"La vida de Chuck" (Mike Flamagan, 2024)

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Singular adaptación en tres actos de una novela corta de Stephen King publicada en la antología "La sangre manda". Lo es porque la historia de Chuck está contada en orden cronológico inverso y porque su narración entremezcla lo real, lo fantástico y lo metafórico tendiendo contra pronóstico mucho más al drama existencial que al terror (lo digo por su autor). La idea que subyace es que cada mente contiene todo un universo propio con lo que cada pérdida humana equivale a la pérdida de toda una realidad. Es emotiva, original, conmovedora, pero me da la sensación que es el típico caso de película sobrevalorada. Lo sabremos mejor cuando pase el tiempo y tengamos más perspectiva. Su principal baza a favor es que crea un suspense interno muy potente porque el desarrollo te descoloca literalmente hasta que, finalmente, atas cabos y tiene alguna escena que ya es icónica, la del baile improvisado en la calle por ejemplo. No funciona igual de bien su ritmo pausado y la tendencia a lo introspectivo y lírico, que gustará a unos pero no a otros. En cualquier caso una propuesta distinta que merece la pena descubrir.

 

"Las invasiones bárbaras" (Denys Arcand, 2003)

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Denys Arcand consiguió el óscar a mejor película extranjera y el César a mejor película francesa con esta continuación de "El declive del imperio americano" (1986) que en su día ya fue un éxito internacional al que no pudo poner dichas guindas. Se puede ver de forma independiente, pero lo cierto es que retoma a los personajes y actores de aquella y gran parte de su peso emocional y dramático radica precisamente en comprobar que ha sido de sus vidas y anhelos casi 20 años después. Ingeniosa y reflexiva, más tristona y lúgubre que su precedente, es una película que mezcla drama y comedia y saca a colación a través de sus diálogos, algunos trascendentales, otros pedantes, unos cuantos cargados de humor negro, algunas reflexiones importantes sobre relaciones personales, familiares y sentimentales, ideales generacionales, política, sexo...todo con un tamiz melancólico y existencial que termina conmoviendo. 

 

"Maspalomas" (José Mari Goenaga, Aitor Arregi, 2025)

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Película sorprendente por varios motivos. Arranca con un señor separado de 76 años haciendo "cruising" en las luminosas playas de Maspalomas, continúa entre música a todo gas en las fiestas y discotecas gays y, de pronto, cambia de registro, se vuelve gris y tristona y entra en modo drama existencial en San Sebastián. El contraste es bestial y permite a sus autores poner sobre la mesa varios temas de interés y poco frecuentes en el cine español: la fugacidad de la vida, el recuerdo de la juventud perdida, la soledad de la vejez o la vuelta al armario obligada por el contexto social. No es una película fácil de ver, por momentos es incómodamente explícita, resulta triste y lenta en otros y tiene un poso melancólico rotundo que, sin duda, te afectará cuando la veas, pero también rezuma humanidad y lanza mensajes positivos. Todo un cocktail de sensaciones en un argumento completamente atípico y una historia personal que se beneficia de la imponente actuación de José Ramón Soroiz, que ganó el Goya a mejor actor por este trabajo. La película fue además nominada para otros 8 premios (mejor película, dirección, actor de reparto, guión original, fotografía, música original, dirección artística y maquillaje y peluquería).

 

"Sueños de trenes" (Clint Bentley, 2025)

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Una narración en off cuenta la vida de un talador y trabajador de los ferrocarriles a comienzos de siglo XX a golpe de elipsis y recreándose en bellísimas imágenes en exteriores. Drama contemplativo, por tanto, de cadencia lenta, de tono lírico o poético, con profundidad existencial y un cierto espíritu estoico. No se te ocurra verla como "entretenimiento", ni después de una dura jornada de trabajo o ejercicio físico que te pida recuperarte con descanso. Ésta es una película para ver en una tarde de otoño o invierno, en calma, con tranquilidad y ánimo reposado, dispuesto a dejarte llevar por las reflexiones que te vayan asaltando y todo lo que no sea eso no funcionará. Si lo haces de ese modo encontrarás que en ella palpita dolor pero también belleza, resignación vital, verosimilitud y el tempo de otra época. Yo no se la recomendaría a cualquiera, es cine de autor e importa más la atmósfera que el argumento, pero si crees que puede casar con tus gustos te irá conquistando poco a poco. Logró 4 nominaciones en los óscars a mejor película, guión adaptado, fotografía y canción. 

"Valor sentimental" (Joachim Trier, 2025)

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No es absolutamente imprescindible para disfrutar esta película que seas un cinéfilo rendido al cine de autor europeo, pero sí tendrás mucho ganado si te gustó la anterior película del director danés Joachim Trier, "La peor persona del mundo", que ya anticipaba que podía ser una figura relevante tras la cámara en el panorama internacional. También tendrás ventaja si no le haces ascos al drama nórdico y en especial a la visión existencialista que  manejaba en sus películas el sueco Ingmar Bergman, de quien Trier "bebe" indisimuladamente. Lo aviso porque la ganadora del óscar a mejor película de habla no inglesa del 2025 es exigente y tiene un público potencial muy concreto. Arranca de forma curiosa, con lo recuerdos de una casa sobre sus habitantes y pone de ese modo ante nuestra mirada a varios personajes de los que vamos conociendo poco a poco sus relaciones y conflictos, saltando adelante y atrás en el tiempo, cambiando  sucesivamente de uno a otro, recreándose a veces en el momento simplemente porque es una escena bella o significativa, jugando con el cine dentro del cine y reflexionando con imágenes sobre la paternidad, los desencuentros familiares, la admiración artística, las contradicciones vitales o el paso del tiempo. Una película ambiciosa, compleja, de cadencia lenta, sobria y contenida, pero cargada de emociones soterradas y con un reparto que logra muy buenas interpretaciones. A parte del óscar ya mencionado consiguió otras 8 nominaciones (mejor película, director, actriz principal, actor de reparto, dos actrices de reparto, guión original y montaje).

"Frankenstein" (Guillermo del Toro, 2025)

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Guillermo del Toro no adapta la novela original de Mary Shelley, sino que parte de ella para reinterpretarla con sus propias señas de identidad. Por un lado explora la relación entre creador y criatura despojando en gran parte a la historia de su tono de terror (ésta no es una película de miedo, como mucho un fantástico con suspense) y potenciando lo dramático y existencial (muy bien plasmado por los dos actores principales, Óscar Isaac y Jacob Elordi y por las dos versiones de sus personajes) y, por otro, construye una imponente atmósfera gótica con la que más que terror sentimos sobrecogimiento, aversión e inquietud emocional. El talón de aquiles del proyecto, a mi juicio, es que es una historia muy trillada que apenas da ocasión a la sorpresa para un espectador con bagaje literario o cinematográfico; sin embargo la narración y puesta en escena del director mexicano sí logran atrapar (con algún altibajo) el interés a lo largo de las dos horas largas de metraje. El arranque, que me recordó la miniserie "The terror" (2018) es magnífico, después pierde algo de fuerza, pero si algo tiene Del Toro es que siempre logra escenas visualmente muy potentes. Yo diría que no es una película redonda, pero está muy bien planificada y refleja bien lo que el director pretendía que no es otra cosa que mostrar la humanidad del monstruo frente a la inhumanidad de su creador abriendo a la vez un buen abanico de subtemas de debate que laten en segundo plano a lo largo de toda la trama como la empatía frente al miedo, las relaciones paterno-filiales, el derecho a amar y ser amado, la ciencia y los límites éticos o la ambición del ego.

"Sirat" (Oliver Laxe, 2025)

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¡Precaución! Yo no recomendaría a cualquiera esta película. Gustará mucho más a quienes, hartos de ver películas al uso, buscan vivencias diferentes, sensaciones nuevas, planteamientos a contracorriente. Es cine de autor arriesgado y ofrece una experiencia cinematográfica radical, demoledora e impactante más que una narración tradicional. Oliver Laxe construye una atmósfera inquietante, te envuelve con un sonido inmersivo que te transporta una especie de trance y propone, como indica el significado de su título, una ruta emocional a través de un infierno personal. La propuesta me parece atrevida y subyugante, atrapa y zarandea con su suspense interno, noquea emocionalmente y te deja casi sin energía y reflexionando sobre lo efímero de la vida. Eso me produjo a mí, pero entiendo a quienes no resisten el formato ni los giros de la trama, ni la cadencia lenta, ni las escenas en las que parece que nada avanza, ni el cruel puñetazo de realidad que te asesta la historia (para algunos gratuito). Metáfora sobre la existencia y realismo poético sin contemplaciones, crudo y a la yugular, no apto para cualquier espectador. En definitiva una puesta en escena distinta a todo y una historia que te descoloca por completo con un guión que mezcla intriga, aventura y drama existencial.

 

"The man from earth" (Richard Schenkman, 2007)

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Película independiente, de bajo presupuesto, con recursos que bien podrían haber sido los de un telefilm de medio pelo que se convirtió gracias a la magia del cine en un título de culto al saber aprovechar a la perfección sus propias limitaciones y una idea genial. Básicamente la hora y media se centra en una tarde y reproduce el momento en que un grupo de profesores acude a casa del profesor de historia, que se marcha a vivir a otro lugar y hasta aquí se puede "leer". La gracia de la película radica en descubrir poco a poco qué te propone, para lo cual es importante atender a las conversaciones y no perder ripio porque se va dando información poco a poco. El trasfondo, del que sí se  puede comentar algo, es una disquisición sobre la historia, la ciencia, lo que sabemos y lo que ignoramos y para ello el argumento torpedea literalmente nuestro sistema de creencias con la finalidad de que nos hagamos preguntas sobre cosas que damos por sentadas y sabidas. Una delicia para todo aquel al que interesen los temas existenciales y un título de referencia para cualquier profesor de filosofía.

"La habitación de al lado" (Pedro Almodóvar, 2024)

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Uno de los privilegios de Almodóvar es que a día de hoy, considerado uno de los autores más consagrados del cine mundial, puede permitirse el lujo de hacer cualquier proyecto que quiera y en este caso decidió lanzar uno que habla sobre sus obsesiones a fecha del estreno de la película. Básicamente cuenta cómo afronta sus últimos días una mujer junto a una de sus amigas de juventud en un apartamento aislado del mundo. Lógicamente un argumento de tono existencial, con mucho diálogo, jugando con el pasado y el presente y diseccionando los anhelos de la protagonista, que abre su alma a su amiga y, por supuesto, al público. Como siempre hay mucho de Almodóvar y la película tiene un estilo muy personal, aunque en este ocasión y como novedad rodó por primera vez en inglés, evitó prácticamente cualquier guiño cómico (lo que curiosamente deshumaniza todo un poco) y optó por un guión que podría ser también el de una obra de teatro. Particularmente la película me perdió pronto y no llegó a engancharme emocionalmente a pesar del buen trabajo de las dos actrices y del tema que trata y, no sólo eso, las preocupaciones que revela el director me parecen más el deseo de alinearse ideológicamente con una posición que la intención de construir un drama moral interesante. Siento que ha sido él quien se ha sincerado con nosotros como si estuviéramos en la habitación de al lado y aunque yo entiendo su intención no logro alcanzar el nivel de emoción que seguramente él quería transmitir.

"Los destellos" (Pilar Palomero, 2024)

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Con su tercera película, la zaragozana Pilar Palomero se confirma como una de las figuras más interesantes del actual cine español sobretodo teniendo en cuenta que no sólo dirige con ese estilo tan suyo, sino que también firma los guiones de sus películas. En esta ocasión sigue los pasos de Isabel y su hija Madalen cuidando de Ramón, ex de aquella y padre de ésta, que se encuentra enfermo. Presenta la situación con cierto suspense, aclarando las posiciones de los personajes poco a poco, tomándose su tiempo, dejándonos ver cómo se relacionan unos con otros con no mucho más que diálogos y primeros planos. De este modo consigue una descripción poética del drama que cuenta y se nos va ganando poco a poco, conmoviendo, despertando nuestra empatía hasta hacer esa historia un poco nuestra. Es un tipo de cine de imágenes hermosas e íntimas, de cadencia lenta, de trasfondo dramático pero tono poético, contemplativo en algún momento, humanista, existencial y por todo ello a contracorriente del mundo que vivimos, más cercano a la vida y al cine español de los ochenta o noventa, algo muy autóctono, muy próximo, muy reconocible para quienes sumamos años y menos para las nuevas generaciones. Y cuando acabas de verla, conmovido, serenamente emocionado te das cuenta de lo sumamente complicado que es hacer una película como ésta, contando tantas cosas con tan poca chicha argumental. No se la recomendaría a todo el mundo porque es un cine más bien adulto e introspectivo, pero quién acepte la propuesta le va a encantar. 

"Decálogo 9: no desearás a la mujer de tu prójimo" (Krzysztof Kieślowski, 1990)

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Kieslowski pone de manifiesto una vez más su gran capacidad para crear climas de suspense a partir del argumento más sencillo. En esta novena entrega de su serie, una narración lineal y plana daría como resultado una historia que hemos visto miles de veces, en cambio él consigue un desarrollo repleto de intriga gracias al punto de vista, a los personajes y a una información que se nos va dando estratégicamente con cuentagotas. Rápidamente, incluso por el propio título, sabemos que se trata de un engaño conyugal y una historia a tres, pero dado que no se explica todo lo que necesitamos saber desde un principio avanzamos en la película con la necesidad de atar cabos y resolver preguntas que van surgiendo. Al final es casi un tratado sobre el amor y la mentira con frases tan impactantes como "El amor no es jadear cinco minutos un día a la semana" o "El amor está en el corazón, no entre las piernas". Como siempre se trata de disfrutar recomponiendo los intríngulis de la historia, pero también reflexionando sobre el dilema moral que plantea. 

"La juventud" (Paolo Sorrentino, 2015)

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Tras el éxito con "La gran belleza" Sorrentino decepcionó un poco con esta película, que en realidad retoma algunas ideas de aquella y las desarrolla con otro sentido. Lo que en "La gran belleza" era la disección de un modo de vida y una clase social vistas desde los últimos estertores de sus protagonistas en "La juventud" es la disección de la vida vista desde los últimos días de dos amigos ancianos en un balneario alpino. De igual modo palpita en la película un pulso nostálgico y agridulce con aromas Fellinianos y una puesta en escena algo esnobista y pretenciosa. Para el espectador acostumbrado a argumentos al uso es un poco desesperante porque estamos ante cine de "autor" que aprovecha el escenario y personajes para transmitir ideas a través de escenas no siempre vinculadas con una relación de causa y efecto. El visionado descoloca por ello y puede resultar aburrido en algún momento, pero de lo que no cabe duda es que llegan las sensaciones que su director pretende...cierta tristeza, cierta añoranza por el pasado, la admiración por la belleza femenina, lo reconfortante de la amistad, las contradicciones del amor y de vivir en pareja, lo futil de la vida en suma, cierto vértigo existencial.

"Oppenheimer" (Cristopher Nolan, 2023)

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No es descubrir nada decir que Christopher Nolan no es un cualquiera, le avala una filmografía de varios títulos excelsos y hasta su peor película está muy por encima de la media. Con ese bagaje y con un deseo por trascender que se palpa en cada escena que filma, lo que ha intentado esta vez es ir aún un poco más allá con una película de una ambición descomunal. No sólo pretende contar un episodio crucial y terrible de nuestra historia reciente, no sólo quiere epatar más que nunca, no sólo quiere impactar en lo más profundo del espectador y removerlo en su butaca, es que además juega con los tiempos narrativos, con varios personajes (aunque siempre con el foco en ese torturado Oppenheimer para quien no había nadie mejor que Cillian Murphy después de ver su Tommy Shelby en "Peaky blinders"), salta de temas de lo social a lo personal y de lo general a lo íntimo y mezcla géneros con una facilidad pasmosa haciendo que veamos drama existencial, romance, costumbrismo, política, género judicial y bélico....En fin, una obra magna con un guión tan apabullante como su puesta en escena, eso sí, densa, repleta de nombres con diálogos plagados de dobleces y dobles intenciones, con un trasfondo farragoso y emponzoñado....Se la recomendaría a todo el mundo, pero aburrirá a quien no entre en el juego y entrar exige asumir tres horas de visionado, interés por lo que cuenta, ganas de saber e indagar y capacidad para asimilar mucha información evidente e implícita. Podría estar líneas y líneas hablando de sus virtudes, sólo apuntar que el reparto al completo está a un nivel altísimo y me gustaría destacar el trabajo de Emily Blunt, Matt Damon, Florence Pugh y sobretodo Robert Downey Jr. Puede que no termine siendo la película favorita de casi nadie, ni si quiera este año, sobrecoge más que apasiona por su contenido, pero hay que reconocer que su dimensión cinematográfica es descomunal. 

 

Decálogo 5: "No matarás" (Krzysztof Kieślowski, 1990)

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Basado en la película que el propio Kieskowski hizo en 1988 este capítulo para la televisión pone sobre la mesa los temas de la justicia y la condena de muerte. Sólo por ello es uno de las entregas más interesantes de la serie, aunque me parece ligeramente inferior a la versión larga. La cuestión es que si la ley es algo inventado por el hombre debería ser en todo caso mejor que la naturaleza, debería ser útil y justa. Si una ley condena al criminal pero no previene el crimen y tan sólo ofrece una venganza a la víctima ¿quién decide que una muerte compensa otra y por qué? ¿es realmente justo? ¿Puede una sociedad atribuirse el derecho a condenar con la muerte? ¿Es la muerte el mejor castigo? ¿La pena de muerte que impone la justicia a un asesino no es en realidad otro asesinato? Curiosamente en la película la primera muerte nos resulta dura, pero la segunda, que comete la justicia, lo es mucho más. Como en toda la obra de Kieskowski el desarrollo no es sencillo e invita a la reflexión. Se centra en el joven decidido a matar y en el abogado que le defiende y va intercalando la narración. Al final empatizas con ambos y aunque el asesinato inicial te impacta repulsa mucho más como la maquinaría judicial  impone un castigo tan inhumano como es una sentencia de muerte.

Decálogo 4: "Honrarás a tus padres" (Krzysztof Kieślowski, 1990)

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Es difícil hablar de esta cuarta entrega sin chafar parte de su encanto, que reside en ir descubriendo las intrigas de su argumento. Baste decir que todo gira en torno a una carta que desvela un secreto familiar. De nuevo un guión magnífico que Kieslowski desarrolla con una sutil narrativa repleta de giros en la que a cada momento el espectador va descubriendo que nada es lo que parecía previamente. Sin embargo y, como sucede en todas esta saga de Decálogo, el director va aportando información con cada escena, de modo que tu intuición te va adelantando  parte de la intriga que después confirmas en un juego íntimo entre cineasta y espectador. El trasfondo, como no puede ser de otra forma en el cine del director polaco, es digno de un estudio psicológico y plantea un debate complejo acerca del amor y el cariño. Destacar que, lo que en otras manos podría haber llegado a ser incluso sórdido, en este caso es de una sutileza y sensibilidad dignas de elogio y le permite ir bastante lejos en cuando a las implicaciones de todo, la actitud de los personajes y a jugar con la verdad y la mentira exigiéndonos que hagamos una interpretación final que está abierta a varias lecturas. 

 

"La ballena" (Darren Aronofsky, 2022)

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Tenía una poderosa capacidad de captación esta película, sobretodo para quien la vió en el día de su estreno, la de acercarse a ver a un Brenda Fraser hinchadísmo (con un cuerpo agigantado con maquillaje) del que todo el mundo hablaba maravillas. Y finalmente ese es el principal atractivo, el de un personaje que primero inquieta e incomoda (la escena inicial lo hace y a fondo) para después conmoverte cuando vas conociendo su historia a base de diálogos, porque anticipo que lo que nos cuentan sólo sucede en un tramo acotado de tiempo y dentro de una vivienda. No sucede mucho en una película que se termina haciendo un poco larga, pero por suerte el director y los actores están a un buen nivel y eso convierte en cinematográfico un guión que podría haber sido teatral. La clave es comprender el drama existencial del personaje y asistir a las consecuencias de su declive personal, de una autodestrucción que tiene un precio muy caro. Personalmente no me termina de convencer, me conmueve pero me pierde en algunos momentos, pero reconozco que la actuación de Fraser o el maquillaje son top. Ganó los óscars a mejor maquillaje y actor principal y estuvo también nominada a mejor actriz de reparto.

 

"Plan diabólico" (John Frankenheimer, 1966)

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Adaptación de la novela homónima de David Ely, es una mezcla de suspense psicológico y drama existencial con tono expresionista potenciado por el blanco y negro. Mal recibida en el momento de su estreno se ha convertido con el paso del tiempo en un título de culto, sobretodo por lo que cuenta y por la forma en que lo hace John Frankenheimer. Para mi gusto el guión no aprovecha del todo el trasfondo de lo que da a entender y el desarrollo termina perdiendo interés, pero supongo que no se podía ir más allá (y aún así la escena de la orgía en el pisado de la uva, sin ser demasiado explícita es bastante impactante). La película nos habla de ciencia transgresora y oculta, de élites y logias, de una realidad más allá de la cotidiana, de la obsesión por la eterna juventud por parte de los poderosos y lo hace con una narración que descoloca e inquieta y con la cámara buscando siempre ángulos forzados y planos impactantes en lo expresivo para darle en todo momento a lo que vemos un aire de desasosegante pesadilla. El conjunto al final consigue el objetivo de mostrar lo deshumanizado de esa "Comunidad" de la que habla y te deja un poco "tocado". No es una película desagradable, pero yo diría que exige un visionado un poco comprometido con la atípica propuesta. Fue nominada al óscar a mejor fotografía en blanco y negro.

"Decálogo 2: No tomarás el nombre de Dios en vano" (Krzysztof Kieślowski, 1990)

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La segunda entrega de "Decálogo" es una magnífica síntesis de lo que es toda la serie al completo. Cine de cadencia lenta, pausado, lleno de simbología, que exige un espectador adulto y comprometido con desentrañar lo que ve. Personajes intrigantes en cuyos rostros percibes secretos íntimos y un subterráneo torrente de sentimientos. Nada es trivial, ninguna escena es gratuita, todo significa algo. La cámara te los muestra en la intimidad, registra sus idas y venidas, los reúne y los separa y crea de ese modo un suspense irresistible (¿qué quieren? ¿por qué actúan así?) con un trasfondo que es siempre trascendental y existencial. En este caso nos cuenta una historia en la que una mujer embarazada se cita con un médico de su comunidad (la misma que vimos en el primer decálogo), le preocupa algo que no voy a contar pero que genera un conflicto ético en el médico. Se trata de un dilema sobre el que se nos invita a pensar y que tiene que ver con el mandamiento de no tomar a Dios en vano, pero ¡ojo! porque para comprender el alcance de lo que Kieslowski propone hay que entender que el enunciado tiene su "miga". Un capítulo con un guión que me parece una obra maestra y trufado de momentos enigmáticos y minimalistas que hay que saber interpretar y que son marca de la casa como la escena de la abeja. Una gozada verlo, pero mucho más pensar sobre ello después.

Almas en pena de Inisherin (Martin McDonagh, 2022)

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Peculiar drama ambientado a comienzos de siglo XX en una austera isla frente a las costas de Irlanda que cuenta el proceso por el que se enemistan dos viejos amigos. Fundamentalmente tiene tres características distintivas: te descoloca de inicio a fin por el extrañísimo modus operandi de sus personajes y su tono desapacible; básicamente es un duelo de personalidades a priori simples, pero llenas de recovecos y lo importante no es lo explícito sino las dobles lecturas. El argumento es muy simple, tanto que puede hacerte desconectar por repetitivo; pero tiene suficientes golpes de efecto para irte noqueando y manteniendo tu interés con un incómodo suspense. El significado profundo de lo que ves tiene mucha más miga porque habla de la amistad, del honor, de la plomiza rutina de una vida con pocos alicientes, de la soledad, de la camaradería.....Un regalo para que Brendan Gleeson y Colin Farrel  se exhiban con sus actuaciones. Consiguió 9 nominaciones en los Óscars (mejor película, dirección, actor principal, dos actores secundarios, actriz secundaria, guión original, montaje y banda sonora), pero no ganó ninguna estatuilla.

"Drive my car" (Ryûsuke Hamaguchi, 2021)

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#HidetoshiNishijima, #TôkoMiura, #RyûsukeHamaguchi #CineJaponés #Cinedrama 

Drama basado en un relato corto de Murakami en el que cuenta la relación entre un director de teatro con sus actores y con la conductora que diariamente debe llevarle a trabajar. Aparentemente un relato sencillo, sin embargo con una carga dramática muy potente y muy largo, de casi tres horas, marcado por un ritmo narrativo contemplativo que se suele detener en muchas escenas buscando también lo significativo de silencios y expresiones no verbales. No es sencilla de ver, requiere un tipo de espectador muy concreto porque la película no está confeccionada ni para el gran público ni para el ritmo de vida que llevamos, llegándote incluso a crispar si esperas más agilidad. Todo ello forma parte de su encanto, pero también es su talón de aquiles para quien no sepa apreciar y disfrutar su serena quietud. Su propuesta es que vayamos conociendo a los personajes poco a poco, descubriendo sus secretos más íntimos y sus dramas existenciales de una manera poco convencional, no explícita y con un cierto toque de suspense. En realidad es un complejo ensayo sobre el duelo, la incomunicación, la soledad...que te exige prestar atención a los pequeños detalles e ir atando cabos, conectar personajes, hilar sentimientos y descifrar reacciones...Un juego sólo apto para quien ame el cine de autor y conectar con otras sensibilidades.