"En los márgenes" (Juan Diego Botto, 2022)

***
#JuanDiegoBotto #PenélopeCruz #LuisTósar #ChristianCheca #Cinesocial #Cinedrama

Juan Diego Botto se estrena en la dirección a partir de un guión propio y de Olga Rodríguez con el que hace una certera descripción social a partir de tres personajes con historias entrelazadas. Es un relato ceñido a un corto espacio de tiempo, pegado a la actualidad social y más que contarte un argumento al modo tradicional te muestra con verosimilitud pero con el foco en lo dramático las penurias derivadas de desahucios y problemas de integración social durante unas horas. Con un reparto potente y una temática comprometida con la que cualquier espectador va a sentirse conmovido lo que hecho de menos en esta película es que emocionalmente me implique más y eso que trata de hacerlo porque el personaje de Luis Tósar es ese héroe imperfecto que por solidaridad con los demás descuida su propio mundo y con el que, a pesar de todo, irías al fin del mundo. No pasa nada que no le haya quedado redonda, es su ópera prima y apunta buenas maneras y muy buenas intenciones. Para quien aún no se haga una idea viene a ser un tipo de cine hermanado con "Los lunes al sol" (Fernando León de Aranoa, 2002) aunque aquella es una obra maestra y en este caso no llega a tanto. En cualquier caso fue nominada a 5 Goyas incluyendo dirección novel, mejor actor, mejor actriz secundaria, actor revelación y canción.

"Madres paralelas" (Pedro Almodóvar, 2021)

***

Nadie sabe hacer mejor el cine de Almodóvar como el propio Almodóvar. Suena a tontuna, pero es que ha conseguido crear una fórmula personal que nadie hace como él, así que antes de ver cualquiera de sus películas ya te haces a la idea si te puede interesar a tí o no. En mi caso veo su cine con interés cinéfilo porque admiro su hacer como "autor", aplaudo su capacidad para dirigir guiones y actores, me encantan los microcosmos que crea y sus argumentos, aunque no me suelen impactar, reconozco en todo ellos capacidad para hablar profundamente de ambientes, costumbres o sentimientos que siendo lejanos a los míos los llego a entender. En "Madres paralelas" usa la maternidad y un pequeño embrollo para contarnos una historia "pequeña" que desemboca en drama y que, una vez más, le permite a él y a sus actores mostrar sus mejores dotes. La película transcurre con un cierto suspense interno que te mantiene con interés hasta el final, te toca cuando penetra en lo dramático y en mi caso me pierde cuando acude a lo contextual, a la memoria histórica, tema interesante pero que me saca de la película. No ganó Goya alguno pero tuvo 8 nominaciones (mejor película, director, actriz principal, dos a actriz de reparto, fotografía, dirección artística y sonido. Además en los Óscars Penélope Cruz consiguió una nominación a mejor actriz principal y Alberto Iglesias fue nominado por su banda sonora.

"Abre los ojos" (Alejando Amenábar, 1997)

****

Alejandro Amenábar confirmó con esta segunda película lo que ya había demostrado con "Tesis" (1996), un dominio absoluto en la creación de suspense, gran capacidad técnica y una facilidad innata para mantener al espectador completamente atrapado por su propuesta argumental (el guión es suyo junto a Mateo Gil). La historia gira en torno a César, un chico joven que acaba con el rostro desfigurado y del que poco a poco vamos conociendo una historia rocambolesca que vamos recomponiendo como un puzzle formado por escenas reales, ficticias y oníricas. Fundamentalmente la propuesta es un juego de suspense que te mantiene durante todo el metraje en la cresta de una ola narrativa que se resuelve con una explicación que aunque es diáfana, no excluye otro tipo de interpretaciones. Es una película extraña, insólita, hipnótica, llena de recovecos...y un gran disfrute para el espectador al que le guste el suspense. Además cuenta con algunas escenas ya icónicas en el cine español como esa en la que se ve la Gran Vía de Madrid completamente desierta. En 2001 Tom Cruise protagonizó la versión estadounidense, "Vanilla sky" (Cameron Crowe) mucho menos lograda.

"Dolor y gloria" (Pedro Almodóvar, 2019)

***
Almodóvar reconoce con pudor haberse inspirado en sí mismo para el argumento de esta película, en la que un director aquejado de todo tipo de dolores y achaques afronta un nuevo proyecto al tiempo que recuerda su primer deseo y revive parte de su pasado. Me encanta todo lo que tiene que ver con el recuerdo de su infancia y cómo lo lleva a pantalla pero no tanto lo que tiene que ver con el presente del protagonista (aunque he de decir que todos los actores me parece que están magníficos), en el que toda la vieja pasión que se adivina en él queda reprimida y adormecida. Lo grande de Almodóvar es que todo su cine y esta película también, queda definido por un estilo inimitable, propio y personal que no es posible ver en ningún otro director y sólo por ello merece la pena. Su cine ahora es más contenido, más reflexivo, menos apasionado y transgresor, más calmado, melancólico y evocador, probablemente más asequible para determinado público maduro, pero conviene que sepas quién es Almodóvar para disfrutarlo.

“Belle epoque” (Fernando Trueba, 1992)

Una pequeña joya del cine español que siempre me ha parecido minusvalorada a pesar de haber ganado un montón de premios y entre ellos 9 Goyas de 17 a los que estaba nominada (película, dirección, actriz principal, actor de reparto, actriz de reparto, guión original, fotografía, dirección artística, montaje) y el Óscar a mejor película de habla no inglesa. Logra la magia de evadirte durante algo más de hora y media con su vitalidad, su alegría de vivir, su exploración del deseo. Su reparto al completo está en estado de gracia y ofrece desfile de personajes inolvidables cuyo encuentro hace posible la sonrisa y también la evasión en un mundo perdido en el recuerdo, una belle epoque que te deja un profundo poso melancólico y nostálgico.

*****

Título original: Belle epoque

País: Francia, España, Portugal

Duración: 109 min.

Género: Drama, Romántica, Comedia

Reparto: Penélope Cruz, Miriam Díaz Aroca, Gabino Diego, Fernando Fernán Gómez, Michel Galabru, Ariadna Gil, Agustín González, Chus Lampreave, Mary Carmen Ramírez, Jorge Sanz, Maribel Verdú, Juan José Otegui, Jesús Bonilla, María Galiana, Joan Potau, Félix Cubero, Marciano De La Fuente, José Antonio Sacristán, Manuel Huete, Luís Zagalo, Adelina Andrade, João Salaviza, Bernardino Nascimento, François Venturini, Miguel Pyrrait, Joaquín Raposo, Luis Romero, José Graniza, Fernando Sequeira, Eduardo Marques

Guión: Rafael Azcona, José Luis García Sánchez, Fernando Trueba

Productora: Lolafilms, Animatógrafo, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A.

Fotografía: José Luis Alcaine

Maquillaje: Alda Matos, Ana Ferreira, Ana Lorena, Dina Chorão, Erica Porru

Montaje: Carmen Frías

Música: Antoine Duhamel

"Loving Pablo" (Fernando León de Aranoa, 2017)

**

A priori una propuesta muy interesante, por lo que cuenta, por quién lo cuenta y por quién lo interpreta; pero a posteriori el resultado no pasa de correcto aunque sólo sea porque sucumbe a comparaciones con una de las series más celebradas del momento que es "Narcos", que cuenta lo mismo, pero mejor, aprovechando el formato en capítulos, de manera menos dispersa, multiplicando puntos de vista, imprimiendo más nervio y más sentimiento. Las actuaciones de Bardem y Cruz, siendo más que correctas y puede incluso que más miméticas con sus personajes, son buen ejemplo de esa comparativa porque no logran el impacto hipnótico sobre el espectador que lograba "Narcos". En cualquier caso se puede ver, es un proyecto arriesgado y bien trabajado que habría corrido mejor suerte en otro contexto y eso aunque, personalmente pienso que no le ha beneficiado a León de Aranoa adaptar el libro de Virginia Vallejo ("Amando a Pablo, odiando a Escobar") porque seguramente no es la mejor perspectiva para abordar la verdad del narco colombiano.

"Todos lo saben" (Asghar Farhadi, 2018)

Sorprende y fascina comprobar como alguien, en teoría tan poco autóctono como el director iraní Asghar Farhadi, ha sabido captar con tanta "verdad" y detalle la esencia e idiosincrasia de nuestro mundo rural. En esta película se relata un caso criminal, pero no es lo más importante, pese a que sea lo que despierta el interés, lo que suscita el debate y lo que nos mantiene en tensión y con interés de principio a fin. Lo importante, en mi opinión, es que gracias a la puesta en escena y a un reparto excepcional penetramos en ese ambiente casi familiar y reconocible que es el de nuestros pueblos, en el que todo el mundo sabe todo gracias a los dimes y diretes y en el que conviven trabajadores de sol a sol, antiguos terratenientes venidos a menos, gentes ambiciosas dispuestas a todo por un pedazo de tierra, envidias, rencillas familiares pero también buenas gentes de gran corazón, festejos inigualables, inolvidables amores de infancia y juventud y amaneceres y atardeceres mágicos.

*****

País: Francia, España

Duración: 130 min.

Género: Drama

Reparto: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Bárbara Lennie, Inma Cuesta, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Roger Casamajor, Ramón Barea, José Ángel Egido, Jordi Bosch

Distribuidora: Universal Pictures International Spain

Productora: Morena Films, Lucky Red, Memento Films Production

Director de fotografía: José Luis Alcaine

Guionista: Asghar Farhadi

Montador: Haydeh Safi-Yari

Música: Alberto Iglesias, Javier Limón

"Todos lo saben" (Asghar Farhadi, 2018)

*****

Sorprende y fascina comprobar como alguien, en teoría tan poco autóctono como el director iraní Asghar Farhadi, ha sabido captar con tanta "verdad" y detalle la esencia e idiosincrasia de nuestro mundo rural. En esta película se relata un caso criminal, pero no es lo más importante, pese a que sea lo que despierta el interés, lo que suscita el debate y lo que nos mantiene en tensión y con interés de principio a fin. Lo importante, en mi opinión, es que gracias a la puesta en escena y a un reparto excepcional penetramos en ese ambiente casi familiar y reconocible que es el de nuestros pueblos, en el que todo el mundo sabe todo gracias a los dimes y diretes y en el que conviven trabajadores de sol a sol, antiguos terratenientes venidos a menos, gentes ambiciosas dispuestas a todo por un pedazo de tierra, envidias, rencillas familiares pero  también buenas gentes de gran corazón, festejos inigualables, inolvidables amores de infancia y juventud y amaneceres y atardeceres mágicos.

"Asesinato en el Orient express" (Kenneth Branagh, 2017)

**

Como no, se le agradece a Kenneth Brannagh que trate de actualizar el relato de Agatha Christie con un cine de estilo clásico, de puesta en escena lujosa y vistosa, aprovechando los medios actuales para hacernos viajar en el orient Express, contando con un reparto de relumbrón y respetando en gran parte el texto original; pero las comparaciones son odiosas y su película queda muy lejos de la que hizo Sidney Lumet en 1974, que a mi juicio es bastante mejor. Aunque no es desdeñable y se puede ver, pienso que no aprovecha del todo el reparto y que Branagh se guarda gran protagonismo sin lograr que su Hércules Poirot logre con el público la necesaria complicidad. Quien ha leído la novela y/o visto la película del 74 sabe que, aunque entretenga, el argumento y la situación están claramente desaprovechados.

Grandes escenas - Cante flamenco en "Volver" (Pedro Almodóvar, 2006)

“A Roma con amor” (Woody Allen, 2012)

La película de este año de Woody Allen es una comedia desenfadada situada en Roma que ilustra cuatro historias en paralelo sobre eso de lo que tanto le gusta reírse al director neoyorquino como son las relaciones interpersonales.

***

Título original: To Rome with love.

Guión: Woody Allen.

Países: España, USA e Italia.

Duración: 112 min.

Género: Comedia romántica.

Reparto: Woody Allen (Jerry), Alec Baldwin (John), Roberto Benigni (Leopoldo), Penélope Cruz (Anna), Judy Davis (Phyllis), Jesse Eisenberg  (Jack), Greta Gerwig (Sally), Ellen Page (Monica), Riccardo Scamarcio  (ladrón), Ornella Muti (Pia), Alessandro Tiberi (Antonio), Alison Pill (Hayley).

Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Giampaolo Letta y Faruk Alatan. Fotografía: Darius Khondji.

Montaje: Alisa Lepselter.

Diseño de producción: Anne Seibel.

Vestuario: Sonia Grande.

Distribuidora: Alta Classics.

Estreno en España: 21 Septiembre 2012.

Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

“Piratas del Caribe 4, en mareas misteriosas” (Rob Marshall, 2011)

**
Título original: Pirates of the Caribbean: On stranger tides.
País: USA.
Duración: 137 min.
Género: Acción, aventuras, comedia.
Reparto: Johnny Depp (capitán Jack Sparrow), Geoffrey Rush (Héctor Barbossa), Penélope Cruz (Angélica), Ian McShane (Barbanegra), Kevin R. McNally (Gibbs), Astrid Bergès-Frisbey (Syrenia), Sam Claflin (Philip Swift), Stephen Graham (Scrum), Tamayo Perry (pirata), Gerard Monaco (oficial español), Óscar Jaenada (el español), Paul Bazely (Salaman), Deobia Oparei (pirata), Keith Richards (capitán Teague). Guion: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert; basado en la novela de Tim Powers. Producción: Jerry Bruckheimer.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Dariusz Wolski.
Montaje: David Brenner y Wyatt Smith.
Diseño de producción: John Myhre.
Vestuario: Penny Rose.
Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.
Estreno en USA: 20 Mayo 2011.
Estreno en España: 20 Mayo 2011.

Evidentemente la Disney se ha apuntado otro tanto con la cuarta parte de “Piratas del Caribe”, sobretodo en lo económico, ya que ha funcionado muy bien en taquilla y se ha colocado como una de las películas con más recaudación de todos los tiempos superando los mil millones de dólares, eso sí, otra cosa bien distinta es que cumpla las expectativas de lo que se espera de ella en función de esos números, porque ni es “Avatar”, ni “Titanic” y mucho menos “El señor de los anillos”.

En realidad se intuye que eso poco les importa siempre y cuando la saga siga haciendo caja y hay que reconocer que “Piratas del Caribe” en lo que sí ha demostrado ser buena es en eso de generar dinero y lo seguirá haciendo (si os esperáis hasta el final de los títulos de crédito tendréis claro que así será que, por cierto, en esta ocasión el guiño no es tan tontorrón como otras veces, al menos sirve para no dejar argumentalmente un cabo suelto).

Para esta cuarta entrega algún cambio importante. Para empezar desaparecen de la función Orlando Bloom y Keira Knightley y aparece por primera vez Penélope Cruz, cuyo personaje (Angélica, la hija de Barbanegra) viene a ser algo así como la versión femenina y por pura antítesis “machorra” de Jack Sparrow así que a buen entendedor pocas explicaciones bastan, el guión, introduce la “guerra de sexos” como un ingrediente cómico más, aunque a decir verdad no me parece que lo aprovechen bien del todo. La actriz española cumple, siempre lo hace, a mí nunca me disgusta, otro asunto es que siempre esté a la altura de “Volver”. En este caso no se le puede pedir más, tampoco tiene opción dado su personaje y su estado. Fijaros que a menudo aparece con mucha vestimenta encima y sin excederse en las escenas de acción porque estaba embarazada (en alguna incluso se nota).

Y cambia también el director porque Gore Verbinski se descabalga ya de la saga quizás deseoso de experimentar con otros proyectos (véase la curiosísima “Rango”) y contratan a Rob Marshall, el director de “Chicago”, “Memorias de una Geisha” o “Nine” al que se han lanzado todos los trastos para explicar el resbalón de esta película (sí, tanto a mí como a otros nos parece que no está a la altura de las anteriores). A mí hasta ahora Rob Marshall me ha parecido un director correcto, sin más, no ha sobredimensionado nunca los títulos que ha filmado, más bien al revés, pero no es un mal director de encargo, es de suponer que los estudios están contentos con él. En este caso se le ve menos hábil en las escenas de acción que su predecesor y quizás por ese lado la película se resiente un poco (véase la escena del enfrentamiento con las sirenas por ejemplo).














El argumento gira en torno a la búsqueda de la fuente de la eterna juventud y no digo más para no destripar cosas, pero también porque poco más hay salvo alguna subtrama que para mi gusto sobra completamente (me refiero sobretodo a la de la sirenita ¿no están los actores para matarlos?) y que a fin de cuentas alarga innecesariamente el metraje provocando descensos de interés que terminan por hacer aburrida la película en más de un momento.

En cualquier caso hay aspectos que hacen atractiva esta película y que explican su éxito económico: Johnny Depp y Geoffrey Rush por supuesto ya que a Óscar Janeada el montaje no le deja lucirse porque acorta a nada su participación (Jack Sparrow y Barbosa son seguramente lo mejor de “Piratas del Caribe”), la dirección artística (decorados, ambientación), la espectacularidad de la puesta en escena (hay que reconocer que no se ahorran un céntimo para que visualmente nos encante ya sea con tomas aéreas, los magníficos exteriores, travellings y todo tipo de trucos de cámara) y por supuesto el hecho de que es una película de aventuras, acción y comedia que garantiza que casi todos queramos verla para pasar un rato entretenido (no sé si en este caso lo será tanto, yo aviso, aunque hay varias escenas tan espectaculares como siempre). Y desde luego la fecha de estreno está muy bien calculada, justo en la época de “vacas flacas” en Hollywood, cuando ya han pasado todos los grandes títulos de los óscars y lo estrenos son flojitos porque aún no ha llegado la época veraniega y sus blockbusters.

En definitiva una película de entretenimiento que hay que ver para seguirle la pista a la saga, pero que probablemente defraudará porque no es tan divertida ni tan conseguida como las anteriores (al menos como las dos primeras, porque a mí la tercera también me dejó algo indiferente) y que incluso puede llegar a aburrir porque su argumento no da realmente para las dos horas y pico que dura. Seguramente nos quedaríamos más contentos con un guión un poquito mejor que no fuera una mera espina dorsal de varias escenas de acción y con un metraje más ajustado pero mejor condimentado.



MIS ESCENAS FAVORITAS (¡¡¡OJO HAY SPOILERS!!!!)

- La escena inicial en la que Jack Sparrow escapa (es escasamente verosímil, pero de lo más entretenido de la película).
- Todo lo relacionado con el muñeco de vudú.
- El ataque de las sirenas (no porque Marshall lo ruede bien, sino porque es uno de los pocos momentos trepidantes de verdad”)
- La escena de amor de la sirena y su enamorado iría en el apartado de mis peores escenas favoritas ¡¡¡qué bajón de actores!!!!

Grandes escenas - ·Todo es mentira" - Relaciones de pareja

EL ANTES....



EL DESPUÉS...

"Nine" (Rob Marshall, 2009)

**
País: USA.
Duración: 118 min.
Género: Drama, musical, romance.
Interpretación: Nicole Kidman (Claudia Jenssen), Kate Hudson (Stephanie), Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Penélope Cruz (Carla), Marion Cotillard (Luisa Contini), Sophia Loren (la mamma), Judi Dench (Lilli), Fergie (Saraghina), Ricky Tognazzi (Dante), Giuseppe Cederna (Fausto), Elio Germano (Pierpaolo).
Guión: Michael Tolkin y Anthony Minghella; sobre el libreto de Arthur Kopit para el musical “Nine”; basado a su vez “8 ½” (1963) de Federico Fellini.
Producción: Marc Platt, Harvey Weinstein, John DeLuca y Rob Marshall.
Música: Andrea Guerra.
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: Claire Simpson y Wyatt Smith.
Vestuario: Colleen Atwood.
Distribuidora: Wide Pictures y DeAplaneta.
Estreno en USA: 25 Diciembre 2009.
Estreno en España: 22 Enero 2010.

Desde hace unos años y en concreto desde el éxito de “Moulin rouge” (2001) y el triunfo de “Chicago” en los óscars allá por 2002, el musical ha experimentado un importante auge en el cine estadounidense después de los 90’s, en los que pareció caer un poco en el olvido salvo contadas excepciones como “The commitments” o los clásicos de Disney, siempre enfocados al musical gracias a la aportación de Alan Menken y Howard Ashman. Cada año alguna productora apuesta por un musical para el que se aportan los mejores recursos y el mejor equipo técnico, pensando en que tendrá repercusión en taquilla y en los premios de la industria. Es lo que ha pasado con “Ray” (2004), “Rent” (2005), “En la cuerda floja” (2005), “Dreamgirls” (2006), “Sweeney Todd” (2007), “Hairspray” (2007), “Encantada” (2007), “Cadillac records” (2008), “Mamma mia” (2008) y ahora con “Nine”.

Rob Marshall, director de “Nine” fue el responsable precisamente de “Chicago” y tras el relativo fracaso que supuso “Memorias de una geisha”, que estuvo por debajo de lo que se esperaba de ella, ha querido repetir viejos éxitos.

“Nine” está basada en el musical ideado por Maury Yeston en los años 70’s, que trasladaba a Broadway el bloqueo creativo que Fellini explicaba en su película semi-autobiográfica “Ocho y medio” y que curiosamente interpretó Antonio Banderas durante algún tiempo en Estados Unidos.

Desde el primer fotograma se nota el lujo y los medios técnicos con los que cuenta Rob Marshall, parecidos de hecho a los que tuvo en sus películas anteriores, toda la maquinaria de producción del todopoderoso Harvey Weinstein a su disposición. En ese sentido la película es una auténtica gozada porque todo está muy cuidado y se nota un grandísimo esmero en los detalles, desde el vestuario a los decorados, la fotografía, la puesta en escena, las coreografías.....es de esas películas luminosas, festivas, espectaculares desde su propia concepción y por supuesto, el reparto es absolutamente irrepetible, quita el hipo. Solo por esto habrá mucha gente que irá a ver la película y que dará por bueno el pagar la entrada.

Ahora bien ¿es “Nine” una película a la altura de todo el despliegue realizado? Particularmente pienso que no o al menos, me parece, que no está a la altura de lo que pretendían conseguir especialmente porque flojea creo yo el componente dramático y me explico: la interpretación de Daniel Day Lewis, que no entro en si es buena o mala, resulta fría y distante, cierto es que el personaje de Guido Contini difícilmente puede caer bien porque en definitiva es un hombre que no respeta a su mujer y que se debate entre sus amantes y una crisis creativa que no llegamos a comprender porque no se nos explica bien, el caso es que termina dándonos un poco igual lo que le pasa cuando no debería ser así. Además todas las actrices salvo quizás Marion Cotillard, a quien sí se le ve un brillo especial en los ojos y se “nota” el sufrimiento de su personaje y un poco Penélope Cruz, que tiene un personaje agradecido con el que también puede trasmitir cierta “pasión”, parecen simplemente cumplir con su parte sin el arrebato necesario (tampoco sus papeles les dan mucho juego salvo en los números musicales).

Lo que es puramente la parte “narrativa” resulta pesada, por momentos lenta y demasiado preocupada por los encuadres y poco por el desarrollo dramático y como espectadores, hay que decirlo sin rodeos, nos aburrimos. Sólo con los números musicales parecen Marshall y los actores encontrarse a gusto y la película cobra vida. Si uno lo piensa es lo que verdaderamente vale la pena, es cuando en el cine parece surgir una fuerza especial de la pantalla. Me gustaron especialmente los números de Fergie “Be italian” (seguramente lo mejor de la película) y de Kate Hudson (dispone del número con más fuerza visual y musical), pero realmente el plato fuerte es Marion Cotillard, que es la que se come literalmente la pantalla y expresa sentimientos en su actuación (por el contra una pena lo poco aprovechada que está Nicole Kidman). El número de Penélope Cruz es correcto y lo resuelve bien, sin más, y el resto me parecen correctos pero no me gusta demasiado que todos se resuelvan en un decorado, que creo que es como si Marshall prefiriera expresarse en el decorado de un teatro y eso le quita posibilidades a la película como musical.

Vamos, que aunque los números musicales están bien, aunque cualquiera apreciará el esfuerzo que se realizado en todos los aspectos de producción en esta película y aunque el reparto de por sí es ya interesante la película resulta larga y los personajes no terminan de llegar lo suficiente. Podríamos decir que se trata de una fiesta musical sin “alma”.

"Vicky Cristina Barcelona" (Woody Allen, 2008)

**
Guión: Woody Allen.
Países: España y USA.
Duración: 96 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Javier Bardem (Juan Antonio), Patricia Clarkson (Judy Nash), Penélope Cruz (María Elena), Kevin Dunn (Mark Nash), Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber.
Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Montaje: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Alain Bainée.

Vestuario: Sonia Grande.

“Vicki Cristina Barcelona” tiene una gran virtud, así de entrada, y es que apenas dura hora y veinte con lo que uno se queda con ganas si está de sí o consigue escapar del cine justo a tiempo de empezar a subirse por las paredes si está de non.

A parte esta película tiene una peculiaridad y es que un Wooody Allen muy poco Wooody Allen o, siendo más precisos, un Woody Allen menor aunque en el guión se note su pluma y uno perciba en más de un diálogo que Bardem es como una versión españolizada de los típicos protagonistas de las comedias de enredo sentimental del director y que Johansson, Hall y Cruz también cumplen el papel que Allen suele reservar a sus personajes femeninos.

Da la sensación y es una sensación que he tenido viendo la película en algún momento de altibajo, porque esta película los tiene, que el argumento es una anécdota estirada con la que se pretende homenajear a una ciudad y un país que se nota en cada fotograma que maravilla a este director, aunque sólo sea por generosidad con quienes tan bien acogen sus películas. Dicen de hecho las revistas especializadas que el revuelo cuando filmaba fue tremendo. Y pienso que es una idea “estirada” porque argumentalmente no le ha dado para mucho y, como en muchas de sus películas, importan más las situaciones y los diálogos que la historia en sí.

La verdad es que lo que se nos cuenta es un poco lo de siempre en tantas y tantas comedias sentimentales que ya hemos visto de Woody Allen, está vez aderezado con un punto latino, con el descaro y el desparpajo del galán Juan Antonio, con la intensidad pasional de María Elena (casi más italiana que española), con el equilibrio que se derrumba de Vicky, con la inocencia curiosa de Cristina y de fondo con Barcelona, pero no una Barcelona cualquiera sino la que le gusta a Allen marcada por la impronta de Gaudí y una España retratada con tonos cálidos, días soleados, monumentos turísticos resplandecientes y lugares de encuentro en los que el vino aparece en cada mesa.

Sólo por el homenaje que ha querido hacer hay que ver esta película con una cierta simpatía, pero si nos ponemos muy puntillosos hay que reconocer que es un título menor en la filmografía del director. Parece una película hecha por cumplir y no me refiero a cumplir con nosotros, ni con España, ni con Barcelona, sino para cumplir consigo mismo o con su estudio, como si fuera para él una obligación hacer una película al año. Ésta vez su guión se ha visto perjudicado por ello y tan sólo ha conseguido tres o cuatro secuencias estelares de esas que encantan a la platea como el momento en que María Elena dispara y los golpes de ingenio que le caracterizan han quedado reducidos, pero no obstante Allen si ha contado con un reparto que por sí solo consigue sobredimensionar ciertas secuencias y eso que seguramente yo no he podido disfrutarlo al máximo porque esta película hay que verla en versión original y yo no lo he hecho (¿Por qué la habrán doblado? ¿No hubiera quedado incluso mejor subtitulada? Bueno sí, ya sé, eso no vende).

En cualquier caso guste más o menos, a mí me parece de visión obligada si te gusta Woody Allen aunque no tanto si uno va al cine a ver la creme de la creme (no se llega a tanto, es un título más discreto) y tiene sus detalles para el recuerdo, ese triángulo entre Johansson, Cruz y Bardem, la presencia de estos dos últimos en el cine de Woody Allen, las reflexiones sentimentales que brotan de los diálogos y por su puesto esas imágenes de Barcelona y Oviedo con “Entre dos aguas” de paco de Lucía o “Barcelona” de Giulia y los Tellarini de fondo poniendo música al pasear de los personajes entre monumentos de Gaudí.

Elegy (Isabel Coixet, 2008)

**

País: USA.
Duración: 108 min.
Género: Drama.
Interpretación: Penélope Cruz (Consuela Castillo), Ben Kingsley (David Kepesh), Dennis Hopper (George O'Hearn), Patricia Clarkson (Carolyn), Peter Sarsgaard (Dr. Kenny Kepesh), Deborah Harry (Amy O'Hearn).
Guión: Nicholas Meyer; basado en la novela "El animal moribundo" de Philip Roth.
Producción: Tom Rosenberg, Gary Lucchesi y Andre Lamal.Fotografía: Jean-Claude Larrieu.
Montaje: Amy Duddleston.
Diseño de producción: Claude Paré.
Vestuario: Katia Stano.