"El día de la revelación" (Steven Spielberg, 2026)

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#StevenSpielberg #EmilyBlunt #JoshO'Connor #ColinFirth #EveHewson #CineCiencia-ficción #CineFantástico #CineAcción #CineSuspense

Veremos que pasa dentro de unos días porque julio del 2026 se anuncia intenso, pero entre que Spielberg ha afirmado que su película se centra en preocupaciones reales (cómo se comportaría la humanidad ante una revelación que desafiara su visión del mundo o por qué la verdad se nos oculta) y que el contexto en el que discurre el argumento tiene paralelismos con la realidad (mundo inestable, secretismo gubernamental, disclosure extraterrestre en proceso), podría decirse que su temática juega con nuestra psicología y nos prepara para un futuro cercano que podría convulsionarnos. Sea como fuere el proyecto ha pecado de provocar grandes expectativas con un  trailer que, a mi juicio, daba demasiada información. Creo que algunas personas se van a sentir defraudadas porque esperaban un argumento más complejo, cuando en realidad es bastante sencillo (básicamente estamos ante un thriller de ciencia-ficción con suspense y acción) y otras se van a quedar a medias al considerar que la trama acaba donde debería comenzar. Personalmente creo que es un producto de entretenimiento con "tomate" que funciona francamente bien (esas dos horas y media se pasan en un suspiro), que está hecha para que le guste a mucha gente (en eso Spielberg siempre ha sido el mejor) y que lo "mollar" está oculto en sutilezas que no todo el mundo va a ver en un primer visionado porque exigen cierto bagaje y cierto conocimiento. Lo mejor de "El día de la revelación" es que, como las grandes películas, tiene capas y profundidad, invita a descubrir significados profundos y admite diversas lecturas. Puedes disfrutar del pasatiempo sin más o puedes escarbar en su temática (alienígenas, fe y religión, empatía, la verdad y quién la controla, desinformación, papel de gobiernos y corporaciones, etc). Una película que sólo por el debate que provoca ya merece la pena ver. A mí me gusta cada vez más conforme la voy "masticando" y por hablar de algo concreto básicamente cinematográfico que demuestre maestría: casi todas las escenas relacionadas con la persecución en coche son cine con mayúsculas.

"Mamma mía" (Phyllida Lloyd, 2008)

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La adaptación cinematográfica del musical de Abba era un éxito comercial seguro de asegurar unos mínimos y eso mismo hicieron desde producción. Colocando al frente del reparto a la todoterreno Meryl Streep, que por sí sola podría salvar la película, acompañándola de un reparto atractivo y con química cómica y mezclando con gusto y acierto comedia y musical, la película entretiene y es capaz de sacarte una sonrisa y subirte el ánimo, su principal virtud. Está pensada especialmente para un público femenino adulto con ganas de pasar un rato agradable en el cine por concepto, argumento (en torno a una boda y con lío sentimental) y estética (fotografía luminosa en parajes griegos de ensueño); pero puede verse como película para toda la familia por su tono desenfadado y alegre de feelgood comedy. Al final todo cuaja y cumple su cometido, incluso un Pierce Brosnan que rechina un poco cantando (la parte masculina de la película la verdad es que parece un tanto desubicada), así que la impresión final es positiva sin que sea una grandiosa película. La música de Abba ayuda mucho, no se me ocurre nadie que no le guste o que no le pueda gustar.

"El discurso del rey" (Tom Hooper, 2010)

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Esta película británica fue la gran triunfadora de los Óscars de 2010 obteniendo los premios de mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor actor protagonista con doce nominaciones que se completaban con mejor actor de reparto, actriz de reparto, montaje, fotografía, banda sonora, diseño de producción, vestuario y sonido. Así planteado resulta casi inevitable una vez vista preguntarse cómo pudo conseguirlo porque no es una de esas películas que provocan entusiasmos unánimes entre todos los espectadores, pero hay varios datos a tener en cuenta: uno es la competencia que tenía y otro su capacidad para irte conquistando conforma avanza, su carácter de película todos los públicos, de tono amable, centrada en una historia de superación con la que todo el mundo puede empatizar, elegante, bien construida en todo lo formal y también en lo narrativo y con una acertadísima mezcla entre comedia y drama político. En cualquier caso, por lo que es recordada es por el brillante duelo interpretativo entre dos actores en estado de gracia: Colin Firth y Geoffrey Rush, aunque no sería justo olvidar un elenco destacadísimo. Tampoco está nada mal la recreación de época, que nos sitúa en la Inglaterra en 1936, tras la muerte del rey Jorge V y la escandalosa abdicación de su sucesor, Eduardo VIII para casarse con una divorciada. Con la Segunda Guerra Mundial en el horizonte asciende al trono Jorge VI, que debe asumir el liderazgo del país en un momento muy delicado y, de cara a sus discursos, sufre problemas de tartamudez, por lo que es imprescindible un logopeda de métodos poco ortodoxos.

"1917" (Sam Mendes, 2019)

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Un plano secuencia único y fascinante (maravillosamente trucado) es el alarde fílmico con el que literalmente acompañamos a los dos protagonistas de esta película antibélica en una misión contrarreloj para salvar miles de vidas en plena 1ª guerra mundial. Es una virguería cinematográfica de muchísimos quilates en la que todo es sobresaliente y funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, pero de eso te das cuenta después porque todo está al servicio de lo que te quieren hacer sentir. Lo verdaderamente importante es que la experiencia es tan inmersiva, tan física, tan creíble, que vives por tí mismo la angustia, la tensión, el peligro que acecha a cada paso dentro y fuera de las trincheras. Nada mejor que eso para mostrarte algo tan profundamente inhumano y sinsentido como es una guerra. De hecho se alcanza tal empatía con los personajes y su situación que uno termina exhausto, zarandeado y profundamente conmovido. Por si no fuera poco la película mejora cuanto más la piensas, no me arriesgo mucho si digo que estamos ante una obra maestra mayúscula. De momento 10 nominaciones en los Óscars y caerán varios (Película, director, guión original, fotografía, banda sonora, diseño de producción, maquillaje, sonido, efectos sonoros, efectos visuales). NO OS LA PERDÁIS EN PANTALLA GRANDE.

"El regreso de Mary Poppins" (Rob Marshall, 2018)

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Entretiene (aunque hay quienes dicen que tampoco) y tiene su encanto como musical porque Disney cuida mucho todos los aspectos de producción, pero la reaparición de Mary Poppins fue decepcionante: un guión muy flojito que prácticamente repite estructura, un casting que naufraga por completo (y no hablo de Emily Blunt), números musicales que dejan fríos, pero sobretodo el hecho de que Mary Poppins no es Mary Poppins. Quizás valga para las nuevas generaciones que no han llegado a ver la película original de 1964, pero para quienes la hemos visto es un bajón en toda regla. Me quedaría con el fragmento de animación y poco más. Lo que me parece más grave es que debería ser una fiesta colorista, divertida, ilusionante y al menos a mí me dejó completamente indiferente. Una pena. Consiguió 4 nominaciones en los Óscar: Banda sonora, canción, diseño de producción y vestuario, pero no ganó ningún premio.

"Kingsman 2: El círculo de oro" (Matthew Vaughn, 2017)

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Lo que en la primera era entretenimiento gamberro, acción desbordante y espectáculo refrescante aquí se les va de las manos completamente y se convierte en exceso puro. Personajes, argumento, escenas de acción, parodia e incluso la duración pierden su equilibrio interno dentro de la propuesta y no acaban de funcionar como lo hicieron la primera vez. No puede decirse que la película no sea entretenida, que lo es, ni que no haya escenas deslumbrantes, que las hay, pero me dio la sensación que no han sabido mantener el nivel y que la fórmula se resquebraja.

"Love actually" (Richard Curtis, 2003)

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Comedia romántica coral ideal para ponerse "moñas" en fechas navideñas, ya que el guionista de "Cuatro bodas y un funeral", "Notting Hill" y "El diario de Bridget Jones" vuelve a conseguir una película llena de buenos sentimientos con la que el espectador consigue un chute de ánimo. Es decir, una feelgood comedy de temática romántica, que resulta deliciosa y se ve con sumo agrado. Eso sí, a los que no les guste el "dulce" que se abstengan.

"El editor de libros" (Michael Grandage, 2016)

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No son muchos los títulos que llegan actualmente al cine con hechuras clásicas y el mimo que se nota que han puesto en este caso en la dirección artística, además para contar la historia triangular de Thomas Wolfe, su mujer y el editor Max Perkins tenemos a tres grandes actores; pero no se logra transmitir ni la pasión literaria y vital del escritor ni emocionar lo suficiente con la huella emocional que éste dejó en su editor y amigo. Una auténtica pena porque arranca prometedora y acaba siendo aburrida. Muy por debajo de los que debería haber sido.

“Magia a la luz de la luna” (Woody Allen, 2014)

Amable y deliciosa comedia romántica sobre una joven vidente soñadora y un escéptico mago. La simplicidad de su argumento y planteamiento reducen esta película a un título menor en Allen, pero aún así es agradable de ver, toda la producción está muy cuidada y da para alguna reflexión existencial interesante.

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Título original: Magic in the moonlight.

Guión: Woody Allen.

País: EEUU.

Duración: 98 min.

Género: Comedia romántica.

Reparto: Colin Firth (Stanley), Emma Stone (Sophie), Marcia Gay Harden (Sra. Baker), Jacki Weaver (Grace Catledge), Eileen Atkins (tía Vanessa), Hamish Linklater (Brice Catledge), Simon McBurney (Howard Burkan), Catherine McCormack (Olivia). Producción: Letty Aronson, Edward Walson y Stephen Tenenbaum.

Fotografía: Darius Khondji.

Diseño de producción: Anne Seibel.

Vestuario: Sonia Grande.

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Estreno en España: 5 Diciembre 2014.

Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Yo recomendaria la película a los fieles incondicionales de Woody Allen porque para los que no lo sean quizás sea demasiado plácida y futil. Es importante saber que no vas a reirte a carcajadas, sino a sonreír con las ironías de los diálogos y que no vas a quedar epatado con lo que suceda, pero puedes disfrutar con el encuentro de los personajes y con los ambientes en los que se mueven.

“El topo” (Thomas Alfredson, 2011)

Magnífica adaptación de la novela de espionaje de John Le Carré, pero también una película muy exigente, compleja, intrincada, lenta y críptica. Hay que tener ganas de montar el puzzle y querer algo más que entretenerse para encontrarle el punto, de lo contrario indigestión fílmica asegurada.



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Título original: Tinker, tailor, soldier, spy.

Países: Reino Unido, Francia y Alemania.

Duración: 127 min.

Género: Thriller, espionaje.

Interpretación: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricki Tarr), John Hurt (Control), Mark Strong (Jim Prideaux), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Ciarán Hinds (Roy Bland), Toby Jones (Percy Alleline), David Dencik (Toby Esterhase).

Guión: Bridget O’Connor y Peter Straughan; basado en la novela homónima de John le Carré.

Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Robyn Slovo.

Música: Alberto Iglesias.

Fotografía: Hoyte van Hoytema.

Montaje: Dino Jonsäter.

Diseño de producción: Maria Djurkovic.

Vestuario: Jacqueline Durran.

Distribuidora: DeAPlaneta.

Estreno en Reino Unido: 16 Septiembre 2011.

Estreno en España: 23 Diciembre 2011.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años

“Un hombre soltero” (Tom Ford, 2009)

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Título original: A single man.
País: EEUU
Duración: 99 min.
Género: Drama.
Interpretación: Colin Firth (George), Julianne Moore (Charley), Matthew Goode (Jim), Nicholas Hoult (Kenny), Ginnifer Goodwin (Sra. Strunk), Teddy Sears (Sr. Strunk), Jon Kortajarena (Carlos), Paulette Lamori (Alva), Ryan Simpkins (Jennifer).
Guión: Tom Ford y David Scearce; basado en la novela de Christopher Isherwood. Producción: Tom Ford, Chris Weitz, Andrew Miano y Robert Salerno.
Música: Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi.
Fotografía: Eduard Grau.
Montaje: Joan Sobel.
Diseño de producción: Dan Bishop.
Vestuario: Arianne Phillips.
Distribuidora: Aurum.
Estreno en USA: 11 Diciembre 2009.
Estreno en España: 12 Febrero 2010.

Sorprendente ópera prima cuya mayor virtud es su sensibilidad y su intenso halo melancólico, obtenido a través de un suave ritmo narrativo, una envolvente banda sonora de Abel Korzeniowski (recuerda en cierto modo el estilo de Patrick Doyle) y una magnífica fotografía que juega con el color y la intensidad oscilando según el estado anímico del protagonista y, por supuesto, con un Colin Firth en auténtico estado de gracia interpretativo, capaz de transmitir a la perfección el poso de tristeza que anida en su personaje.

La película se sitúa en Los Ángeles en la época de la crisis de los misiles cubanos (1962), una ciudad en la que puede verse un gran póster de “Psicosis” ante el que el protagonista conversa con el personaje que interpreta el modelo español Jon Kortajarena y lo indico porque es una escena especialmente icónica. Colin Firth interpreta al profesor George Falconer, un profesor universitario que atraviesa una crisis personal tras la muerte de su pareja, Jim (Mathew Goode). Su apoyo tradicionalmente ha sido su amiga y confidente Charley (Julianne Moore), pero George está casi rendido porque no consigue ver con claridad su futuro.

Evidentemente estamos ante un drama personal en el que se entremezclan recuerdos con el momento presente y en el que los diálogos tienen un especial protagonismo, siempre entre dos personajes, en situaciones íntimas y en un tono en el que tienen cabida incluso las reflexiones existenciales, pero a pesar de ello la película no se hace lenta ni pesada gracias principalmente a unas interpretaciones magníficas (junto a Firth y a Moore, que están espléndidos, yo añadiría al joven Nicholas Hoult, en el papel de Kenny, que soporta excepcionalmente los primeros planos más complicados) y también a una magnífica adaptación de la novela original de Christopher Isherwood (creador tambien de “Cabaret”) que han escrito el director y David Scearce.

Al margen de la historia en sí del protagonista, que es desde luego la columna vertebral del relato hay un poso existencial en esta película que permite reflexionar sobre varios temas: por encima de todo el amor, valorado en esta ocasión desde la perspectiva de homosexualidad, tratada en esta ocasión con un profundo respeto y sensibilidad, haciéndola comprensible hasta para el más reacio; lo vacío de una vida sin amor (en el mejor diálogo de la película George asegura “Sabes, lo único que ha hecho que todo valga la pena son esas veces en las que de verdad he podido conectar con otro ser humano); el conflicto entre la rendición y la esperanza (“Unas cuantas veces en mi vida he experimentado momentos de una claridad meridiana, en los que durante unos breves segundos, el silencio ahoga el ruido y puedo sentir en lugar de pensar y todo parece muy definido y el mundo claro y fresco como si todo acabara de nacer”) o el miedo (George les explica a sus alumnos “El miedo está conquistando el mundo, el miedo se está utilizando como herramienta de manipulación en nuestra sociedad, es la forma de los políticos de vender políticas y para los publicistas de vendernos cosas innecesarias, pensad en ello, el miedo a ser atacados, el miedo a que haya comunistas acechando en cada esquina, el miedo a que un pequeño país caribeño que no cree en nuestra forma de vida represente un peligro para nosotros, el miedo a que la cultura negra se extienda por el mundo, el miedo a la caderas de Elvis Presley, tal vez ese sea un miedo real....el miedo a que el mal aliento destroce nuestra vida social, el miedo a hacerse viejo y estar solo”.

Lo más sorprendente y a la vez el mérito más evidente de Tom Ford es conseguir que un argumento como el de esta película atrape nuestro interés y además posea la sensibilidad que emana en todo momento y además lograrlo en la que es tu primera película, aunque el verdadero milagro en este caso me parece la actuación de Colin Firth y no porque sea mal actor sino por lo grandioso que está. Firth ganó el premio a mejor actor en el Festival de Venecia y fue nominado el mejor óscar, que finalmente ganó Jeff Bridges por “Corazón salvaje”.

En cualquier caso una película en la antítesis de la épica y la acción, un drama que ante todo pretende ser lírico y emotivo y con un estilo refinado, muy próximo a la estética del spot de colonias (lógico por otra parte, el director viene del mundo de la moda y trabajaba para Gucci). Cada género y cada película tiene su público, ésta ha de verse en calma, a la cálida luz de una lámpara en una atmósfera apacible y dispuesto a dejarse llevar por dramas íntimos.