Productor ejecutivo: Chris Bouchard Co-productores: Brian Lavery, Gladys San Juan, Julianne Honey-Mennal, Spencer Duru Ayudante de producción: Ashram Maharaj Guión: Chris Bouchard Guión adicional: Julianne Honey-Mennal, Sabina Sattar, Stuart Price. Música: Chris Bouchard Adam Langston: Andrew Skrabutenas Montaje: Lewis Albrow
El 3 de Mayo del año pasado (2009) quedaba disponible para los internautas una precuela de "El señor de los anillos" financiada con 3.000 libras esterlinas y creada por un grupo de fans de la saga de Peter Jackson que, sin ánimo de lucro, quisieron completar la historia del anillo de poder utilizando un planteamiento estético similar al usado por el director neozelandés.
Los hechos que narra esta precuela son inmediatamente anteriores a la marcha de Frodo a Rivendel que se cuenta en "La comunidad del anillo" y tiene que ver con la búsqueda de Aragorn de Gollum, que anda detrás del anillo único y conoce su paradero, por lo que resulta un peligro, como bien alerta Gandalf.
Dado que este cortometraje fue hecho sin ánimo de lucro por sus creadores, lo reproducimos aquí completo con subtítulos en castellano aunque también está disponible en Youtube o Dailymotion. Disfrutadlo porque merece la pena:
Desde nuestra web matriz (vianews) se nos ha ocurrido hacer una votación popular de las mejores películas de la década repasando año a año para confeccionar un ranking propio que podamos ondear como estandarte de nuestros gustos.
Para ayudarnos hemos optado por la web de 20 minutos, que ofrece la posibilidad de confeccionar listas de acceso público en las que se puede votar de forma rápida e intuitiva.
De momento hemos comenzado con el año 2001, pero iremos creando nuevas listas semana a semana.
Para participar basta con echarle un rato (no cuesta mucho, ya veréis) y pulsar aquí .
** Guión: Steven Antin. País: EEUU. Duración: 119 min. Género: Drama, musical, romántica. Interpretación: Cher (Tess), Christina Aguilera (Ali), Eric Dane (Marcus), Cam Gigandet (Jack), Julianne Hough (Georgia), Peter Gallagher (Vince), Alan Cumming (Alexis), Kristen Bell (Nikki), Stanley Tucci (Sean). Producción: Donald De Line. Música: Christophe Beck. Fotografía: Bojan Bazelli. Montaje: Virginia Katz. Dirección artística: Chris Cornwell. Vestuario: Michael Kaplan. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en USA: 24 Noviembre 2010. Estreno en España: 17 Diciembre 2010. Apta para todos los públicos.
“Burlesque” representa un tipo de película del que me cuesta mucho opinar porque reconociendo que más que aportar cosas nuevas es un remedo de otros musicales anteriores y reconociendo que el argumento es absolutamente previsible me entretiene y no me disgusta. Quizás sea porque siempre me ha gustado Cher o quizás porque siempre he sido pro-Christina Aguilera sobretodo si se trata de compararla con la pedorrísima de Britney Spears y mucho más siendo que ha cogido unos kilos que le sientan de maravilla y se ha puesto guapísima (lejos queda aquella chica esquelética y esmirriada que cantaba en el vídeo de “Lady marmalade” para “Moulin rouge”) o quizás sea porque los números musicales son resultones, sobretodo cuando la Aguilera se arranca con su chorro de voz que, reconozcámoslo, es potente como pocos.
Escuché en “Días de cine” que el director, Steve Antin, a quien no tenía el gusto de conocer aunque sé que ha hecho televisión, reconocía muchas influencias y entre ellas citaba musicales clásicos como los de Bubsy Berkeley o Vicent Minelli. ¿¿¿??? No sé, mucho decir es eso, pero es cierto que se pueden rastrear en “Burlesque” multitud de referencias: comienza que recuerda a “Showgirls” cuando Ali sale de su pueblo de la América profunda y se va a la gran ciudad para abrirse camino en el mundo del espectáculo; cuando entra en el local de Burlesque y se topa con Alexis (Alan Cummings) uno enseguida recuerda a Joel Grey en “Cabaret” (pero, vamos, sin despreciarlo, que lo bordó en Broadway, es sencillamente imposible mejorar aquella actuación); enseguida te acuerdas de “El bar coyote” cuando comprendes con quién se va a liar Ali (joer, suspense cero, lo sabes desde el mismo momento en que se acerca a la barra y siento el spoiler pero es que no desvelo nada, en serio); los números del escenario remiten a “Chicago” y los movimientos de cámara (a veces demasiado “nerviosa”, no termina de funcionar cuando hay diálogos) recuerdan a “Moulin rouge”. El caso es que tomando de aquí y de allá y con un argumento para todos los públicos, pero que gustará más a marchosos (me da que mucho más a “marchosas”), a incondicionales del musical y a seguidores de la Aguilera y Cher, se han montado los de la Summit el musical del año y no es moco de pavo, que desde “Moulin rouge” hay una cita anual con alguno y a veces con más pena que gloria (el año pasado fue “Nine”, más sofisticado sí, pero quizás más pesadito).
“Burlesque” es musical para la cultura popular, para público juvenil, una película para pasar el rato, un videoclip muy muy largo, de números musicales más vistosos que espectaculares porque lo único verdaderamente espectacular es la voz de Cristina Aguilera y de argumento facilón y poco trascendente, pero hasta este tipo de películas hay que saberlas hacer y el caso es que cumple, que da lo que promete y muchas veces no pedimos más como espectadores. Por lo que a mí respecta en concreto me gustó ligeramente más de lo que pensaba encontrar, así que fue una sorpresa agradable. No esperéis mucho y la disfrutaréis de igual modo.
Particularmente me quedo con la banda sonora (ya he dicho que me encanta la Aguilera y creo que es un debut cinematográfico muy digno para ella), con la elegancia de Cher, con la actuación de Stanley Tucci (este actor siempre está bien) y con lo bien que quedarán los números musicales como vídeos de fondo si se quiere montar un festorro. El argumento ya casi se me había olvidado, pero ¿qué más da? En estos casos no es lo más importante.
MIS ESCENAS FAVORITAS:
- Los números musicales en los que se lucen Christina Aguilera y Cher, especialmente “Express” y “Burlesque” aunque de la Aguilera también hay que destacar los temas de “Show me how you burlesque” y “The beautiful people” por ser los más cañeros y de Cher “You haven’t seen the last of me” por todo lo contrario. - El momento en que Tess habla con Ali en los camerinos y le ayuda a pintarse. - Las escenas de complicidad entre Tess y Sean. - La escena en la que se produce lo inevitable entre Ali y Jack es al menos simpática aunque era lo que todo el mundo espera desde el minuto 1. No es la escena de amor sorprendente de la película ;)
Tulsa (Oklahoma), el 26 de julio de 1922 Brentwood (California) el 16 de Diciembre de 2010
Ha fallecido Blake Edwards a la edad de 88 años. Nos ponemos de luto y esta vez más que nunca porque ha muerto un director, productor y guionista de cine y televisión de los que más nos han hecho reír con películas.
Blake Edwards era hasta ayer un auténtico clásico en vida, un cineasta único que de algún modo y, por supuesto salvando distancias y comparaciones, siguió la estela de grandes como Ernest Lutbisch o Billy Wilder desarrollando una comedia sofisticada (casi siempre con música de Henry Mancini) cuya mejor expresión sea probablemente “Desayuno con diamantes”, una comedia romántica deliciosa con una Audrey Hepburn capaz de noquear cantando “Moonriver”al tipo más duro, aunque sea el mismísimo Hannibal Smith “Me encanta que los planes salgan bien” (George Peppard).
En sus películas encontramos algunos de los mejores trabajos de Tony Curtis (“Vacaciones sin novia”, “Operación pacífico” o “La carrera del siglo”), Peter Sellers (la saga de “La pantera rosa” y “El guateque”) y por supuesto de Julie Andrews, su mujer (“SOB” o “Víctor o Victoria”) , pero no todo son comedias porque también firmó algunos dramas notables como “Chantaje contra una mujer” o “Días de vino y rosas”.
Particularmente creo que tiene un puñado de títulos imprescindibles como son la mencionada “Desayuno con diamantes”, “Operación Pacífico”, “Días de vino y rosas”, “La pantera rosa”, “El guateque”, “La carrera del siglo” y “Cita a ciegas”. A mí “Víctor o victoria” o “10, la mujer perfecta” nunca me han gustado tanto como esas.
FILMOGRAFÍA
- 1955 - Venga tu sonrisa (Bring your smile along). - 1956 - He laughed last ("El que ríe el último"). - 1957 - El temible Mr. Cory (Mister Cory) - 1958 - La pícara edad (This happy feeling). - 1958 - Vacaciones sin novia (The perfect furlough). - 1959 - Operación Pacífico (Operation Petticoat) **** - 1960 - Buenos tiempos (High time). - 1961 - Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's) ***** - 1962 - Chantaje contra una mujer (Experiment in terror). - 1962 - Días de vino y rosas (Days of wine and roses). **** - 1963 - La pantera rosa (The pink panther) **** - 1964 - El nuevo caso del inspector Clouseau / Un disparo en las sombras (A shot in the dark). *** - 1965 - La carrera del siglo (The race). ***** - 1966- ¿Qué hiciste en la guerra, papi?. - 1967- Gunn. - 1968- El guateque ***** - 1970 - Darling Lili (Darling Lili). - 1971 - Dos hombres contra el Oeste (Wild Rovers). *** - 1972 - Diagnóstico: asesinato (The carey treatment). - 1974 - La semilla del tamarindo (The tamarind seed). - 1975 - El regreso de la pantera rosa (The return of the pink panther). - 1976 - La pantera rosa ataca de nuevo (The pink panther strikes again). - 1977 - La venganza de la pantera rosa (The revenge of the pink panther). - 1979 - 10, la mujer perfecta '(10). *** - 1981 - Sois honrados Bandidos (S.O.B). - 1982 - Tras la pista de la pantera rosa (Trail of the pink panther). - 1982 - Victor o Victoria. *** - 1983 - La maldición de la pantera rosa (Curse of the pink panther). - 1983 - Mis problemas con las mujeres (The man who loved women). - 1984 - Micki y Maude (Micki + Maude). - 1986 - Así es la vida (That’s life!). - 1986 - El gran enredo (A fine mess). - 1987 - Cita a ciegas (Blind date). *** - 1988 - Asesinato en Beverly Hills (Sunset). ** - 1988- Justine Case. - 1989 - Peter Gunn (Peter Gunn). - 1989 – Una cana al aire (Skin deep). - 1991 – Una rubia muy dudosa (Switch) ***. - 1993 - El hijo de la pantera rosa (Son of the pink panther).
*** Países: México y España. Duración: 148 min. Género: Drama. Reparto: Javier Bardem (Uxbal), Maricel Álvarez (Marambra), Eduard Fernández (Tito), Diaryatou Daff (Igé), Cheng Tai Shen (Hai), Luo Jin (Liwei), Rubén Ochandiano (Zanc), Hanaa Bouchaib (Ana), Guillermo Estrella (Mateo), Cheick Ndiaye (Ekweme), Karra Elejalde (Mendoza). Guión: Alejandro G. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone; basado en un argumento de Alejandro G. Iñárritu. Producción: Alejandro G. Iñárritu, Fernando Bovaira y Jon Kilik. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Stephen Mirrione. Diseño de producción: Brigitte Broch. Vestuario: Paco Delgado. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en México: 22 Octubre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.
Escribo esta reseña un día después de conocer las nominaciones a los Globos de oro, en las que ha quedado fuera Javier Bardem pese a componer uno de los mejores y más intensamente dramáticos papeles de su carrera en esta película, por la que recibió el galardón a mejor actor en el Festival de Cannes, y si no ha sido nominado en los Golden Globes mucho me temo que la carrera hacia el óscar como actor principal está bastante difícil por no decir imposible, aunque que le quiten lo bailao (ya ganó el de mejor secundario por “No es país para viejos” y tuvo nominación como actor protagonista por “Before the night falls” de Julian Schnabel).
Javier Bardem es seguramente lo mejor de la nueva película del mexicano Alejandro González Iñarritu (aunque decir esto es injusto para Maricel Álvarez o Eduard Fernández, que están inmensos, como todo el reparto) y deja literalmente el corazón acongojado interpretando a un tipo que vive literalmente en un infierno personal pero que lo afronta sin lágrimas, sin llantos, con la certeza de que ni puede ni debe rendirse y seguramente porque ya se ha lamentado y ha sufrido suficientemente mucho antes.
No sé si el lector ha pasado por ello, pero yo pienso que el dolor más intenso es precisamente ese que te deja sin lágrimas porque ya no te zarandea, no te convulsiona y ya no se traduce en una expresión física porque ataca directamente a tu alma. Lo explico de una forma muy “metafísica”, pero creo que se entiende y además pienso que es lo que transmite esta película.
Uxbal (Javier Bardem) vive en Barcelona y padece una enfermedad terminal (no anticipo nada, esto se sabe desde el mismo comienzo de la película) pero antes de morir debe dejar atados ciertos cabos porque tiene dos hijos, está separado de su mujer, trapichea con la policía para que un grupo de chinos puedan trabajar de forma clandestina haciendo bolsos que después vende a través de inmigrantes africanos.
Esta es la cuarta película de Alejandro González Iñarritu, que probablemente si conseguirá nominación como mejor filme de habla no inglesa en los óscars para México pero probablemente no ganará porque los académicos de Hollywood prefieren dramas humanos que transmitan una cierta esperanza y “Biutiful” es una película desoladora con un final que también es comienzo (la estructura narrativa es circular) que te alivia solo si te crees que, en efecto, Uxbal ve más allá de la realidad (para mi gusto un asidero a la esperanza un tanto frágil).
Iñarritu ha perdido por primera vez en su cine la pluma de su guionista fetiche, Guillermo Arriaga, y eso se nota tanto que la crítica se ha cebado en el hecho para justificar una descenso de calidad de esta película respecto a las anteriores del director. Creo en cambio que el estilo de Iñarritu se mantiene puesto que compone de nuevo un drama intenso, una película de atmósfera “nublada” en la que los personajes se ven sometidos a una realidad opresiva, a unas circunstancias que pueden con ellos y los tumban en la lona de la vida. Lo que pierde el cine de Iñarritu sin Arriaga es esa fabulosa capacidad para entremezclar varias historias, para convertir lo coral en un discurso único y para fragmentar y desfragmentar la narración buscando efectos expresivos. Efectivamente, “Babel” fue seguramente su mejor película; aunque “Amores perros” narrativamente me impactó más y situaría “Biutuful” la tercera porque “21 gramos” me pareció excesiva tanto a nivel formal como a nivel dramático.
El propio director dice que si “Babel” era una ópera, “Biutiful” sería un réquiem y lo dice porque conscientemente rebaja pretensiones y se concentra en un solo personaje protagonista, en un solo escenario, en una única línea narrativa y en desarrollo lineal
No es sencillo ir a ver una película de Iñarritu, sobretodo si vas sobre aviso y ya has visto alguna otra antes. Lo que te encuentras son dramas sin concesiones así que tienes que querer ver eso precisamente porque de lo contrario el metraje (que siempre suele ser largo) puede llegar a resultar insufrible, puede provocarte un hartazgo y obligarte a abandonar.
A mí modo de ver Iñarritu tiene una especial capacidad para introducirte en ambientes de un realismo afixiante que por ello mismo hace que su estilo no sea “realista” sino dramáticamente poético (compárese como ejemplo lo distinta que es la Barcelona que nos muestra a la de Woody Allen en “Vicky Cristina Barcelona”). Hay mucho en sus películas de búsqueda de microcosmos de dolor y en ésta más que en ninguna, de un cierto lirismo, una cierta poesía de lo patético, un intento por trascender más allá del dolor, por buscarle al sufrimiento un cierto sentido de redención. Es como si los personajes, conscientes de sus errores, aceptaran lo que les toca sufrir con resignación como único camino para liberarse. Por ello como espectador asistes a todo pasmado, impregnándote de la tristeza que invade a los protagonistas.....Esa escena de Uxbal andando sobre un puente al caer la tarde, con las luces de Barcelona de fondo y viendo los pájaros en el cielo revolotear con esa magnífica banda sonora de Gustavo Santaolalla y la fotografía crepuscular de Rodrigo Prieto transmite una profunda melancolía y más teniendo en cuenta lo que acaba de suceder. Son imágenes que no te hacen llorar, con las que no surge el llanto pero que te dejan los ojos llenos de lágrimas, como a los personajes.
La sensación al ver “Biutiful” es parecida a la de tomarse un zumo de pomelo, puedes disfrutarla pero es amarga y te deja el cuerpo con ganas de una compensación en sentido contrario, con ganas de azúcar y dulce, de comedia y algarabía y es que el cine de Iñarritu son las antípodas del musical del Hollywood dorado, “Biutiful” es el “Cantando bajo la lluvia” del drama aunque es cierto que este tipo de descenso a los infiernos nos ayuda a relativizar problemas y a valorar los de los demás, a sufrir en cabeza ajena para comprender sin padecer en carne propia. A veces ver películas como ésta es necesario, aunque no sean nuestras favoritas.
MIS ESCENAS FAVORITAS (¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!)
- Las escenas cenitales de los inmigrantes huyendo de la policía desde la Plaza España hacia calles adyacentes. - Las escenas de Bardem con su amiga y consejera la vidente. - Impresionante la escena en la discoteca. - El comienzo y el final de la película creando una estructura circular. - Bardem sobre el puente mirando los pájaros volando en el cielo de Barcelona.
Con el anuncio de las nominaciones a los Globos de Oro, que concede la Asociación de la prensa extranjera de Hollywood y que se otorgarán el próximo 15 de Enero, se da el pistoletazo de salida “no oficial” de los óscars.
Es “no oficial” porque nada tienen que ver unos premios con los otros, pero de entre todos los galardones que se entregan por estas fechas en Estados Unidos son seguramente los que mejor anticipan la entrega de las doradas estatuillas en Febrero. Sin duda una de las películas nominadas en estos Globos de Oro terminará convirtiéndose en la gran vencedora de los óscars y son seis los títulos que parten con más opciones: “The king’s speech”, “La red social”, “Origen”,“The fighter”, “Black swan”, “127 horas” y aunque muchos críticos creen que la lucha quedará concentrada entre los tres primeros títulos mencionados.
En el apartado de televisión “Glee” se ha destacado con cinco nominaciones y se ha convertido en la serie de moda por encima de otras también muy destacadas como “Boardwalk empire”, “The walking dead”, “Mad men”, “30 rock” o “Dexter”.
MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
"Black Swan" "The fighter" "Origen" "The king's speech" "La red social"
MEJOR PELÍCULA COMEDIA O MUSICAL
"Alicia en el país de las maravillas" "The Kids are all right" "Red" "The Tourist" "Burlesque"
MEJOR DIRECTOR
Darren Aronofski "Black Swan" David Fincher "La red social" Tom Hooper "The King's speech" Christopher Nolan "Origen" David O. Rusell "The fighter"
MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
Jesse Eisenberg "La red social" Colin Firth "The King's speech" James Franco "127 hours" Ryan Gosling "Blue valentine" Mark Wahlberg "The fighter"
MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Halle Berry "Frankie and Alice" Nicole Kidman "Rabbit Hole" Jennifer Lawrence "Winter's Bone" Natalie Portman "Black Swan" Michelle Williams "Blue valentine"
MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL
Johnny Depp "Alicia en el país de las maravillas" Johnny Depp "The tourist" Paul Giamatti "Barney's version" Jake Gyllenhaal "Love and other drugs" Kevin Spacey "Casino Jack"
MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL
Annette Bening "The kids are all right" Anne Hathaway "Love and other drugs" Angelina Jolie "The tourist" Julianne Moore "The kids are all right" Emma Stone "Easy A"
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Christian Bale "The fighter" Michael Douglas "Wall Street 2: Money never sleep" Andrew Garfield "La red social" Jeremy Renner "The town" Geoffrey Rush "The King's speech"
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "The fighter" Helena Bonham Carter "The King's speech" Mila Kunis "Black Swan" Melissa Leo "The fighter" Jacki Weaver "Animal Kingdom"
MEJOR GUIÓN
"127 hours" "The kids are all right" "Origen" "The king's speech" "La red social"
MEJOR BANDA SONORA
"The King's speech" "Alicia en el país de las maravillas" "127 hours" "Origen" "La red social"
MEJOR CANCIÓN
"Bound to you" ("Burlesque") "Coming home" ("Country strong") "I se the light" ("Tangled") "There's a place for us" ("Chronicles of Narnia") "You haven't seen the last of me" ("Burlesque")
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Gru, mi villano favorito" "Cómo entrenar a tu dragón" "Tangled" "Toy Story 3" "The illusionist"
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Biutiful" (México / España) "The concert" (Francia) "I am love" (Italia) "In a better world" (Dinamarca) "The edge" (Rusia)
MEJOR SERIE DE TV - DRAMA
- Boardwalk empire - Dexter - The good wife - Man men - The walking dead
MEJOR SERIE DE TV - COMEDIA o MUSICAL
- 30 rock - The bing bang theory - The big C - Glee - Modern Family - Nurse Jackie
MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMÁTICA DE TV
- Julianna Margulies (The good wife) - Elizabeth Moss (Mad men) - Piper Perabo (Covert affairs) - Katey sagal (Sons of anarchy) - Kyra Sedgwick (The closer)
MEJOR ACTRIZ EN SERIE DE TV DE COMEDIA O MUSICAL
- Toni Colette (United States of Tara) - Edie Falco (Nurse Jackie) - Tina Fey (30 rock) - Laura Linney (The big C) - Lea Michele (Glee)
MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA DE TV
- Steve Buscemi (Boardwalk empire) - Bryan Cranston (Breaking bad) - Michael C. Hall (Dexter) - John Hamm (Mad men) - Hugh Laurie (House)
MEJOR ACTOR EN SERIE DE TV DE COMEDIA O MUSICAL
- Alec Baldwin (30 rock) - Steve Carell (The office) - Thomas Jane (Hung) - Matthew Morrison (Glee) - Jim Parsons (The big bang theory)
MEJOR MINI SERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV
- Carlos - The Pacific - Los pilares de la Tierra - Temple Grandin - You don't know Jack
MEJOR ACTRIZ EN MINI SERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV
- Hayley Atwell (Los Pilares de la Tierra) - Claire Danes (Temple Grandin) - Judi Dench (Return to Cranford) - Romola Garai (Emma) - Jennifer Love Hewitt (The client list)
MEJOR ACTOR EN MINI SERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV
- Idris Elba (Luther) - Ian McShane (Los Pilares de la tierra) - Al Pacino (You don't know Jack) - Dennis Quaid (The special relationship) - Edgar Ramírez (Carlos)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA EN MINI SERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV
- Hope Davis (The special relantionship) - Jane Lynch (Glee) - Kelly MacDonald (Boardwalk empire) - Julia Stiles (Dexter) - sofia Vergara (Modern Family)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO EN MINI SERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV
- Scott Cann (Hawaii five-0) - Chris Colfer (Glee) - Crish Noth (The good wife) - Eric Stonestreet (Modern family) - David Stratahairn (Temple Grandin)
NOMINACIONES CINE
THE KING’S SPEECH 7 THE FIGHTER 6 THE SOCIAL NETWORK 6 BLACK SWAN 4 ORIGEN 4 THE KIDS ARE ALL RIGHT 4 127 HOURS 3 ALICE EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS 3 BURLESQUE 3 THE TOURIST 3 BLUE VALENTINE 2 LOVE AND OTHER DRUGS 2 TANGLED 2 ANIMAL KINGDOM 1 BARNEY’S VERSION 1 BIUTIFUL 1 CASINO JACK 1 LAS CRÓNICAS DE NARNIA 3 1 THE CONCERT 1 COUNTRY STRONG 1 DESPICABLE ME 1 EASY A 1 THE EDGE 1 FRANKIE AND ALICE 1 Cómo entrenar a tu dragón 1 I AM LOVE 1 THE ILLUSIONIST 1 IN A BETTER WORLD 1 RABBIT HOLE 1 RED 1 THE TOWN 1 TOY STORY 3 1 WALL STREET: MONEY NEVER SLEEPS 1 WINTER’S BONE 1
NOMINACIONES TV
GLEE 5 30 ROCK 3 BOARDWALK EMPIRE 3 DEXTER 3 THE GOOD WIFE 3 MAD MEN 3 MODERN FAMILY 3 PILLARS OF THE EARTH 3 TEMPLE GRANDIN 3 THE BIG BANG THEORY 2 THE BIG C 2 CARLOS 2 NURSE JACKIE 2 THE SPECIAL RELATIONSHIP 2 YOU DON’T KNOW JACK 2 BREAKING BAD 1 THE CLIENT LIST 1 THE CLOSER 1 COVERT AFFAIRS 1 EMMA 1 HAWAII FIVE-O 1 HOUSE 1 HUNG 1 LUTHER 1 THE OFFICE 1 THE PACIFIC 1 RETURN TO CRANFORD 1 SONS OF ANARCHY 1 UNITED STATES OF TARA 1 THE WALKING DEAD 1
**** País: Francia. Duración: 111 min. Género: Drama. Interpretación: Vincent Lindon (Simon), Firat Ayverdi (Bilal), Audrey Dana (Marion), Derya Ayverdi (Mina), Thierry Godard (Bruno), Selim Akgül (Zoran), Firat Celik (Koban), Murat Subasi (Mirko), Olivier Rabourdin (teniente de policía), Yannick Renier (Alain). Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol y Olivier Adam. Producción ejecutiva: Eve Machuel. Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar y Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailland. Montaje: Andréa Sedlackova. Dirección artística: Yves Brover. Distribuidora: Golem. Estreno en Francia: 11 Marzo 2009. Estreno en España: 30 Abril 2010.
“Welcome” es una película francesa que fue presentada en la sección Panoramas del Festival de Berlin de 2009 recibiendo el premio del Jurado Ecuménico y el premio Label Europa Cinemas y de ese modo comenzó una carrera comercial no muy destacada pese a que se trata de una de las películas más emotivas del 2009.
Es una pena, pero muchas de películas como ésta (no sólo europeas), pasan desapercibidas por las carteleras sin que les demos una oportunidad, simplemente porque su aparato propagandístico es inferior al de otros títulos con grandes estudios detrás que pueden gastarse un dinero en convencernos de que lo que vamos a ver puede sernos de interés. Claro, uno se deja llevar por esas pistas, y es lógico porque ¿cómo decidir si una película de la que no nos hablan mucho nos puede gustar? Generalmente no nos arriesgamos hasta ese punto, así que pienso que es conveniente hablar de esas películas por si de esa manera se convence a alguien para que las vea.
“Welcome” es una película muy actual, es una de esas películas que te abren los ojos, te sacan de tu rutina y de pronto te hacen pensar en los demás, en gente que convive en tu ciudad, que pasa a tu lado por la calle y que vive mucho peor de lo que ni siquiera imaginas (Ni siquiera se me había pasado por la cabeza que pudiera estar penado ayudar puntualmente a una persona si es inmigrante). Te hace pensar que siendo europeo, viviendo en tu país, con tu familia, en tu casa, teniendo lo básico eres un privilegiado. Trata sobre la inmigración ilegal en Europa y nos cuenta la historia de Bilal, un joven kurdo de diecisiete años que ha llegado andando a Calais (Francia) desde su país y trata de reunirse con su novia, que se ha instalado en Londres con sus padres y también trata sobre la soledad y sobre parejas rotas porque Simon es profesor de natación y un adulto cuyo matrimonio ha naufragado por lo que debe recomponer su vida.
Evidentemente estamos ante un drama realista y comprometido con problemáticas muy propias de los tiempos que corren, pero es muy importante destacar que el tono que emana de la película no es trágico ni lacrimógeno, no es un dramón (también ayuda a que no lo sea una fotografía que resulta veraz y luminosa de algún modo, que no crea las atmósferas asfixiantes de otras películas similares), aunque los protagonistas pasen por malos momentos. En todo instante los personajes luchan por seguir adelante y se afanan por conseguir lo que quieren y hay algo positivo en todo ello aún cuando los resultados no siempre lo sean y eso envuelve a la película de un halo de veracidad y de esperanza que te atrapa, que te provoca un especial interés de inicio a fin. Por así decirlo, el director nos ahorra el más hondo sufrimiento que puedan haber tenido los personajes y nos los muestra en un estado en el que ya no hay lugar para las lágrimas, el llanto o la autocompasión, sino para la lucha, asumiendo que es difícil que las cosas cambien si no es peleándolas. Bilal y Simon son conscientes de su situación, a menudo la sufren en silencio, pero no derraman una lágrima, sólo siguen adelante y eso irremediablemente nos hace empatizar al máximo con ellos (hay que destacar el magnífico trabajo que hacen Vicent Lindon y Firat Ayverdi, nos hacen sentir que son buenas personas, que merecen la pena, nos llegan).
Me parece excepcional el ritmo narrativo de la película, no existen tiempos muertos aún cuando el director trata de hacernos ver la soledad en la que se encuentran los personajes y la historia va avanzando cargándonos el ánimo de una sensación agridulce que es el poso que queda una vez vista y para lo que la magnífica banda sonora ayuda de manera decisiva.
La impresión final es la de una película conmovedora, necesaria, profundamente emotiva en la que se nos conciencia y a la vez se nos entretiene, en la que somos testigos de problemas muy comunes que pueden sernos cercanos o que podemos vislumbrar no muy lejos y en la que se nos encoge el ánimo pero también se nos cargan las pilas para seguir adelante.
Una película conmovedora que merece la pena verse porque el cine no sólo es espectáculo, también es conciencia y testimonio humano.
MIS ESCENAS FAVORITAS (¡¡¡NO LEER SI NO SE HA VISTO, CONTIENE SPOILERS!!!)
- El grupo de Bilal tratando de llegar a Gran Bretaña en un camión cubriéndose las cabezas con bolsas para pasar el control de CO2. - Simon le explica a Bilal en la piscina lo difícil que es lo que se propone hacer después de descubrirlo por sí mismo atando cabos y éste sigue nadando pese a todo. - Simon recogiendo con su coche a Bilal y su amigo. - Simon defendiéndose en cada uno de los interrogatorios a los que le someten en la policía: ¿está diciendo que no se puede recoger autoestopistas? - Simon convenciéndole a Bilal que lo que ha recibido son buenas noticias pese a que el padre de su novia la ha comprometido con otro, porque a fin de cuentas unas horas antes pensaba que se había olvidado de él. - Simon acudiendo a la fila donde dar de comer a los inmigrantes en el puerto para darle su abrigo a Bilal. - La escena de Bilal nadando en el mar. - El encuentro de Simon y Mina en el bar con Cristiano Ronaldo marcando un gol con el Manchester United.
*** Título original: The chronicles of Narnia: The voyage of the Dawn Treader. País: EEUU. Duración: 115 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Ben Barnes (rey Caspian), Skandar Keynes (Edmund Pevensie), Georgie Henley (Lucy Pevensie), Will Poulter (Eustace Scrubb), Tilda Swinton (La Bruja Blanca). Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely y Michael Petroni; basado en el libro de C.S. Lewis. Producción: Mark Johnson, Andrew Adamson y Philip Steuer. Música: David Arnold. Fotografía: Dante Spinotti. Montaje: Rick Shaine. Diseño de producción: Barry Robinson. Vestuario: Isis Mussenden. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 10 Diciembre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010..
En su primer fin de semana en España la tercera parte cinematográfica de “Las crónicas de Narnia” (que corresponde a la quinta novela de la serie por orden cronológico) se convirtió de nuevo en lo más visto en los cines, algo muy curioso cuando esta saga siempre ha parecido llegar, permanecer y marcharse de los cines como “de tapadillo”.
La primera parte, “El león, la bruja y el armario” (2005), se consideró en cierto modo un fracaso en taquilla, sobretodo en EEUU, pero sumando las cantidades recaudadas en todo el mundo cuadruplicó en ganancias la inversión de su presupuesto y la continuación, “El príncipe Caspian” (2008) aunque no llegó a doblar recaudó 420 millones de dólares, lo cual no es tampoco una mala cifra. Sea como fuere el caso es que la Disney, coproductora de las dos primeras entregas, perdió interés y se desentendió de futuras continuaciones condenando en cierto modo la franquicia hasta que la 20Th Century Fox decidió apostar por ella para esta tercera parte.
Aunque el presupuesto se ha reducido de forma notable en “La travesía del viajero del alba” (considerada por muchos lectores la mejor novela de las que escribió C. S. Lewis sobre el mundo de Narnia) los efectos especiales (buenos en general, aunque a veces “cantan” un poquito debido a la “luz”, que se nota artificial, como en otras muchas producciones actuales) y el entretenimiento son la gran apuesta de sus creadores sin perder nunca de vista que el público potencial han de ser pequeños y mayores y lo cierto es que la película funciona tan bien como las anteriores, aunque sobre esto puntualizo.
Creo que “Las crónicas de Narnia” no ha de valorarse con el mismo baremo que otras sagas coetáneas de cine fantástico como “El señor de los anillos” o “Harry Potter” que han triunfado en todo el mundo, sobretodo porque sería injusto ya que hablamos de producciones que cuentan o contaron con los mejores medios técnicos y artísticos. Más bien hay que ver la serie como una digna sucesora de un cine iniciado tiempo atrás por ya clásicos como “Cristal oscuro”, “La historia interminable”, “Willow”, “La princesa prometida”, “Dentro del laberinto” y otras muchas que con más o menos fortuna se han ido haciendo desde los años 80’s con cierta asiduidad. En ese ámbito, por supuesto, las películas que acabo de citar son pequeñas joyas y sólo el tiempo dirá si las películas de Narnia lo serán, pero por lo pronto están concebidas con total respeto al género y procurando ofrecer lo mismo que ofrecían aquellas, entretenimiento sí, pero también la mejor evasión hacia otros mundos de fantasía que permite el cine hoy por hoy y es de agradecer porque esto no siempre fue así.
Particularmente me interesa mucho el cine de este género y pienso que cada generación o cada navidad precisa de su película de aventuras de fantasía porque cada año hay una legión de niños dispuestos a dejar volar su imaginación desde una butaca o en su casa tras ver una historia y de adultos dispuestos a regresar durante dos horas a sensaciones de su infancia y, aunque no puedo decir que esta saga esté entre mis películas favoritas, lo cierto es que hasta ahora he disfrutado con los tres títulos a un nivel similar, sin notar que el interés o los medios puestos en pro de las historias hayan descendido. Creo que tanto seas niño o adulto la saga se deja ver. Me parece incluso que esta tercera parte ha sabido remontar sus dificultades económicas con acierto y no parece hecha para cumplir como sucede con otras continuaciones (lo mismo sentí con la segunda), tiene su propio encanto al llevar la acción al océano y cuenta tras la cámara con un director experimentado que cumple. Michael Apted no es cualquiera, en su filmografía hay títulos como “Quiero ser libre”, “Gorilas en la niebla”, “Nell”, “El mundo nunca es suficiente” o “Enigma” sí que como mínimo está bien filmada.
Uno de los peros que se le han puesto a la saga de Narnia y por consiguiente a esta película es que el casting de los jóvenes actores no ha sido muy afortunado, pero sobre esto pienso que cumplen, son niños, así que dan el pego (que empaticen o no con el público puede ser un problema pero creo que eso es una cuestión muy subjetiva, a mí no me chirrían por ejemplo). En concreto el primo Eustace repele desde el principio, pero la elección y la actuación de Will Poulter está hecha a idea, ya que Eustace se incorpora a la historia a regañadientes y poco a poco nos va convenciendo conforme él mismo asimila el mundo de Narnia. De nuevo el contraste entre realidad y ficción vuelve a ser uno de los temas subyacentes, es en realidad el leitmotiv de la obra de C. S. Lewis y aporta alguno de los mejores momentos porque uno asume mientras ve la película que el espíritu libre, imaginativo, infantil que todos poseemos solo puede desatarse en el mundo de Narnia y por ello cada despedida de los personajes con el león Aslan encoge el ánimo.
“La travesía del Viajero del Alba” nos cuenta como Edmund, Lucy y el primo Eustace se embarcan junto al rey Caspian en un velero para buscar a los siete caballeros que estaban a las órdenes de su padre, con cuyas espadas podrán vencer a la niebla de la Isla oscura, que está asolando las costas de las islas del mar del Este.
La película avanza a buen ritmo, resulta entretenida y nos lleva a lugares poblados por seres invisibles, magos, hadas en forma de estrella, malvados seres marinos, dragones etc así que cualquier chaval o no tan chaval con ganas de evadirse lo tiene francamente fácil, máxime cuando hoy por hoy los recursos audiovisuales del cine (3D incluido, por supuesto) garantizan que nuestros sentidos queden admirados ya sea por las imágenes o por el sonido (de nuevo una épica banda sonora, esta vez de David Arnold, realza la historia).
Sin duda ofrece lo que promete y pienso que no defrauda.
ESCENAS FAVORITAS (CUIDADO, CONTIENE SPOILERS):
- La entrada y la salida de los protagonistas a Narnia a través del cuadro de un velero. - Lucy enfrentándose a los seres invisibles y penetrando en el Palacio de los conjuros. - El dragón aparece y pone en peligro al barco, pero no es lo que parece. - Las escenas en las que interactúan el ratón Reepicheep y Eustace. - La escena más espectacular de la película es el enfrentamiento del monstruo marino de la Isla oscura con el barco (no es la que más me gusta). - Las despedidas con Aslan, la marcha de Reepicheep por la ola gigante (es el momento más emotivo).
Nacimiento: Orden de Canadá (Regina, Canadá, 11 de febrero de 1926) Muerte: Fort Lauderdale, Estados Unidos, 28 de noviembre de 2010)
Hace unos días murió Leslie Nielsen, sí el actor de pelo blanco que sale en esas parodias coronas en las que los estudios se ríen de sus propias películas. El caso es que no lo habíamos homenajeado hasta ahora y valga un repaso a su filmografía.
Extraña observar que Leslie Nielsen aparecía en “Planeta prohibido” y “La aventura del Poseidón” y en estos momentos ni lo ubico, seguramente tenía papeles secundarios y realmente donde lo recordamos en un sinfín de comedias gamberras de chistes malos que, admitámoslo, nos han hecho reír muchas veces aunque no nos las tomemos muy en serio y aunque algunas sean malas malas con avaricia (una vez me equivoqué de sala y entré a ver “Reposeída” por error, me quedé por aquello de que era comedia y la película que iba a ver estaría ya empezada, pero vamos, horrible jeje).
La verdad es que su filmografía no le convierte en un actor de relumbrón, pero una cosa debemos reconocer y es que se ganó su puesto en el mundo del cine y ahora es alguien recordado. Alguien me dijo alguna vez que es mejor ser “especial” que ser como todos porque la gente te recuerda, pues un poco eso es lo que pasa con Leslie Nielsen.....ya se lo dijo Marlon Brando según indica la wikipedia: "Él me decía que había que aceptar todos los papeles, porque no es actor el que no actúa".
Curiosamente comentando el fallecimiento parece que le recordamos con más cariño los hombres y aunque nunca es bueno ni justo generalizar ¿será que ese humor gamberro ese típicamente masculino? Sea como fuere el repaso a su carrera es una manera de transmitir que se le echará en falta...
FILMOGRAFÍA
1956 - Planeta prohibido **** 1956 - Sexo opuesto 1956 - Rapto 1958 - Furia en el valle 1968 - Una tumba al amanecer 1972 - La aventura del Poseidón **** 1977 - The Day of the Animals 1980 – Aterriza como puedas *** 1982 - Objetivo mortal 1982 - Creepshow 1987 - Loca 1988 - Agárralo como puedas ** 1990 – Reposeída * 1992 - Agárralo como puedas 2½: El aroma del miedo ** 1993 - Todo lo que quiero para Navidad 1994 - Agárralo como puedas 33⅓: El insulto final ** 1995 - Drácula, un muerto muy contento y feliz 1996 - Espía como puedas 1997 - Mr. Magoo 1997 - Acampa como puedas 1998 -¡Vaya un fugitivo! 1999 - Camouflage 2000 - 2001: Aterriza como puedas 2001 - Esquía como puedas 2002 - Men with Brooms 2003 - Scary Movie 3 2006 - Scary Movie 4 2007 - Music Within 2008 - Superhero Movie 2008 - An American Carol 2008 - El castañazo 3 2009 - Stan Helsing 2009 - Spanish Movie
Lo nuevo de Michel gondry, director de "Human nature", "Olvídate de mí", "La ciencia del sueño" y Rebobine por favor", la verdad es que descoloca bastante:
***** Título original: The mission País: Gran Bretaña Duración: 126 min. Género: Drama, histórico, religión Reparto: Robert De Niro (Rodrigo Mendoza), Jeremy Irons (padre Gabriel), Ray McAnally (Altamirano), Aidan Quinn (Felipe Mendoza), Cherie Lunghi (Carlotta), Ronald Pickup (Hontar), Chuck Low (Cabeza), Liam Neeson (Fielding), Bercelio Moya, Sigifredo Ismare, Asuncion Ontiveros, Alejandrino Moya, Daniel Berrigan, Rolf Gray, Álvaro Guerrero, Tony Lawn, Joe Daly, Carlos Duplat, Rafael Camerano, Monirak Sisowath, Silvestre Chiripua, Luis Carlos Gonzalez, Maria Teresa Ripoll Distribuidora: Warner Bros. Pictures Productora: Warner Bros. Pictures, Enigma Productions, Goldcrest Films International, Kingsmere Productions Ltd. Dirección artística: George Richardson, John King, Norman Dorme Fotografía: Chris Menges Historia original y guión : Robert Bolt Montaje: Jim Clark Música: Ennio Morricone
Corría el año 86 cuando se estrenó “La misión” y Roland Joffe, director de origen francés, pero que trabajaba con un equipo de producción británico refrendó las buenas sensaciones de su primera película, “Los gritos del silencio”, que dos años antes había ganado los óscars a mejor actor secundario (Haing S. Ngor), fotografía, montaje. “La misión” se presentó con gran éxito en el festival de Cannes y se llevó la palma de oro e inmediatamente se convirtió en la película de moda llegando a alcanzar 7 nominaciones en los óscars (película, director, fotografía, montaje, dirección artística y vestuario) en el año que ganó “Platoon”.
Siguiendo una línea similar a la de su primera película Roland Joffé desarrollaba un drama real (la vida del jesuita Antonio Ruiz de Montoya desdoblada en dos personajes), al tiempo que se recreaba en escenarios naturales transportando a las plateas a otro tiempo y otros lugares, en concreto a la jungla sudamericana junto a la cataratas del Iguazú allá por 1750.
La película nos cuenta la historia de un grupo de jesuitas liderado por el padre Gabriel que, desafiando la resistencia indígena, construye la misión de San Carlos en mitad de la jungla, justo en la parte más elevada de las cataratas del Iguazú, en tierra españolas. Gabriel (Jeremy Irons) es hombre idealista y de oración y acoge junto a él a Rodrigo de Mendoza (Robert de Niro), un mercenario traficante de esclavos que pretende purgar sus pecados con una vida de penitencia. Juntos logran que los indios guaraníes entiendan la misión como su casa, pero debido a una nueva delimitación de fronteras, las tierras en las que se ubica pasan a pertenecer a Portugal y deben emigrar. Los sacerdotes deben entonces decidir si cumplir el voto de obediencia dejando desamparados a los guaraníes o luchar contra los usurpadores que quieren echarlos de su casa.
Mucha gente consideró la película lenta y pesada, pero todo el mundo alabó la belleza de sus imágenes y quedó maravillado con el efecto envolvente de la banda sonora de Ennio Morricone, magnífica, una de las partituras más bellas y recordadas de la historia del cine y merecedora del óscar que no logró y que le arrebató Herbie Hancok por su también extraordinario trabajo en “Alrededor de la medianoche”. Independientemente de si “La misión” gusta o no, cualquiera que la vea queda impregnado del tono melancólico y la belleza de la melodía y de las imágenes y es lo que verdaderamente queda en el recuerdo de esta hermosa película.
Respecto a si es o no lenta y tediosa pienso que depende del interés que pueda tener cada cual en el tema que trata. A mí no me parece que el ritmo sea lento y tengo la sensación de que el montaje es muy preciso, muy acertado para que cada escena aporte nueva información, pero el que algo sea aburrido o entretenido es una percepción muy personal. Es cierto que Joffe se recrea mucho en las imágenes y pretende narrar con ellas, sin necesidad de recurrir a los diálogos o a la narración en muchos momentos, pero por sí mismas las imágenes hablan por sí solas, no sólo de la belleza de los espacios naturales (evidente cada vez que la cámara filma en la distancia), también de la dureza de ese mundo en estado salvaje (impresionantes las escenas en las que los jesuitas trepan por el cortado de la cascada, sobretodo cuando Mendoza lo utiliza como penitencia), del desamparo moral de un personaje como Rodrigo de Mendoza (sobrecogedora la escena en la que lleno de barro el personaje interpretado por Robert de Niro rompe a llorar al llegar al poblado), del abrigo que le ofrecen tanto a él como a los indígenas los jesuitas (maravilloso siempre Jeremy Irons, pero muy bien también en un segundo plano Liam Neeson)....Es sin duda una película que entra por los sentidos, por la vista y el oído, para disfrutar en la pantalla de un cine y que resulta muy física, que nos abruma, que nos muestra lo insignificantes que somos las personas ante el poderío de la naturaleza y su infinita belleza.
Es además una película que nos lanza para nuestra reflexión disyuntivas éticas y que nos habla de una trágica realidad, la de los indios indígenas de Sudamérica, que pasaron de ser dueños de su mundo a víctimas de los tejemanejes políticos de una sociedad más avanzada que no supo gestionar con comprensión y piedad su superioridad y su ambición. El desenlace resulta desgarrador al darnos a entender que los intereses políticos terminan arruinando todo lo que no se someta a ellos, aún cuando no deje de ser un mero capricho, una mera imposición.
También habla la película sobre dos personas diferentes, dos maneras de entender la realidad, dos formas de enfrentarse a los problemas. Habla sobre idealismo y pragmatismo, sobre la iglesia y sobre enfrentamientos políticos, sobre el hombre en estado salvaje y el hombre teóricamente civilizado; pero gracias al propio planteamiento de la película no hay sermones, ni peroratas, todo se expone con hechos, con imágenes, todo ha de intuirse, descifrase, interpretarse....por eso exige a un espectador comprometido, participe, que quiera y sepa ver más allá de lo que está viendo, que entienda que tanto el pragmatismo de Rodrigo como el idealismo de Gabriel son dos actitudes válidas ante la vida, pero que a la postre, ambas quedan supeditadas a fuerzas más fuertes que ellos mismos. Yo entiendo que la película habla de muchas cosas, pero sobretodo de que, pese a que la realidad nos haga sucumbir, lo que permanece en el recuerdo de los demás es la entrega individual cuando es sincera, justa y generosa. El intermediario del papa, el cardenal Altamirano, testigo de los hechos y narrador de la historia, lo expresa claramente en las últimas escenas de la película:
“Así pues vuestra Santidad, ahora vuestros sacerdotes están muertos y yo sigo vivo, pero en verdad soy yo quien ha muerto y ellos son los que viven porque como ocurre siempre el espíritu de los muertos sobrevive en la memoria de los vivos”.
Si las imágenes de esta película avasallan por su belleza, si la banda sonora te hipnotiza, el desenlace conmueve y te atrapa el corazón en un puño dejándote con una profunda sensación agridulce, haciéndote tomar conciencia de la situación que vivieron los indios guaraníes, que no es muy distinta que la que viven muchas personas hoy en día. Una persona que despierta conciencias y que deja un profundo poso, sobretodo porque cada vez que se oiga la poderosísima banda sonora de Morricone, la recordaremos con admiración.
ESCENAS FAVORITAS (CUIDADO, CONTIENE SPOILERS)
- El padre jesuita crucificado cayendo por las cataratas (un icóno visual que sirvió para hacer el cartel de la banda sonora) - Las dos escenas de las subidas por el cortado de la catarata (la primera del padre Gabriel y la siguiente de Rodrigo arrastrando un fardo con armas como penitencia). - El padre Gabriel tocando el oboe para interesar a los indios guaraníes. - Rodrigo Mendoza rompiendo a llorar a la llegada al poblado. - El enfrentamiento final (todo es magnífico). - Al final de la película mientras el cardenal reflexiona sobre lo que ha ocurrido un grupo de indios se reúne para marcharse de la destruida Misión (la ambición y la incomprensión han provocado el drama de un buen número de muertes, pero a fin de cuentas la Misión, el hogar de los indios, ha quedado destruido y nadie ocupará ese lugar)
*** Guión: Gerardo Olivares. Países: España y Alemania. Género: Drama, naturaleza, aventuras Reparto: Manuel Camacho y Juan José Ballesta (Marcos), Sancho Gracia (Atanasio), Vicente Romero (Hocicotocino), Carlos Bardem (Ceferino), Àlex Brendemühl (Balilla), Luisa Martín (Isabel), Antonio Dechent (sargento), Agustín Rodríguez López (Juan José), José Chaves (Doroteo), Dafne Fernández (Pizquilla), José Manuel Soto (don Honesto), Eduardo Gómez, Manuel Ángel Camacho. Producción: José María Morales. Fotografía: Óscar Durán. Montaje: Iván Aledo. Música: Klaus Badelt. Dirección artística: Ion Arretxe. Vestuario: Lala Huete. Dirección artística: Ion Arretxe. Vestuario: Lala Huete. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 26 Noviembre 2010.
La película es el tercer largometraje de Gerardo Olivares, un director que procede del mundo del documental y que había rodado dos películas muy ligadas a éste como “La gran final” (2006) y “14 kilómetros” (2007) que pasaron un tanto desapercibidas. En esta ocasión sigue ligado a lo documental, pero da un giro argumental que le mete de lleno en el interés del gran público al contarnos a su modo una historia basada en un hecho real, el caso de Marcos Pantoja, un hombre que ahora tiene 62 años y que entre 1953 y 1965 estuvo viendo en solitario por los montes de Sierra Morena después de que el cabrero al que le había vendido su padre siendo un niño falleciera.
Es imposible ver “Entre lobos” sin acordarse de “El pequeño salvaje” de François Truffaut, de "Las aventuras de Jeremiah Johnson" de Sidney Pollack y sobretodo de “El hombre y la tierra”, la serie documental de Félix Rodríguez de la Fuente”, aunque ni es un drama antropológico como era la película del director francés ni tiene la fuerza emotiva y significado proecológico que tenía el episodio del lobo del naturalista español, es algo distinto. Al parecer Olivares encontró la historia de Pantoja en una página de internet mientras buscaba historias que filmar y pudo contar con la asesoría del propio protagonista para hacer su película con lo que sí hay una carga importante de realismo y también hay un interés por la naturaleza, por supuesto; pero esencialmente la película está planteada como una aventura de superación personal, en ese sentido y sólo en ese, más próxima a "Jeremiah Johnson".
Desde luego ambición no le falta al director, la realización era muy arriesgada ya a priori y se tuvieron que formar dos equipos de rodaje, uno para filmar con los actores y el otro, armado de paciencia, para recoger imágenes de los animales, que no todos los que aparecen son adiestrados. Sólo por eso y por la historia humana que se nos cuenta la película merece la pena verse y es uno de los títulos más interesantes del cine español de este año, pero pienso que el resultado queda por debajo de sus propias posibilidades.
Me gusta especialmente el mimo artístico con el que se ha filmado la película, el interés por hacer bellas las imágenes (impresionantes todas las tomas generales de Sierra Morena y en especial los travellings), el sentido estético de la fotografía, la grandiosidad que dan a la historia muchos de los encuadres; pero particularmente noté un cierto desequilibrio entre el tono podríamos llamar “épico” de las imágenes (magnífico trabajo de Óscar Durán) y la banda sonora (grandilocuente Klaus Baldet) en relación a la exposición dramática de los hechos. Con esto me refiero a que me parece que no se aprovecha del todo la profunda emotividad que tenía el argumento. Como espectador te quedas con las ganas de saber qué fue de la vida del protagonista una vez detenido por ejemplo. Creo que en este sentido el director sólo logra encogernos el ánimo en momentos muy puntuales y no siempre que el argumento daba pie a ello (personalmente me emociono mucho más cuando los dos hermanastros se separan al principio de la película que cuando muere el cabrero o cuando vemos aparecer al Pantoja real a las montañas que fueron su casa y todos esos momentos eran potencialmente muy intensos).
He leído en alguna crítica que comenta que la película gana cuando los animales están en pantalla y pierde cuando aparecen los actores. No diría que siempre, pero parte de razón hay. Yo creo que Carlos Bardem sí está bien en su papel de Ceferino y que el pequeño Manuel Camacho es un acierto de casting porque trasmite muy bien la curiosidad, el desamparo y la picardía necesaria para sobrevivir y porque sobretodo conmueve (esos ojos que tiene el chico son muy cinematográficos); en cuanto al resto del reparto cumple sin más, aunque poco chance se les da porque la historia no se centra en ellos. Como curiosidades decir que aparece con un pequeño papel José Manuel Soto haciendo de don Honesto y que Luisa Martín resulta impactantemente cruel en su papel de madrastra de Marcos.
En cualquier caso la película se deja ver y se disfrutan en muchos momentos sus imágenes y pese a que queda la sensación de que podría haber sido mucho mejor, más intensa, más emotiva, más emocionante, uno queda conmovido e impactado en más de una ocasión dando por bueno su visionado. Sea como fuere, si Gerardo Olivares sigue esta línea de trabajo terminará dando en la diana. Esta vez el “lanzamiento” ha ido cerca del centro.
MIS ESCENAS FAVORITAS (CUIDADO, SPOILERS):
- El hermanastro de Marcos corriendo tras él mientras Ceferino se lo lleva a caballo. - Marcos preguntado ¿Padre ande va? en casa de don Honesto. - Ceferino y Marcos a caballo por Sierra Morena. - La vista cenital Marcos tratando de pescar con sus manos para comer. - Marcos comiendo carne cruda por primera vez. - Los cuervos acudiendo a comer. - El regreso de Marcos a Sierra Morena siendo ya mayor.
***** Productor: Fred Kohlmar para 20th Century Fox Guión: Philip Dunne, según la novela de R. A. Dick Fotografía: Charles Lang Música: Bernard Herrmann Montaje: Dorothy Spencer Efectos especiales: Fred Sersen Intérpretes: Gene Tierney (Lucy Muir), Rex Harrison (capitán Daniel Gregg), George Sanders (Miles Fairley), Edna Best (Martha Huggins), Vanessa Brown (Anna Muir de adulta), Anna Lee (señora Farley), Robert Coote (Coombe), Natalie Wood (Anna Muir de niña), Isobel Elsom (Angelica), Victoria Horne (Eva), Helen Freeman, Stuart Holmes, William Sterling. Nacionalidad: USA Duración y datos técnicos: 104 min.
Poca gente conoce este título, que pese a pasar de puntillas por las historias del cine y haberse emitido pocas veces en las televisiones, es uno de los más destacados del cine romántico de todos los tiempos.
Joseph L. Mankiewicz firmó en 1947 uno de sus títulos más peculiares, esta historia profundamente lírica a medio camino entre el melodrama y el fantástico, con algunas pinceladas de comedia que resulta una película “amable” y dulce y que, por hacer un símil que se entienda, sería para el cine lo que para la gastronomía sería un bombón.
La película trata sobre la señora Muir (“Miur” se pronuncia en inglés, una muy bien aprovechada Gene Tierney), una joven viuda que se traslada con su pequeña hija Anna (jovencísima aunque sin mucho protagonismo, Natalie Wood) y su sirvienta a una casa junto a un acantilado llamada La Gaviota donde se dice que habita el fantasma del viejo propietario, el capitán Gregg (magnífico Rex Harrison en uno de los personajes más atractivos de su fikmografía).
No es tanto el argumento lo que realmente atrapa de esta película, puesto que resulta sencillo y bastante previsible, sino más bien su ambientación, su tono melancólico y lírico, la oportunidad que ofrece de rememorar un tiempo anterior y no sólo un tiempo, sino una actitud, una forma de entender la vida.
La película pertenece a comienzos de siglo XX y a una sensibilidad completamente distinta a la actual (visualmente impacta y lo demuestra el momento en que la Sra. Muir se baña con la peculiar vestimenta para baño de la época agarrada a una cuerda de un cobertizo con ruedas). Vemos a una mujer joven, decidida, que tras quedar viuda se retira para rehacer su vida en solitario huyendo de Londres y de los lazos de su suegra y cuñada, chapadas a la antigua, muy del siglo XIX, para vivir a la orilla del mar, en constante estado melancólico pero dispuesta a rehacer su vida en soledad. Es una idea que resulta romántica y hoy en día demodé, pero que en su momento constituía también un cierto desafío a lo establecido, a lo socialmente aceptado, cosa con la que el guión juega en todo momento y sobretodo cuando La Sra. Muir escribe el libro sobre el capitán Gregg usando un lenguaje que para nada sería adecuado para una dama. Se inicia bordeando la comedia, introduce un cierto suspense cuando la Sra. Muir llega a la casa del fantasma que si bien no llega a aterrorizar si que inquieta un poco al principio y después el argumento da un giro hacia lo puramente romántico y sentimental lanzando una idea que provoca una cierta desazón y es que quizás el amor más puro y trascendente no tiene por qué ser el que vivimos en la realidad. Lo trata de demostrar el fragmento de la historia que trata la relación con Farley (qué bien hacía George Sanders de cínico y si no véase “Eva al desnudo”). Hay mucho de romanticismo en la historia de la Sra. Muir y el capitán Gregg, máxime cuando la historia los une al principio, pero los separa después durante años y esto hace que la película se vaya cargando de un tono melancólico y profundamente lírico que es lo que la hace especial y lo que constituye su verdadero encanto.
También son muy destacables las tomas del mar, la atmósfera de la casa junto al acantilado, los ambientes de luces y sombras, todo magníficamente fotografiado por Charles Lang en un gran trabajo que fue nominado al óscar y por supuesto la banda sonora de Bernard Hermann, a la que se une en algún momento el Adagio para cuerda de Samuel Barber que hemos oído en otras películas entre las que recuerdo a “Platoon” y que intensifica los momentos más emotivos. Todo resulta muy lírico, muy romántico, muy etéreo y por ello suele causar impacto en quien ve la película el final y antes de él la despedida del capitán, entre sueños de la Sra. Muir, que canta a los paraísos perdidos a lo que pudo ser y nunca fue, algo muy propio del romanticismo:
“¡Como te hubiera gustado el Cabo Norte, y los Fiordos al sol de medianoche Cruzar los arrecifes de Barbados Donde el agua azul se vuelve verde Las Falkland, donde la galerna del sur hace que el mar se ponga Blanco de espuma! ¡Cuantas cosas nos perdimos Lucia! ¡Cuantas cosas nos perdimos Lucia! Adiós mi amor”
Con un planteamiento muy teatral, basada en los diálogos, algo que se le daba muy bien a Mankiewicz (véase por ejemplo la extraordinaria “Julio César”), la película avanza y se disfruta con una cierta indolencia, con cierta facilidad y sin que suframos bandazos emocionales, pero su argumento y su tono van dejando un poso anímico que explosiona el final y sobretodo en nuestro recuerdo, por ello, podríamos decir que gana en la memoria y permanece sobretodo por su atmósfera, por su sensibilidad y por su latente melancolía.
El éxito popular del filme dio lugar a una serie de televisión de cincuenta episodios de media hora con Edward Mulhare como el fantasma y Hope Lange como la señora Muir que se emitió entre 1968 y 1970.
Sin duda una película peculiar y atípica, una historia de amor imposible que constituye una de las muestras más delicadas, elegantes, etéreas y melancólicas del cine romántico y que, te va a atrapando de manera imperceptible hasta quedar asida en tus mejores recuerdos fílmicos. Absolutamente recomendable.
Escenas favoritas (¡¡¡¡CUIDADO SPOILERS!!!):
- Al entrar por primera vez con el casero la Sra. Muir abre una puerta y nos da un vuelco el corazón al ver un retrato al fondo que creemos un fantasma. - El momento en que el capitán se despide de la Sra. Muir lamentando no haber podido continuar a su lado. - El final de la película, cuando una anciana Sra. Muir se reúne con el capitán.
Productor ejecutivo: Chris Bouchard
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