eclipses. Obtuvo 3 nominaciones en los óscars: maquillaje, sonido y efectos sonoros. Una de mis películas favoritas.

"Castillos de hielo" (Donald Wrye, 1978)

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Tiene algo el cine sentimental de los setenta y ochenta que lo hace único. Quizás sea que transmite valores, buenos sentimientos, emociones, mensajes inspiradores....o quizás sólo sea nostalgia por otros tiempos (en mi caso si, eso le sube una estrella). El caso es que incluso una película como ésta que resulta previsible y se desmorona en el tramo final cuando se vuelve inverosímil, se puede ver y te deja más o menos contento si te gusta ver historias emotivas y conmovedoras (en ese caso subirás alguna estrellita más en tu valoración). El argumento se centra en una patinadora artística que, contra viento y marea, lucha por competir en los Juegos Olímpicos lo que, lógicamente, termina por ser una odisea personal. A mí me funciona hasta que estalla el drama lacrimógeno, que se podría haber evitado pero es que era seña de la época tras el éxito de "Love story" (Arthur Hiller, 1970) y un sinfín de títulos similares a medio camino entre el drama y lo romántico. En esta ocasión creo que el éxito popular que tuvo se basa sobretodo en un casting muy acertado en el que funcionan francamente bien la patinadora profesional Lynn-Holly Johnson y el siempre eficaz Robby Benson (que viene a ser la marca blanca de John Travolta). La película obtuvo una nominación al óscar por la inolvidable canción "Through the Eyes of Love" que interpreta Melissa Manchester.

"Una casa llena de dinamita" (Kathryn Bigelow, 2025)

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La directora estadounidense Kathryn Bigelow volvía a rodar tras años sin hacerlo y fue reclutada por Netflix para filmar un tema de ardiente actualidad dada la inestabilidad mundial del momento: ¿qué pasaría en caso de que un país lanzara un misil hacia Estados Unidos? Un guión centrado en la toma de decisiones y una narración tensa se esfuerzan por desmenuzar de forma minuciosa una situación de permanente incertidumbre paso a paso, prácticamente en tiempo real, dándonos la información relevante a los espectadores para comprender el desconcierto de los implicados en la resolución de momento tan crítico y procurando en todo instante ser verosímil. Lógicamente el resultado es un thriller de tono realista, muy intenso, con un suspense potente que conciencia e invita a la reflexión geopolítica y, como tal, es interesante per se. El problema en mi caso es que, aunque aplaudo el intento, siento que la ejecución cojea porque daba a mi juicio mucho más juego. Digamos que, tratando de ser realista, el desarrollo peca de reiterativo, avanza lento a veces, se pierde demasiado en "barros" políticos y militares. Creo que esa apuesta por ser verosímil curiosamente embarra la narración y perjudica lo que es básicamente emoción y en esta ocasión la emoción, que también se busca, no acaba de funcionar. Interesante, pero entiendo a quienes la consideran decepcionante. 

 

"La Odisea" (Christopher Nolan, 2026)

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Que Christopher Nolan ruede su adaptación personal de "La Odisea"(y "La Iliada") convierte su película en el acontecimiento cinematográfico del año y no defrauda. Durante tres horas que se pasan voladas su propuesta te ofrece una abrumadora experiencia sensorial sobre el viaje del héroe y lo hace buscando denodadamente lo verosímil tanto en la ambientación, la acción o los personajes (lo de la Helena de Troya subsahariana vamos a obviarlo como si jugáramos al Scattergories). El resultado tiene mucho y muy bueno de drama existencial, bastante y sobrecogedor de trama de acción, lo justo e inquietante (a veces aterrador) de aventura fantástica  y sobretodo es una experiencia epatante y atronadora, única en el cine, especialmente ideada para quienes puedan acceder a una pantalla IMAX o de 70 mm. pagando casi el doble de una entrada normal. Todo lo que ves en ella quita el hipo, incluido ese reparto magnífico, pero lo que me parece excepcional es, por un lado, lo que el visionado te hace sentir gracias a todo ese deslumbrante apartado técnico desde la banda sonora a la fotografía (los efectos especiales los justos y alguno canta un poquito, todo hay que decirlo) y, por otro, la capacidad para trasmutar en trascendente una historia que Mario Camerini convirtió en inolvidable aventura fantástica con su "Ulises" en 1954, a la que Wolfgang Petersen dio preámbulo en su épica "Troya" de 2004, repleta de acción y momentos grandilocuentes, y que ahora Nolan convierte en una intensa reflexión sobre la guerra, la culpa y la conciencia a través de una narración muy bien trabajada. Vamos, un películón, que no es lo mejor del director, pero queda cerca, lo cual ya es mucho decir.

"La vida de Chuck" (Mike Flamagan, 2024)

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Singular adaptación en tres actos de una novela corta de Stephen King publicada en la antología "La sangre manda". Lo es porque la historia de Chuck está contada en orden cronológico inverso y porque su narración entremezcla lo real, lo fantástico y lo metafórico tendiendo contra pronóstico mucho más al drama existencial que al terror (lo digo por su autor). La idea que subyace es que cada mente contiene todo un universo propio con lo que cada pérdida humana equivale a la pérdida de toda una realidad. Es emotiva, original, conmovedora, pero me da la sensación que es el típico caso de película sobrevalorada. Lo sabremos mejor cuando pase el tiempo y tengamos más perspectiva. Su principal baza a favor es que crea un suspense interno muy potente porque el desarrollo te descoloca literalmente hasta que, finalmente, atas cabos y tiene alguna escena que ya es icónica, la del baile improvisado en la calle por ejemplo. No funciona igual de bien su ritmo pausado y la tendencia a lo introspectivo y lírico, que gustará a unos pero no a otros. En cualquier caso una propuesta distinta que merece la pena descubrir.