"Emilia Pérez" (Jacques Audiard, 2024)

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#ZoeSaldana #KarlaSofíaGascón #SelenaGomez #AdrianaPaz #JacquesAudiard #CineFrancia #CineThriller #CineMusical #CineDrama #Cine

Sorprende y mucho el impacto y la trayectoria cinematográfica llena de altibajos y contrastes de esta inclasificable película: dirigida por un francés y con importante presencia hispana, aupada inicialmente por sus transgesoras sorpresas argumentales con una Carla Sofía Gascón que en sí misma es pura controversia e impacto, aclamada después por parte de la crítica por su valiente y atípica propuesta como thriller musical dramático de bajos fondos y estética oscura y exótica, multinominada en festivales y premios por el descoloque general que produjo su visionado y a la postre denostada, criticada y venida a menos por su errática carrera preóscars salpicada de tweets y declaraciones inoportunas y por la incomprensión de un gran público que esperaba una cosa y se encontró con otra completamente distinta. Todo son contrastes en ella y personalmente no me parece ni tan buena como nos la quisieron vender ni tan repudiable como acabó siendo. Es una propuesta valiente de un cineasta que siempre ha sido muy especial, que nada bien a contracorriente y no le importa correr riesgos que quizás no gusten a la mayoría del público. Palpita en ella un enorme esfuerzo por no parecerse a nada, por sorprender, provocar y llevarte a sensaciones nunca antes experimentadas en una sala de cine y lo consigue. Al margen de ello resulta muy personal que el contenido exageradamente emotivo y dramático te conmueva. Conmigo sólo lo hizo a medias, pero he de reconocer que no porque el reparto no lo de todo, que logra un gran nivel, sobresaliente en el caso de Zoe Saldana, sino porque lo de que algo te llegue o no termina siendo muy personal. Logró 2 óscars (actriz de reparto y canción) y 11 nominaciones más (película, dirección, actriz principal, película internacional, guión adaptado, montaje, fotografía, banda sonora, canción, maquillaje y peluquería y sonido)

"El clan de los sicilianos" (Henri Verneuil, 1969)

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Notable título de cine criminal francés (también llamado "polar") que enfrenta a un inspector de policía con una familia de la mafia siciliana en la que colabora el personaje de un icónico Alain Delon. Tono y atmósfera muy años sesenta-setenta del siglo pasado para un argumento coral que avanza con suspense y varios golpes de guión muy atractivos para el espectador entremezclando con acierto las historias de varios personajes con intereses muy distintos. Un estilo de cine que hoy se consideraría de "autor" porque lo principal no es la acción (aunque también hay) y no todo lo hace explícito, sino que deja que espectador una ciertos cabos que el mero visionado ya explica por sí mismo. Lo que más me gustó fue lo bien que plantea el "choque" de personajes (magníficos Jean Gabin y Lino Ventura) y lo bien que maneja el concepto de la "fatalidad", algo que remite a códigos de conducta que ya son de otros tiempos, en los que el honor y el decoro eran mucho más importantes que ahora. 

"Alphaville" (Jean Luc-Godard, 1965)

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Con escasos recursos, pero un significativo uso de la fotografía en blanco y negro para crear atmósferas asfixiantes próximas a la pesadilla, Jean Luc-Godard se atreve a contar una historia futurista distópica de inspiración orwelliana en la que un periodista viaja a otro planeta para indagar sobre la máquina que domina a los ciudadanos y prohíbe cualquier tipo de comportamiento que no sea lógico. Cine de autor en estado puro que provoca en el espectador desasosiego y desconcierto ante un argumento en el que todos los comportamientos y actitudes resultan imprevisibles y deshumanizados. Básicamente el objetivo es ese, mostrar un mundo delirante, descolocar y alertar sobre el peligro de un futuro en el que se prive al hombres de sus sentimientos y emociones. La factura y el estilo es completamente retro, pero el tema no puede ser de mayor actualidad, así que podríamos decir que la película acierta en el fondo, aunque su forma no sea la más atractiva para el espectador actual. Por eso mismo se trata de una película de culto, especialmente interesante para cinéfilos todoterreno.

"Anatomía de una caída" (Justine Triet, 2023)

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Intriga policiaca en torno a una muerte difícil de explicar que se aprovecha para poner al espectador en el brete de sacar sus propias conclusiones. Para ello la directora crea un suspense basado en lo que vamos sabiendo poco a poco a través de los personajes y del juicio que se monta para esclarecer los hechos. El puzzle está pensado para espectadores pacientes para los que no sea un problema rastrear detalles y sutilezas durante dos horas y media y durante ese tiempo la narración se trocea y alterna presente y pasado, siempre atendiendo a los recuerdos de los implicados y nunca acudiendo a un narrador omnisciente que conozca realmente lo que ocurrió. Por todo ello se trata de una propuesta que puede fascinar o dejar indiferente, pero que maneja muy bien la ambigüedad y nuestras expectativas para demostrar que en todo hecho puede haber varias perspectivas y que la verdad en ocasiones resulta compleja. Y como argamasa del guión encontramos una disección de las relaciones de pareja que ofrece una muy certera descripción de ese mundo íntimo que se forja o destruye en función de sentimientos, egos, deseos y compatibilidades. Una película densa, de corte realista, amarga y fría emocionalmente hablando, intensa en muchos momentos, que hay que ver con detenimiento y capacidad de escrutinio. Consiguió la Palma de Oro en Cannes, un merecidísimo óscar al mejor guión en los Óscars y cuatro nominaciones más (mejor película, dirección, actriz principal y montaje).

"A pleno sol" (Rene Climent, 1960)

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Muy lejano ya el estreno de esta versión de la obra de Patricia Highsmith, "El talento de Mr. Ripley", que en 1998 actualizó Anthony Minghella con Matt Damon, Jude Law y Gwyneth Paltrow y que sonará más al espectador joven tras ser emitida en las televisiones. A mí, particularmente, me gusta más la versión de 1960 de René Climent, con un Alain Delon que por entonces justificaba por sí solo el pago de la entrada al cine y que en esta película, siendo muy joven, se comía literalmente la pantalla con su sola presencia a menudo con torso al descubierto para regocijo de sus fans. La película es un thriller de suspense en torno a su personaje, pero también un viaje al pasado, una intriga dotada de una luminosa atmósfera tan atractiva como sofocante (no sólo por la soleada ambientación, también por lo que cuenta y por cómo lo cuenta) y explora, dejándose llevar simplemente por todo lo que va pasando, algunos de los defectos más autodestructivos del ser humano. Recomendaría las dos versiones, pero ésta especialmente.

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"El oficial y el espía" (Roman Polanski, 2019)

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Roman Polanski hace su versión sobre uno de los episodios más relevantes de la historia de Francia, el caso Dreyfuss, que prueba aquello de que todo hombre debería ser inocente mientras no se demuestre lo contrario. El suceso, todo un escándalo político y militar, ha tenido varias versiones siendo la más destacada la que filmó William Dieterle en 1937 titulada "La vida de Emile Zola" que se centraba en la defensa que el escritor hizo del hombre injustamente condenado. En este caso Polanski se centra en el proceso de investigación que permitió al coronel Georges Picquart dudar sobre la sentencia. Con una fantástica recreación de época y un exquisito gusto por el detalle, la primera parte de la película es una delicia demodé, a contracorriente de cualquier otro título coetáneo. Conforme avanza pierde algo de gas y se hace un poco larga, pero conserva en todo momento el gancho de un tema muy del momento, la búsqueda de esa verdad ignota que queda oculta por intereses políticos y sociales. Una pena que no mantenga el nivel en todo momento y que el final se resuelva de manera un tanto precipitada en relación al resto, pero simplemente sumergirse en la época, cosa de Polanski y su equipo bordan, hace que merezca la pena el visionado.

"Amelie" (Jean Pierre-Jeunet, 2001)

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Cuando estrenó esta película, probablemente su mejor obra, Jean Pierre-Jeunet ya había llamado mucho la atención con otros dos títulos muy personales y característicos como son "Delicatessen"(1991) y "La ciudad de los niños perdidos" (1995). Las tres comparten un estilo muy personal en el que el argumento (en este caso una bella historia romántica sobre una chica parasina que se dedica a ayudar a los demás) es tan importante como su puesta en escena, rebosante de originalidad y un marcado tono naif, juguetón, rocambolesco. "Amelie" es un alarde de construcción fílmica en el que guión, montaje, fotografía, diseño de producción y una inolvidable banda sonora se asocian perfectamente para transportar al espectador a una realidad distinta. Es una comedia romántica amable, bienintencionada, un juego para los sentidos y una historia muy emotiva. Su objetivo no es otro que hacernos olvidar nuestras penas y mantenernos por dos horas sorprendidos y con una perpetua sonrisa y a fe que lo consigue, no sólo por su propia arquitectura sino porque el director también da en la diana con la actriz protagonista, una Audrey Tatou tan excéntrica, espontánea e hipnótica en su actuación como la historia sobre su personaje. Una delicia de película. Consiguió 5 nominaciones en los óscars: mejor película de habla no inglesa. guión original, fotografía, diseño de producción y sonido.

"Los miserables" (Ladj Ly, 2019)

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No hay que confundirla ni con la novela de Víctor Hugo (con la que guarda alguna referencia) ni con la película del mismo título basada en aquella. En este caso se centra en París, arranca el día que Francia ganó el mundial de 2018 y se centra en tres policías y en su quehacer diario por el banlieu (extrarradio) parisino donde pululan y conviven pandillas marginales, capos de la droga e imanes musulmanes. El director procede de allí y se nota que conoce las reglas de este microcosmos, dota a la película de nervio y verosimilitud y te atrapa en una narración en la que se palpa en el ambiente que una chispa asilada  puede hacer prender la mecha en cualquier momento. Podríamos decir que es un "The wire" a la francesa, simplificado, pero comprometido con una realidad social muy compleja, difícil de solucionar, derivada del cruce de culturas y de la falta de recursos de muchos colectivos en nuestra Europa actual. Una película comprometida y muy interesante porque a veces no hay nada mejor que la ficción para comprender  una realidad que nos es ajena, lejana y a la que probablemente nunca llegaremos a acceder de otro modo. Ganó el premio César a mejor película y fue nominada como mejor película de habla no inglesa tanto en los Óscar como en los Globos de Oro.

"La ronda" (Max Ophuls, 1950)

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Con un planteamiento muy teatral (de hecho se basa en la obra de teatro de Arthur Schnitzler) un narrador omnisciente y omnipresente que rompe la cuarta pared y se dirige a nosotros nos presenta varios romances en la Viena de 1900 que hacen girar la ronda del amor. Prostitutas, soldados, criadas, nobles, actrices, matrimonios que se engañan forman el desfile de personajes que a través de varios cuentos cortos componen una estructura narrativa cíclica sobre la pasión y el amor fatuo, diseccionando éste en todas sus formas y lanzando de paso una crítica a la doble moral burguesa de la época. A parte de la exquisita y elegante puesta en escena, envuelta de un cierto halo de ensoñación, esta película nos muestra como todos somos agentes y pacientes del deseo y cómo entrecruzamos nuestras vidas unos con otros de tal modo que sólo una visión general puede explicar y comprender impulsos, deseos e intereses que aislados son mucho más difíciles de comprender. La película fue nominada en los óscars a mejor guión y mejor dirección artística en blanco y negro.

"Orfeo negro" (Marcel Camus, 1959)

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El director francés Marcel Camus logró  la Palma de Oro en Cannes y el óscar a mejor película de habla no inglesa con esta película exótica, peculiar, llena de contrastes, luminosa y vitalista y a la vez melancólica y triste que traslada el mito griego de Orfeo y Eurídice al Río de Janeiro de los años 50's, con un argumento melodramático ambientado en el Carnaval e impregnado de la alegría vital de la bossa nova (que suena durante buena parte del metraje) y también de la tristeza y melancolía de temas como la canción de Orfeo. En realidad se trata de una metáfora de la propia vida a través de un argumento en el que se entremezcla la alegría de vivir, el erotismo, el desengaño, el temor, el abatimiento, la muerte y que se abre y se cierra formando un círculo, dando cuenta de que la historia de la humanidad es un eterno retorno, un fluir constante de unos y otros en el que, a pesar de todo, nunca deja de salir el sol.

"Las puertas de la noche" (Marcel Carné, 1946)

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La cámara se acerca al París de 1945, la 2ª Guerra Mundial está a punto de acabar y la ciudad ha sido ya liberada. Un hombre viaja en el metro y acude a casa de un compañero de guerra para hablar con su mujer. Con esa escusa Marcel Carné hace un retrato de época, de la noche y de los hombres y mujeres que pululuban por una ciudad en recuperación tras el shock bélico. Es uno de sus títulos más destacados, consigue una atmósfera nocturna muy especial, en cierto modo mágica y es una buena muestra de lo que se conocía como "realismo poético", una corriente en la que se fundían influencias de la novela naturalista, de las vanguardias y de el expresionismo alemán. Hay que ver la película con el interés de sumergirse en esa atmósfera y de atender a la fatalidad que sobrevuela el argumento, de otro modo te dejará frío porque realmente la historia es bastante sencilla y el ritmo narrativo es moroso para un espectador actual.

"Pickpocket" (Robert Bresson, 1959)

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Me atrevería a decir que es una de las mejores películas europeas de siempre. Bresson es un director minucioso, amante del detalle, sobrio en la narración y gracias a eso nos cuenta una historia que termina resultando fascinante, a medio camino entre el drama y el documental, de un carterista parisino que no roba por necesidad. También resulta fría y austera en cierto modo y no busca emocionar ni empatía en el espectador, así que hay que verla con conocimiento de causa sin esperar otra cosa que un relato naturalista que es un alarde de cine.

“Lucy” (Luc Besson, 2014)

*** Tras una primera hora hipnótica e intensa propia del mejor Besson, el argumento entra en un delirio trepidante que culmina con un final trascendente que pienso que rechinará a mucha gente. En cambio la idea global filosófico - científica que plantea la película difícilmente iba a ser digerible de otro modo que no fuera éste, así que con errores y aciertos, una propuesta valiente e interesante.

Guión: Luc Besson.

País: Francia.

Duración: 89 min.

Género: Acción, thriller, ciencia-ficción.

Reparto: Scarlett Johansson (Lucy), Morgan Freeman (profesor Norman), Choi Min-sik (Sr. Jang), Amr Waked (Pierre Del Rio), Analeigh Tipton (Caroline).

Producción: Virginie Besson-Silla.

Música: Eric Serra.

Fotografía: Thierry Arbogast.

Montaje: Julien Rey.

Diseño de producción: Hugues Tissandier.

Vestuario: Olivier Bériot.

Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Estreno en España: 22 Agosto 2014.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Se la recomendaría más a los amantes de la ciencia-ficción (que irán de menos a más) que a los amantes de la acción (que irán de más a menos), pero sobretodo a quienes quieran un entretenimiento con apuntes trascendentes.

“De óxido y hueso” (Jacques Audiard, 2012)

No es un dramón (menos aún lacrimógeno aunque podría), no es un relato romántico (los protagonistas no lo son, más bien al revés), no es una película de denuncia social (aunque hay paro, dificultades laborales y sociales) pero es un poco de todo y está contado de un modo que te mantiene en vilo.

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Título internacional: Rust and bone.

Título original: De rouille et d’os.

Países: Francia y Bélgica.

Duración: 120 min.

Género: Drama, romance.

Reparto: Marion Cotillard (Stéphanie), Matthias Schoenaerts (Alain van Versch), Céline Sallette (Louise), Bouli Lanners (Martial), Armand Verduse (Sam), Corinne Masiero (Anna), Jean-Michel Correia (Richard).

Guión: Jacques Audiard y Thomas Bidegain; basado en la novela “De rouille et d’os”, de Craig Davidson.

Producción: Pascal Caucheteux.

Música: Alexandre Desplat.

Fotografía: Stéphane Fontaine.

Montaje: Juliette Welfling.

Diseño de producción: Michel Barthélémy.

Vestuario: Virginie Montel.

Distribuidora: Vértigo Films.

Estreno en Francia: 17 Mayo 2012.

Estreno en España: 14 Diciembre 2012.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Recomendada para un público esencialmente adulto interesado en problemáticas sociales y personales. Es curioso, tiene todos los ingredientes argumentales de un dramón y podríamos decir que lo que sucede es duro, pero la película posee una cierta fortaleza quizás impregnada por la entereza de sus protagonistas y a pesar de todo tienes en todo momento una convicción como espectador de que se superarán los reveses.  

“Los últimos días” (Àlex Pastor y David Pastor, 2013)

Aunque la valentía del proyecto es digna de elogio quizás cueste enfrentarse a una película apocalíptica a la española en la que esencialmente lo que se ofrece es un poco de aventura y suspense sin más, pero lo cierto es que la propuesta entretiene y que Quim Gutiérrez  y José Coronado logran crear el interés necesario para ello.

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Guión: Àlex Pastor y David Pastor.

Países: España y Francia.

Duración: 103 min.

Género: Thriller, drama, ciencia-ficción.

Reparto: Quim Gutiérrez (Marc), José Coronado (Enrique), Marta Etura (Julia), Leticia Dolera (Andrea), Iván Massagué (Lucas).

Producción: Alberto Marini, Pedro Uriol, Mercedes Gamero y Kristina Larsen.

Música: Fernando Velázquez.

Fotografía: Daniel Aranyó.

Montaje: Martí Roca.

Dirección artística: Balter Gallart.

Vestuario: Olga Rodal.

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Estreno en España: 27 Marzo 2013.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Recomendada para quienes puedan asumir un punto de partida (el “Pánico”) que recuerda ligeramente a “El ángel exterminador” de Buñuel y después una historia de corte fantástico a la española en la que los protagonistas luchan por sobrevivir y reunirse con sus seres queridos. A mí me parece que funciona y que lo hace mejor que “Fin”, otra película española de tema similar.

“Los niños salvajes” (Patricia Ferreira, 2012)

Tengo la impresión que el doblaje al español (hecho por los propios actores) perjudica muchísimo a esta película, pero aún sin tenerlo en cuenta sobrevuela la impresión al final de que el encuentro entre estos tres adolescentes con problemas daba para un poquito más al menos en lo emotivo y eso que se respira verdad en las relaciones de los protagonistas o quizás por ello mismo.

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Título original: Els nens salvatges.
Países: España y Francia.
Duración: 97 min.
Género: Drama.
Reparto: Marina Comas (Oki), Albert Baró (Gabi), Àlex Monner (Àlex), Aina Clotet (Julia), Clara Segura (Laura), Ana Fernández (Rosa), José Luis García Pérez (Antonio), Emma Vilarassau (directora), Francesc Orella (Ángel), Montse Germán (Elisa), Marc Rodríguez (Vicenç).
Guión: Patricia Ferreira y Virginia Yagüe.
Producción: Miriam Porté.
Música: Pablo Cervantes.
Fotografía: Sergi Gallardo.
Montaje: Antonio Frutos.
Diseño de producción: Irene Montcada.
Vestuario: Marta Wazinger.
Distribuidora: Alta Classics.
Estreno en España: 25 Mayo 2012.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.




Recomendable para quien disfrute con el análisis de adolescencias problemáticas y más si se quiere estar al tanto de las andanzas de la nueva hornada de jóvenes promesas del cine español ya que a Alex Monner y Marina Comas ya los conocemos por la serie “Pulseras rojas” y por la película “Pa negre”.

“Amor” (Michael Haneke, 2012)

La película europea del 2012, un drama sobre la vejez que disecciona el proceso vital por el que un matrimonio de ancianos llega al umbral de la muerte y que lo hace sin concesiones al público mostrando la situación en toda su crudeza.

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Título original: Amour.

Título internacional: Love.

Guión: Michael Haneke.

Países: Francia, Austria y Alemania.

Duración: 127 min.

Género: Drama.

Reparto: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), William Shimell (Geoff).

Producción: Margaret Menegoz, Stefan Arnd, Veit Heiduschka y Michael Katz. Fotografía: Darius Khondji.

Montaje: Nadine Muse y Monika Willi.

Diseño de producción: Jean-Vincent Puzos.

Vestuario: Catherine Leterrier.

Distribuidora: Golem.

Estreno en Francia: 24 Octubre 2012.

Estreno en España: 11 Enero 2013.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Recomendada única y exclusivamente para quienes sepan cómo filma Haneke y lo que pretende conseguir y para quienes tengan la fuerza suficiente para presenciar algo por lo que todos pasamos en cabeza ajena o pasaremos en propia pero sobre lo que no nos gusta pensar...evidentemente es una película trascendente y muy bien hecha, pero hay que tener ganas e interés en verla, si no es mejor abstenerse.

“En la casa” (François Ozon, 2012)

Fascinante juego entre un profesor de literatura y su alumno y también entre el director y nosotros puesto que el relato entremezcla realismo y ficción de tal forma que, de pronto, todos los implicados quedamos enmarañados en una sofisticada red de sutilezas y guiños a medio camino entre el drama y la comedia.

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Título original: Dans la maison.

País: Francia.

Duración: 105 min.

Género: Drama, comedia, thriller.

Reparto: Fabrice Luchini (Germain), Ernst Umhauer (Claude), Kristin Scott Thomas (Jeanne), Emmanuelle Seigner (Esther), Denis Ménochet (Rapha padre), Bastien Ughetto (Rapha hijo), Jean-François Balmer (director), Yolande Moreau (gemelas), Catherine Davenier (Anouk).

Guión: François Ozon; adaptación libre de la obra de teatro “El chico de la última fila”, de Juan Mayorga.

Producción: Eric Altmeyer y Nicolas Altmeyer.

Música: Philippe Rombi.

Fotografía: Jérôme Alméras.

Montaje: Laure Gardette.

Diseño de producción: Arnaud De Moleron.

Vestuario: Pascaline Chavanne.

Distribuidora: Golem.

Estreno en Francia: 10 Octubre 2012.

Estreno en España: 9 Noviembre 2012.

Recomendada para amantes del cine europeo y francés en concreto, de ese cine que no se acomoda en argumentos típicos y explora otras posibilidades, aunque, todo hay que decirlo....me ha recordado a Woody Allen bastante aunque con otro tono.

“Las nieves del Kilimanjaro” (Robert Guédiguian, 2011)

Película con la luminosidad de Marsella que resulta esperanzadora y optimista gracias a sus personajes y a la visión del director pese a que habla de problemas sociales, del paro, de la delincuencia por necesidad, del transcurso de la vida...

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Título original: Les neiges du Kilimanjaro.

País: Francia.

Duración: 107 min.

Género: Drama costumbrista.

Reparto: Ariane Ascaride (Marie-Claire), Jean-Pierre Darroussin (Michel), Gérard Meylan (Raoul), Marilyne Canto (Denise), Grégoire Leprince-Ringuet (Christophe), Anaïs Demoustier (Flo), Adrien Jolivet (Cilles).

Guión: Robert Guédiguian y Jean-Louis Milesi; inspirado en el poema “La gente pobre”, de Victor Hugo. Fotografía: Pierre Milon. Montaje: Bernard Sasia. Diseño de producción: Michel Vandestien. Vestuario: Juliette Chanaud. Distribuidora: Golem. Estreno en Francia: 16 Noviembre 2011. Estreno en España: 27 Abril 2012. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Entras en esta película poco a poco, pero su luminosidad ambiental y argumental te va invadiendo y te conmueves, piensa, reflexionas, descubres que los reveses se llevan mejor con ilusión y ganas de seguir adelante. Gustará más a quienes superen los cuarenta y disfruten con el cine europeo más costumbrista, pero puede sorprender gratamente a cualquier edad.

PRONTO RESEÑA COMPLETA

“Blancanieves” (Pablo Berger, 2012)

Película con claroscuros y no sólo por el magnífico blanco y negro sino porque con su sofisticado diseño de producción y por el hecho de ser un homenaje al cine mudo condimentado con un casticismo específicamente hispano la terminas apreciando más por lo bien hecha que está que por su desarrollo en sí.

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Países: España y Francia.

Duración: 90 min.

Género: Drama.

Reparto: Maribel Verdú (Encarna, la madrastra), Daniel Giménez Cacho (Antonio, el padre), Pere Ponce (Genaro, el chófer), Ángela Molina (doña Concha), José Maria Pou (don Carlos), Inma Cuesta (Carmen de Triana), Macarena García (Carmen / Blancanieves), Sofía Oria (Carmencita), Ramón Barea (don Martín).

Guión: Pablo Berger; inspirado en el cuento de los hermanos Grimm.

Producción: Pablo Berger, Ibon Cormenzana y Jérôme Vidal.

Música: Alfonso de Vilallonga.

Fotografía en B/N: Kiko de la Rica.

Montaje: Fernando Franco.

Diseño de producción: Alain Bainée.

Vestuario: Paco Delgado.

Distribuidora: Wanda Visión.

Estreno en España: 28 Septiembre 2012.

Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Recomendada para quienes consideren el cine también como una expresión artística y no les importe que la historia no sea tan importante como los logros plásticos, estéticos y expresivos o un estilo de filmación a contracorriente de todo y con un claro deseo de homenajear lo clásico y lo hispano.....en cualquier caso una película más para la crítica y los festivales que para el público de a pie.