"¡Se armó el belén!" (José Luis Sáenz de Heredia, 1970)

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El punto de partida da juego: un cura de ideas conservadoras y con cada vez menos feligreses es destinado a un barrio de la periferia Madrid donde predomina un clima anticlerical y revolucionario y su arzobispo le aconseja actualizarse con las ideas de un joven sacerdote que regenta una parroquia más moderna para recuperar fieles. La gracia radica en enfrentar a esa situación al tipo de personaje buenazas y tozudo que siempre clava Paco Martínez Soria. Al principio funciona más o menos bien, pero después la película se pierde en sus propias gracietas y se zambulle en un tono de comedia tontorrón y disparatado que termina por no cuajar. Ninguna película del comediante aragonés es desagradable de ver con lo que garantiza un visionado "amable" y alguna sonrisa,  pero en este caso me parece uno de sus títulos más flojos.

"Don erre que erre" (José Luis Sáenz de Heredia, 1970)

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Uno de los títulos paradigmáticos en la carrera de Paco Martínez Soria en torno a ese prototipo que todos conocemos del señor entrado en años que no va a dar su brazo a torcer si cree que tiene razón en algo por trivial que sea. Siendo buen maño no podía faltar en su filmografía una película en la que encarnara a un tozudo de tomo y lomo y como no podía ser de otra manera la película adopta fórmula de comedia costumbrista y pone al personaje en varias situaciones en las que desplegar esa cabezonería tan autóctona. El guión aprovecha bien las posibilidades y depara algunas de las mejores escenas cómicas del actor aragonés. Hoy un productor avispado le habría sacado aún más tajada porque el juego que daba permitía exprimir mucho más la idea sobretodo teniendo en cuenta que Paco Martínez Soria encaja a la perfección con lo que se pretende parodiar. Inolvidable.

 

"Los aristogatos" (Wolfgang Reitherman, 1970)

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Clásico de Disney que nunca ha sido de los más valorados y en cambio siempre me ha parecido una pequeña delicia. Su argumento es sencillo y se ciñe tan sólo a unas horas en las que los gatos de la millonaría Madame Bonfamille quedan perdidos en las inmediaciones del Paris de 1910 y han de ser ayudados por un "gato arrabalero". Con varios números musicales y duración de apenas una hora y cuarto es una película que se ve en un suspiro e ideal para su visionado en familia porque no está dirigida a un público sólo infantil y tiene también su mensaje para el público adulto, con disputa por herencia incluida. Técnicamente no es de los mejores títulos de la casa, gana puntos cuando quedan solos los animales en pantalla y en su versión en español le afecta un poco el doblaje que ha quedado un tanto añejo y cursi, pero sólo son leves pegas que simplemente bajan el listón respecto a otros clásicos de la casa. A la postre es ligera, amable y conmovedora, recomendable en definitiva.

"Cromwell" (Ken Hughes, 1970)

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Rodada en Panavisión y recomendable en pantalla grande, parte de hechos reales aunque recurriendo mucho a la elipsis para contar la importancia de Cromwell en la historia de Inglaterra. Protestante y con una fidelidad inquebrantable a su país (según esta versión) se enfrentó al Rey Carlos I contrario al absolutismo que practicaba y en pos de una Inglaterra mejor. La película alterna tensas escenas políticas con otras de batallas en las que no se repara en extras y se sigue con interés aunque para mi gusto es un poco larga. El plato fuerte sin duda y a parte de la recreación de época y de la puesta en escena de gran presupuesto es el choque de dos intérpretes magníficos: Richard Harris y Alec Guinnes, que dan mucha fuerza a sus personajes. También es muy interesante vislumbrar como se fue gestando un cambio haría evolucionar poco a poco a toda Europa: el tránsito hacia un nuevo mundo en el que la soberanía pasaría a ser del pueblo a través de la democracia. La película obtuvo 2 nominaciones a los óscars (banda sonora y vestuario) y ganó el óscar al mejor vestuario.

“Mi vida es mi vida” (Bob Rafelson, 1970)

Interesante drama costumbrista en torno a un trabajador de un a refinería petrolífera cuya vida va dando tumbos, que encierra una reflexión vital muy de los años setenta en Norteamérica.

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Título original: Five Easy Pieces

País: Estados Unidos

Duración: 98 min.

Género: Drama

Calificación: No recomendada para menores de 13 años

Reparto: Jack Nicholson (Robert Eroica Dupea), Karen Black (Rayette Dipesto), Billy Green Bush (Elton), Fannie Flagg (Stoney), Sally Struthers (Betty), Marlena MacGuire (Twinky), Lois Smith (Partita Dupea), Helena Kallianiotes, Toni Basil, Lorna Thayer, Susan Anspach (Catherine Van Oost), Ralph Waite, William Challee, John P. Ryan, Irene Dailey

Guión: Carole Eastman

Distribuidora: Columbia Pictures

Productora: Columbia Pictures Corporation, Raybert Productions, BBS Productions

Fotografía: László Kovács

Historia original: Bob Rafelson, Carole Eastman

Montaje: Christopher Holmes, Gerald Shepard

Producción: Bob Rafelson, Richard Wechsler

“Love story” (Arthur Hiller, 1970)

Lacrimógeno y correcto melodrama romántico sobre dos universitarios de Harvard que marcó sentimentalmente a toda una generación y al que el paso del tiempo ha perjudicado porque esa emotividad en parte reprimida y su exacerbado romanticismo son de otra época. Eso sí, la melodía de Francis Lai sigue impregnando el ánimo de melancolía como lo hizo entonces.

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Título original: Love Story

País: Estados Unidos

Duración: 99 min.

Género: Drama, Romance

Calificación: No recomendada para menores de 7 años

Reparto: Ali MacGraw, Ryan O'Neal, John Marley, Ray Milland, Russell Nype, Katharine Balfour, Sydney Walker, Robert Modica, Walker Daniels, Tommy Lee Jones, John Merensky, Andrew Duncan, Charlotte Ford, Sudie Bond, Julie Garfield, Milo Boulton, Ellen Stretton

Distribuidora: Better Television Distribution

Productora: Paramount Pictures, Love Story Company

Fotografía: Richard C. Kratina

Guión: Erich Segal

Maquillaje: Martin Bell, William A. Farley

Montaje: Robert C. Jones

Música: Francis Lai

Recomendada para románticos sin complejos. Si te dejas llevar te hará llorar, si te pones exigente te parecerá de lo más moñas. El caso es que tocó la fibra a toda una generación, algo tiene.

“Pequeño gran hombre” (Arthur Penn, 1970)

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País: Estados Unidos
Título original: Little Big Man.
Reparto: Dustin Hofmann (Jack Crabb), Faye Dunaway (Louise Pendrake, la mujer del
vicario), Chief Dan George (Viejo Guarda Pellejos, jefe cheyenne), Martin Balsam
(Merryweather, vendedor ambulante), Richard Mulligan (general George Armstrong
Custer), Kelly Jean Peters (Olga, esposa sueca de Jack), Aimée Eccles (Rayo de Sol,
esposa cheyenne de Jack), Cal Bellini (Oso Joven, guerrero cheyenne), Jeff Corey (Wild
Bill Hickok, pistolero).
Producción: Cinema Center Films.
Productor: Stuart Millar.
Guión: Calder Willingham, basada en la novela de de Thomas Berger.
Fotografía: Harry Stradling Jr.
Música: John Hammond y John Strauss.
Montaje: Dede Allen.
Duración: 150 minutos,


Dustin Hoffman protagonizó en 1970 este atípico y curioso western tragicómico de Arthur Penn en el que un anciano de 121 años (Jack Crabb, el propio Hoffman) recuerda su vida junto a los cheyennes después de que una partida de pawnees asesinara a sus padres. Jack vive a partir de ese momento con los indios (que se autodenominan “seres humanos” en contraposición con los “blancos”), pero también regresa a la “civilización” a casa de un vicario protestante y su mujer, se bautiza y vive una etapa espiritual, se une a un vendedor ambulante, se hace pistolero, se casa con una sueca que es raptada por los indios (Olga) y en su búsqueda vuelve a encontrarse con los indios y el Jefe Viejo Guardapellejos, salva a una joven india parturienta, asiste a como los soldados del General Custer arrasan el poblado indio, cae en el alcoholismo y en una profunda crisis personal y termina asistiendo a la derrota de Custer en Little Big Horne.

El relato consiste en una sucesión de flashblacks narrados en primera persona y tiene un planteamiento que recuerda de manera notable a la novela picaresca española en el sentido de que el protagonista va malviviendo tras una desgracia personal y vive una serie de acontecimientos que trasmiten realmente una lección moral. Es, por así decirlo, un proceso de aprendizaje tanto para el personaje como para nosotros como espectadores cuando la vemos.

Esta película probablemente es uno de lo más destacados alegatos a favor del pueblo indio que se han hecho nunca y una grandiosa denuncia del genocidio que se cometió con ellos y sin duda ha servido de punto de partida para títulos posteriores como “Bailando con lobos”. Hay en toda ella una crítica mordaz desarrollada brillantemente a través de la ironía y logra una gran combinación entre comedia y drama sin renunciar a mostrarnos ni momentos jocosos (casi todo lo que tiene que ver con el general Custer) ni otros más despiadados (el asesinato inmisericorde de los indios de la reserva). El resultado es un tono agridulce que la convierte en una película muy especial que deja un profundo poso anímico.

Dustin Hoffman, por su puesto, cumple a la perfección con su papel de “Pequeño gran hombre”, que es en realidad un hombre que le ponen los indios por su corta estatura y valentía, pero no sólo él realiza una gran actuación ya que la película cuenta con un notable reparto en el que destacan Faye Dunaway, Martin Balsam y sobretodo el actor indio Chief Dan George, que recibió una nominación al óscar como mejor secundario por esta película por su papel de Jefe Viejo Guardapellejos.

Aunque se trata de una película infravalorada, fue la producción más cara que filmó Arthur Penn, un director magnífico, tal y como demostró en títulos como “El zurdo” (1958), “El milagro de Ana Sullivan” (1962), “Bonnie & Clyde” (1967) y sobretodo esa maravilla que es “La jauría humana” (1966). A pesar de sus más de dos horas y media de duración es una película que se pasa en un suspiro gracias a un guión que viene a ser algo así como una epopeya personal en la que el protagonista va dando “bandazos” por la vida desengañándose de todo y de todos.

Hay también un recorrido por la historia del oeste y los indios en el que de alguna manera se desmitifica la imagen épica e idealista que había proporcionado previamente el western y se pone en tela de juicio el tratamiento maniqueo de la mayoría de éstas películas e incluso de la propia visión del vencedor de la historia de los Estados Unidos. El argumento muestra como Jack Crabb va malviviendo por todos los estratos sociales de la sociedad que creó el oeste americano y demuestra que los marbetes de buenos y malos no estaban tan claros como se nos ha querido mostrar siempre. De hecho Jack va desengañándose con todos y cada uno de los amigos que hace en una sociedad del “hombre blanco” en la que sólo parece existir el egocentrismo (Custer), el engaño a cualquier precio (el vendedor ambulante), la lujuria (la mujer del vicario), la violencia (los pistoleros), el juego y el alcohol (Deadwood) y la ambición por la tierra (la que lleva al 7º de Caballería a cometer sus atrocidades con los indios). Por el contrario los indios muestran otro tipo de moral e integridad y matan para defenderse.

La película es a la vez entretenimiento y lección moral y logra a través de la sonrisa que nos planteemos que finalmente, con quien mejor está Jack Crabb es con los indios, a diferencia de lo que podríamos creer inicialmente. En ese sentido el final, cuando Jack Crabb se reúne con el jefe indio, resignado a su muerte inminente, resulta muy esclarecedor porque como espectador comprendes que es con él con quien realmente encuentra el equilibrio vital. La pregunta que parece plantear Arthur Penn con esta película viene a ser algo así como ¿Y si los indios tenían mucho más que enseñarnos de lo que pensamos y los arrasamos caprichosamente?