jueves, 26 de agosto de 2010

“Al borde del peligro” (Otto Preminger, 1950)


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Título Original: Where the Sidewalk Ends
Año: 1950
Nacionalidad: Estados Unidos
Intérpretes: Dana Andrews, Gene Tierney, Gary Merrill, Bert Freed, Tom Tully, Karl Malden
Guión: Rex Connor
Música: Cyril Mockridge
Fotografía: Joseph LaShelle
Productora: 20th Century Fox
Duración: 92 minutos



Esta es una de esas películas que no son muy conocidas, que nadie señala en las enciclopedias de cine y que ni siquiera los cinéfilos incluyen en sus listas de preferidas, pero que hacen grande la filmografía de un director o a un género, en este caso a Otto Preminger y el cine negro.

Otto Preminger es un gran director de policiaco y cine negro, como demuestran títulos como “Cara de ángel”, “Anatomía de un asesinato” o “Laura” y también es el responsable de otras grandes películas como “Río sin retorno”, “El hombre del brazo de oro”, “Éxodo”, “Carmen Jones” o “El cardenal”.

“Al borde del peligro” se basa en la novela “Night cry” y repite la pareja protagonista de “Laura”, Dana Andrews y Gene Tierney y aunque es un título menor o, como poco, menos intenso que aquel, mantiene la elegancia en la puesta en escena con una atmósfera muy apropiada, lograda en gran parte por el director de fotografía, Joseph Laselle, también responsable de la de “Laura”.

El argumento de la película gira en torno a Max Dixon (Dana Andrews), un policía degradado por sus malos modos con los delincuentes en la ciudad de Nueva York, que se topa con una difícil situación cuando un caso se le complica en el preciso momento en que ascienden a un nuevo teniente (Karl Malden). No doy más detalles del argumento para que cada cual lo descubra por sí mismo, pero sí decir que, como es habitual en el género el protagonista se ve atrapado en un dilema ético y tiene que hacer auténticos equilibrios en la cuerda floja que separa lo correcto y lo incorrecto, lo que está dentro o fuera de la ley.

Sin duda lo mejor de la película es su desarrollo narrativo, perfectamente ajustado, interesante y significativo en todo momento. Por explicarlo llanamente no falta ni sobra nada, la película tiene un metraje idóneo (hora y media) y en cada escena y cada toma se da la información precisa que como espectadores necesitamos para seguir la trama. Y por supuesto, el dilema moral, es el fuerte de la película y del género ¿Qué haríamos nosotros en el caso de encontrarnos en la situación del protagonista?

No funciona tan bien la película en algún otro aspecto, en concreto no me convence del todo la relación entre Morgan Taylor (Gene Tierney) y Max Dixon, es como si le faltara intensidad y el componente puramente dramático quedara aliviado; quizás porque el guión no desarrolla adecuadamente las escenas entre ellos o porque los actores no están a la altura de otras ocasiones (en este sentido creo que el recuerdo de “Laura” les perjudica aunque a decir verdad, Dana Andrews, con una actuación algo inexpresiva consigue no obstante, que su personaje nos enternezca de algún modo), el caso es que lo puramente policiaco es superior al resto. Y con esto sólo pongo un “pero” que evita que hablemos de la enésima obra maestra del género.

En cualquier caso es una buena película, injustamente olvidada, y que conviene reivindicar por lo bien desarrollada, por la atmósfera que se respira en ella, por la magnífica presentación de ambientes y personajes (fabulosos todos los secundarios), por lo bien desgranados que están los acontecimientos y por la excelente planificación de tomas (destacar en este sentido los magníficos primeros planos y lo bien que se sitúa la cámara en todo momento como cuando se ve entrar el coche en el ascensor o se indica que una casera no llega a ser fiel testigo porque se encuentra dormida).

Muy interesante película

miércoles, 25 de agosto de 2010

Trailer de "Somewhere" (Sophia Coppola, 2010)

Trailers - Takers (2010)

Grandes escenas - Primera plana (Billy Wilder, 1974)

Grandes escenas - Cuatro bodas y un funeral

Grandes escenas - Braveheart

“Un hombre soltero” (Tom Ford, 2009)


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Título original: A single man.
País: EEUU
Duración: 99 min.
Género: Drama.
Interpretación: Colin Firth (George), Julianne Moore (Charley), Matthew Goode (Jim), Nicholas Hoult (Kenny), Ginnifer Goodwin (Sra. Strunk), Teddy Sears (Sr. Strunk), Jon Kortajarena (Carlos), Paulette Lamori (Alva), Ryan Simpkins (Jennifer).
Guión: Tom Ford y David Scearce; basado en la novela de Christopher Isherwood. Producción: Tom Ford, Chris Weitz, Andrew Miano y Robert Salerno.
Música: Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi.
Fotografía: Eduard Grau.
Montaje: Joan Sobel.
Diseño de producción: Dan Bishop.
Vestuario: Arianne Phillips.
Distribuidora: Aurum.
Estreno en USA: 11 Diciembre 2009.
Estreno en España: 12 Febrero 2010.

Sorprendente ópera prima cuya mayor virtud es su sensibilidad y su intenso halo melancólico, obtenido a través de un suave ritmo narrativo, una envolvente banda sonora de Abel Korzeniowski (recuerda en cierto modo el estilo de Patrick Doyle) y una magnífica fotografía que juega con el color y la intensidad oscilando según el estado anímico del protagonista y, por supuesto, con un Colin Firth en auténtico estado de gracia interpretativo, capaz de transmitir a la perfección el poso de tristeza que anida en su personaje.

La película se sitúa en Los Ángeles en la época de la crisis de los misiles cubanos (1962), una ciudad en la que puede verse un gran póster de “Psicosis” ante el que el protagonista conversa con el personaje que interpreta el modelo español Jon Kortajarena y lo indico porque es una escena especialmente icónica. Colin Firth interpreta al profesor George Falconer, un profesor universitario que atraviesa una crisis personal tras la muerte de su pareja, Jim (Mathew Goode). Su apoyo tradicionalmente ha sido su amiga y confidente Charley (Julianne Moore), pero George está casi rendido porque no consigue ver con claridad su futuro.

Evidentemente estamos ante un drama personal en el que se entremezclan recuerdos con el momento presente y en el que los diálogos tienen un especial protagonismo, siempre entre dos personajes, en situaciones íntimas y en un tono en el que tienen cabida incluso las reflexiones existenciales, pero a pesar de ello la película no se hace lenta ni pesada gracias principalmente a unas interpretaciones magníficas (junto a Firth y a Moore, que están espléndidos, yo añadiría al joven Nicholas Hoult, en el papel de Kenny, que soporta excepcionalmente los primeros planos más complicados) y también a una magnífica adaptación de la novela original de Christopher Isherwood (creador tambien de “Cabaret”) que han escrito el director y David Scearce.

Al margen de la historia en sí del protagonista, que es desde luego la columna vertebral del relato hay un poso existencial en esta película que permite reflexionar sobre varios temas: por encima de todo el amor, valorado en esta ocasión desde la perspectiva de homosexualidad, tratada en esta ocasión con un profundo respeto y sensibilidad, haciéndola comprensible hasta para el más reacio; lo vacío de una vida sin amor (en el mejor diálogo de la película George asegura “Sabes, lo único que ha hecho que todo valga la pena son esas veces en las que de verdad he podido conectar con otro ser humano); el conflicto entre la rendición y la esperanza (“Unas cuantas veces en mi vida he experimentado momentos de una claridad meridiana, en los que durante unos breves segundos, el silencio ahoga el ruido y puedo sentir en lugar de pensar y todo parece muy definido y el mundo claro y fresco como si todo acabara de nacer”) o el miedo (George les explica a sus alumnos “El miedo está conquistando el mundo, el miedo se está utilizando como herramienta de manipulación en nuestra sociedad, es la forma de los políticos de vender políticas y para los publicistas de vendernos cosas innecesarias, pensad en ello, el miedo a ser atacados, el miedo a que haya comunistas acechando en cada esquina, el miedo a que un pequeño país caribeño que no cree en nuestra forma de vida represente un peligro para nosotros, el miedo a que la cultura negra se extienda por el mundo, el miedo a la caderas de Elvis Presley, tal vez ese sea un miedo real....el miedo a que el mal aliento destroce nuestra vida social, el miedo a hacerse viejo y estar solo”.

Lo más sorprendente y a la vez el mérito más evidente de Tom Ford es conseguir que un argumento como el de esta película atrape nuestro interés y además posea la sensibilidad que emana en todo momento y además lograrlo en la que es tu primera película, aunque el verdadero milagro en este caso me parece la actuación de Colin Firth y no porque sea mal actor sino por lo grandioso que está. Firth ganó el premio a mejor actor en el Festival de Venecia y fue nominado el mejor óscar, que finalmente ganó Jeff Bridges por “Corazón salvaje”.

En cualquier caso una película en la antítesis de la épica y la acción, un drama que ante todo pretende ser lírico y emotivo y con un estilo refinado, muy próximo a la estética del spot de colonias (lógico por otra parte, el director viene del mundo de la moda y trabajaba para Gucci). Cada género y cada película tiene su público, ésta ha de verse en calma, a la cálida luz de una lámpara en una atmósfera apacible y dispuesto a dejarse llevar por dramas íntimos.

Trailer de "You will meet a tall dark stranger" (2010)

Trailer de "Monsters" (2010)

Trailer de "Fair game" (2010)

domingo, 15 de agosto de 2010

“Battlestar Galáctica” (2004-2009)

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Directores de la mayoría de capítulos: Michael Rymer, Michael Nankin, Rod Ardí, Sergio Mimica-Gezzan, Robert M. Young, Edward James Olmos
Principales guionistas: Glen A. Larson, Ronald D. Moore, Bradley Thompson, David Weddle, Mark Verheiden
Principales Productores: David Eick, Harvey Frand, Ron French, Glen A. Larson, Paul M. Leonard, Ronald D. Moore, Bradley Thompson, Mark Verheiden, David Weddle, Michael Angeli, Michael Rymer, Michael Taylor
Música: Bear McCreary, Richard Gibbs
Principales montadores: Andrew Seklir, Jacques Gravett, Julius Ramsay, Michael O'Halloran
Edward James Olmos (Almirante Adama), Mary McDonnell (presidenta Roslin), Jaime Bamber (Lee “Apollo” Adama), James Callis (Gaius Baltar), Tricia Helfer (Número 6), Grace Park (Boomer), Katee Sackhoff (Kara “Strubuck” Thrace), Michael Hogan (Coronel Tigh), Aaron Douglas (“Jefe” Tyrol), Tahmoh Penikett (“Helo” Agathon), Alessandro Julián (Gaeta), Kandyse McClure (Dualla), Donnelly Rodees (doctor Cottle), Nicki Clyne (Cally), Bodie Olmos (Hot Dog), Michael Trucco (Samuel Anders), Leah Cairns (Margaret), Rekha Sharma (Tory), Paul Campbell (Billy), Kate Vernon (Ellen Tigh), Richard Hatch (Tom Zarek), Richard Hatch (Hardball), Callum Keith Rennie (Leoben), Dean Stockwell (Cavil), Lucy Lawless (D'Anna Biers)
Productoras: British Sky Broadcasting (BSkyB), David Eick Productions, NBC Universal Televisión, R&D TV, Stanford Pictures, Universal Media Studios (UMS)


Más información : http://www.imdb.com/title/tt0407362/fullcredits#cast


Antes de hablar de Battlestar Galáctica 2003 nos tenemos que remontar al año 1978 nada menos, que es cuando se estrenó “Galáctica, estrella de combate” en TVE (sí, por entonces, sólo emitían TVE y la UHF, que a alguno le sonará a tecnología neandearthal) y si tenías mucha suerte o mucha pasta podías verla hasta en color, lo cual era el no va más porque se vendía esta serie como la más cara hasta la fecha.

Aunque hoy en día las series de ciencia-ficción y la fantasía están al orden del día y los efectos especiales los puede hacer casi cualquiera en su ordenador, por entonces eran géneros de segunda fila y se hacían muy poquitas películas y series así que para los que nos gustaba era algo así como un trébol de cuatro hojas en la programación televisiva. Los productores de la Universal encargados de aquella primera versión de Galáctica con Glen A. Larson a la cabeza, fueron muy “cucos” y aprovecharon el tremendo tirón comercial de “Star wars”, más conocida en España como “La guerra de las galaxias” para lanzar una serie que bebía de ésta claramente y de alguna serie previa como “1999” y que le dio buenos resultados a la cadena ABC ¡¡¡Qué tiempos!!!! El argumento consistía en una batalla entre los humanos de la flota espacial liderada por la nave Galáctica y los Cylons, una civilización de robots sin miramientos que se parecían mucho a los soldados imperiales de Star Wars pero que pretendían ser mucho más amenazadores. La serie, que no reparaba en gastos, fue un bombazo en España pero no cuajó y tuvo sus problemas legales precisamente por esos parecidos evidentes que llevaron a un enfrentamiento en los juzgados entre 20Th Century Fox y la Universal que terminó sobreseído en 1980. El caso es que tras una prometedora primera temporada de 22 episodios, la segunda tuvo muchos problemas y la serie se canceló tras otros 10 episodios dejándonos a muchísimos seguidores con ganas de más y tarareando la pegadiza banda sonora de Stu Philips (eso a los que les gustó la segunda temporada, que era bastante peor porque no contaba con gran parte de los actores principales y sólo se mantenía Lorne Greene).



















Dos décadas después, en plena edad de oro de las series de televisión (en la que aún nos encontramos), concretamente en 2003, volvía a retomarse el enfrentamiento entre Cylons y humanos, con un nuevo planteamiento y con la garantía del éxito de otras series de ciencia-ficción como “Star Trek”, “Babylon V” o “Stargate”. Como suele ocurrir con este tipo de series se estrenaron dos episodios piloto en forma de miniserie y a continuación se iniciaba la primera temporada. Al final hemos podido ver 75 episodios en 4 temporadas y la serie concluyó en el 2009, aunque ya se ha estrenado en Estados Unidos una precuela llamada “Caprica”. Además la serie ha contado con alguna película para la televisión y los llamados webpisodios, que se emitían en internet.

Esencialmente “Battlestar galáctica” es una nueva formulación de la antigua serie, pero para no versionarla desarrolla los acontecimientos cuarenta años después de aquella. En líneas generales el mapa de acontecimientos parte de una idea: la humanidad surgió en el planeta Kobol y después se extendió por varias colonias, pero los robots cylons que usaban se rebelaron y se produjo una guerra (la que se relata en la primera serie). La primera guerra cylon culminó con un pacto de no agresión y se estableció una base estelar como punto fronterizo entre los dos territorios, pero pasados cuarenta años los cylons, más avanzados, deciden traspasar la frontera y destruir Cáprica, la sede de las colonias humanas (este es el comienzo de la segunda serie).

Para no destripar el argumento de la serie (que está plagado de sorpresas de las que mejor no hablar) sólo decir que a lo largo de las cuatro temporadas se explican los acontecimientos posteriores al nuevo ataque cylon y el desarrollo de la segunda guerra entre cylons y humanos.

Esencialmente estamos ante una serie de ciencia-ficción, pero lo novedoso es que no se opta por el fantástico como componente primordial, sino curiosamente, por un tono realista (uso de la cámara, puesta en escena, iluminación, decorados, argumentos y actuaciones contribuyen a ello) que conduce muchas veces los argumentos por temáticas como la política, los conflictos sociales y personales o la religión, dando una profunda dimensión dramática a la historia y a los personajes. De hecho en muchos episodios, no siempre afortunados (alguno resulta más pesado), hay una profunda carga existencialista que lleva a los protagonistas a plantearse aspectos como su destino, su importancia vital o su papel en el cosmos y ello sucede tanto en un bando como en otro porque si algo caracteriza a Battlestar galáctica es su intento por situarse con ecuanimidad a ambos lados del enfrentamiento alejándose de tratamientos maniqueos y demostrando que no hay buenos y malos sino circunstancias que condicionan un comportamiento y reacciones ante esas circunstancias que terminan o no siendo buenas decisiones.

Debido a todo esto la serie cuenta con una doble baza: por un lado el encanto propio de la ciencia-ficción, con unos efectos visuales notables (magníficas casi todas las escenas con las naves, usando a menudo una cámara “nerviosa” que se acerca o aleja en zoom provocando una interesante sensación realista y de profundidad) y por otro lado la profundidad dramática. Siendo además una serie coral los guionistas pueden aprovechar para retratar distintas circunstancias a través de los personajes (todos magníficamente interpretados por un elenco sencillamente espectacular) y en ese sentido se convierte en un interesantísimo maremagnum de temas y subtemas.

Particularmente debo confesar que he recorrido la serie con altibajos de interés (quizás el único pero), no porque la serie no funcionara sino porque aunque hay un asunto global, que es la guerra entre humanos y cylons, existen dentro de la misma varios arcos argumentales formados por varios episodios con su inicio y su fin y no todos ellos me atraen por igual. También ocurre que existen capítulos en los que algún personaje filosofa para mi gusto en demasía (a menudo suele ser Gaius Baltar) y aunque ello aporta ese peculiar toque existencialista que tiene la serie, te aleja un poco del drama bélico, que es lo que a mí realmente me parece fascinante.


En cualquier caso se trata de una serie densa y pensada para un público adulto, que te va atrapando y no te suelta, que te ofrece muchísimas cosas con las que disfrutar o con las que pensar. Resulta una magnífica mezcla entre evasión y drama trascendente y posee el raro privilegio de sorprenderte cuando pensabas haber atado todos los cabos por lo que es altamente recomendable para un público muy amplio, no sólo el amante de la ciencia-ficción y no sólo el que busque cuarenta minutos de evasión cada cierto tiempo. En cierto modo “Battlestar galáctica” ejemplifica la mayoría de edad de la ciencia-ficción, trasciende lo que es puro entretenimiento y goza de las mejores virtudes de un género que siempre ha pretendido ser trascendente porque en él se unen la evasión, la ciencia y la filosofía.

Por supuesto la serie ha contado con un amplio reconocimiento de crítica y público y ha conseguido numerosos premios y nominaciones pues no en vano es una de las series punteras de los últimos años, con un estilo propio muy definido y característico que la hace diferente y única.

Me gustaría repasar los grandes momentos de la serie pero no quiero destripar ninguno para quien no la haya visto, puesto que una de sus mejores virtudes, a parte de todo lo dicho, es que no resulta tan previsible como resulta inicialmente. De hecho los guionistas hacen evolucionar mucho a los personajes y esa evolución es el germen de la multitud de sorpresas (un ejemplo curioso que no dice nada del argumento para que os hagais una idea: incluso hacen “engordar” a Lee Adama tras una crisis personal y lo tienen varios episodios con el maquillaje encima).

Sin duda el que sea una serie dramática con muchos personajes le da una gran riqueza argumental. El trabajo de los guionistas es espectacular porque lejos de centrarse en un grupo de protagonistas (en la serie original eran esencialmente Adama, Apollo y Starbuck) encontramos un elenco amplísimo y lo bueno es que todos los actores están magníficos destacando siempre, claro, a Edward James Olmos (“Miami vice”) y Mary McDonnell (“Bailando con lobos”) que son nuestros favoritos a priori por ser los más conocidos aunque poco a poco uno va teniendo sus propios favoritos entre los personajes (yo me quedaría con Kara Thrace, Número 6 (impresionante presencia la de Tricia Helfer, auténtico icono de la serie), el Coronel Tigh y Helo) y entre los actores (extraordinario James Callis y desde luego Edward James Olmos). Como curiosidad decir que aparece el Apollo de la primera serie (Richard Hatch) en un papel secundario aunque también importante como el disidente Tom Zarek.

Y antes de concluir, comentar sobre el final que me parece magnífico. No era fácil concluir una serie que podría haber continuado ad infinitum y cerrar una complejísimo argumento coral repleto de intereses y relaciones. Pienso que el argumento principal queda concluido de una manera acertada y de hecho la idea del final conecta perfectamente con un poso mitológico y legendario de nuestra propia cultura que “casa” a la perfección con lo que es la “esencia” de la serie. Seguramente prolongar más la misma habría sido un error porque se habría caído en la reiteración y los guionistas han conseguido en cambio cerrar todos los hilos sueltos del guión, aunque otra cosa es que guste como se ha hecho (a mí sí me gusta, quitando alguna cosita que pienso que no era necesaria o que podría haberse resuelto de otro modo como el destino final de las naves, ya digo, no hacía falta). El final es intenso, dramático y esperanzador a la vez, coherente con lo que se ha visto con anterioridad y sorprendente también. Si no es un final perfecto considero que se le acerca mucho, desde luego lo es la escena en que Adama y Tigh hablan sobre el destino final de Galáctica en el último episodio, es antología de la televisión.

En definitiva, una serie grandiosa, que merece muy mucho la pena ver.

NOTA FINAL: Por cierto, quedan aún sorpresas por disfrutar del Universo de la serie. Por supuesto “Caprica” pero también un telefilm que está rodando Edward James Olmos que narra el ataque de los cylons a las colonias desde su perspectiva.

Otros posts en Vianews:

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jueves, 12 de agosto de 2010

“The lovely bones” (Peter Jackson, 2009)

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Países: EEUU, Reino Unido y Nueva Zelanda.
Duración: 139 min.
Género: Drama, fantástico.
Interpretación: Mark Wahlberg (Jack Salmon), Rachel Weisz (Abigail Salmon), Susan Sarandon (Lynn), Stanley Tucci (George Harvey), Saoirse Ronan (Susie Salmon), Michael Imperioli (Len Fenerman).
Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson; basado en la novela “Desde mi cielo” de Alice Sebold.
Producción: Carolynne Cunningham, Fran Walsh, Peter Jackson y Aimée Peyronnet. Música: Brian Eno.
Fotografía: Andrew Lesnie.
Montaje: Jabez Olssen.
Diseño de producción: Naomi Shohan.
Vestuario: Nancy Steiner.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain.
Estreno en USA: 11 Diciembre 2009.
Estreno en España: 26 Febrero 2010..


Lo más sorprendente que puede decírsele a alguien que haya visto “The lovely bones” y no esté muy informad@ es que su director es el mismo que el de la saga de “El señor de los anillos”. Basta con decir esto para que cualquiera intuya ya que estamos ante un “resbalón” de Peter Jackson.

Había muchas esperanzas puestas en esta película, un drama de tono existencial y corte fantástico basado en una novela de éxito (“Desde mi cielo” de Alice Sebold) y seguramente el propio Jackson se la planteaba como una huida hacia delante, una apuesta personal para no quedar encasillado sólo como un extraordinario director de fantástico y aventuras tras la saga anteriormente mentada y “King Kong” (que es lo que es) y ser tomado en cuenta a otros niveles creativos. También sospecho que su mujer, Fran Walsh, con la que firma el guión y es su colaboradora habitual (también lo es Philippa Boyens) pudiera influir en este nuevo proyecto y bien me parecía a priori.

El caso es que tanto el argumento como el planteamiento de la película son sugerentes, pero el resultado no es todo lo bueno que al menos a mí me hubiera gustado y creo que es sobretodo porque sobra mucho metraje en el que se andan por las ramas de la historia recreándose en escenas que pretendían ser oníricas, irreales, líricas y sugerentes y terminan siendo pesadas y aburridas.

Para quien no lo sepa sólo decir que la historia que se nos narra es la de Susie Salmon, una chica preuniversitaria que fue violada y asesinada (y con esto no he contado nada porque se sabe desde el mismo comienzo, cuando la chica comienza a narrar lo que le ocurrió de una manera que recuerda en cierto modo al comienzo de “American beauty”).

A lo largo de 135 minutos que, reconozcámoslo, se hacen larguísimos, saltamos desde el limbo donde se encuentra Susie tratando de acceder a otro nivel espiritual hasta el pasado para comprobar qué ocurrió y hasta el presente para ver cómo su muerte ha afectado a sus familiares o al propio asesino. Es decir, nos encontramos ante una estructura narrativa compleja que, además Jackson, maneja intercalando las circunstancias de varios personajes y yuxtaponiendo el mundo real y el mundo ficticio. Es sin duda un proyecto ambicioso y plausible y en cierto modo recupera al Peter Jackson de esa maravilla que es “Criaturas celestiales”, lo cual es una buena noticia. Hasta ahí todo es digno de admiración e interés, pero el problema es que la película no termina de funcionar y yo quiero creer que la razón esencial ha sido la ambición de los Jackson por superarse con un más difícil todavía (lo cual creo que es crucial que eviten si finalmente van a sacar adelante la adaptación de “El Hobbitt” como parece). Es decir, por querer abarcar mucho no han logrado que le película tenga un equilibrio interno.

He de reconocer también que hay muchas cosas interesantes en la película, desde las actuaciones de un reparto brillante (al menos están todos bien salvo quizás un desubicadísimo Mark Wahlberg) en el que sobresalen Saoirse Ronan y Stanley Tucci (nominado al óscar como mejor secundario el año pasado) junto a unas correctas aunque poco aprovechadas Susan Sarandon y Rachel Weisz; hasta la puesta en escena, la forma en la que Jackson mueve y emplea su cámara pasando por la construcción de varias secuencias que nos recuerdan por su tensión y fuerza a lo mejor de “El señor de los anillos” ( dos ejemplos: el momento en que la hermana de Susie investiga en casa de su asesino y el momento en que el asesino intenta ocultar el cuerpo de la chica en una sima). Diciendo que la película se hace larga y es aburrida en algún momento concreto no digo que sea una mala película, sino más bien fallida. De hecho ocurre con ella algo muy habitual cuando todo se queda a medio camino de lo que podría haber sido y es que las sensaciones mejoran con el recuerdo.

Lo que está claro es que ha supuesto una pequeña decepción tanto para sus creadores como para nosotros como espectadores. Económicamente los resultados no han sido todo lo buenos que se esperaban y la acogida crítica de la película ha sido más bien tibia. Antes de su estreno se especulaba incluso con la posibilidad de que entrara en la decena de títulos favoritos en los óscars, pero se tuvo que conformar con una nominación como secundario para Tucci, lo cual es en sí mismo una derrota en toda regla para el matrimonio Jackson que aspiraba a mucho más.

Gracias al cielo sólo se trata de un título por debajo de sus propias posibilidades y hay momentos en que aún se vislumbra que el mejor Jackson sigue ahí. Simplemente no siempre puede darse en la diana y en esta ocasión una historia que era interesante y un planteamiento ambicioso han quedado reducidos a un resultado tibio por falta de acierto, de equilibrio o de mesura y por un final que no resuelve como nos gustaría las propuestas iniciales.

En cualquier caso se puede uno arriesgar a verla sabiendo de antemano las pegas. Es probable que no termine de convencer pero que se disfrute con los aciertos que también tiene. Si en lugar de recrear el limbo de Susie y sus requiebros existenciales, la película se hubiera centrado en el drama de los personajes y en la tensión de ciertas escenas Jackson hubiera acertado, pero eso hubiera sido poco arriesgado y ante todo este director es un kamikaze cinematográfico. Hay que tener fe en que Jackson se recupere, puede hacerlo, “El Hobbitt” lo tiene todo para conseguirlo.

martes, 10 de agosto de 2010

Cien artistas del cine hispanoamericano eligen los 100 actores que cambiaron su vida

Como ya hicieron hace poco con las películas, los de "El país semanal" hicieron recientemente una encuesta entre cien profesionales del cine hispanoamericano por sus actores y actrices favoritos y este es el resultado de la encuesta que publicaron.

El artículo entero aquí:

http://www.elpais.com/articulo/portada/Cien/artistas/cine/hispanoamericano/eligen/actores/cambiaron/vida/elpepusoceps/20100808elpepspor_10/Tes?op%C3%B1p%C3%B1


La lista con sus más y sus menos, que siempre los hay porque no existen dos listas iguales hechas por dos personas distintas, es bastante buena:

1. Marlon Brando. 294
2. Meryl Streep. 232
3. Katharine Hepburn. 229
4. Bette Davis. 187
5. Robert de Niro. 186
6. Al Pacino. 155
7. Jack Lemmon. 146
8. Cary Grant. 138
9. Marcello Mastroianni. 127
10. Javier Bardem. 125
11. Fernando Fernán-Gómez. 112
12. Daniel Day-Lewis. 97
13. Anna Magnani. 93
14. Charles Chaplin. 87
15. Paul Newman. 82
16. Sean Penn. 75
17. Montgomery Clift. 64
18. Ingrid Bergman. 64
19. Philip Seymour Hoffman. 62
20. Gena Rowlands. 60
21. Charles Laughton. 51
22. Vittorio Gassman. 51
23. James Stewart. 50
24. José Luis López Vázquez. 47
25. Kate Winslet. 46
26. Spencer Tracy. 45
27. Liv Ullmann. 43
28. Luis Tosar. 43
29. Victoria Abril. 42
30. Anthony Hopkins. 40
31. Julianne Moore. 40
32. Paco Rabal. 39
33. Barbara Stanwyck. 38
34. Jack Nicholson. 37
35. Greta Garbo. 36
36. Peter Sellers. 34
37. Carmen Maura. 33
38. Vivien Leigh. 32
39. John Wayne. 31
40. Candela Peña. 31
41. Michael Caine. 31
42. Susan Sarandon. 31
43. Juliette Binoche. 30
44. Humphrey Bogart. 30
45. Penélope Cruz. 30
46. Giulietta Masina. 29
47. Jeanne Moreau. 28
48. Laurence Olivier. 28
49. Orson Welles. 27
50. Marilyn Monroe. 26
51. Pepe Isbert. 26
52. Kirk Douglas. 26
53. Daniel Auteuil. 25
54. Audrey Hepburn. 24
55. Dustin Hoffman. 23
56. Shirley MacLaine. 23
57. Gary Cooper. 22
58. Robert Mitchum. 22
59. Edward Norton. 22
60. Henry Fonda. 20
61. Isabelle Huppert. 20
62. Ava Gardner. 18
63. Sean Connery. 18
64. Leonardo DiCaprio. 17
65. Emma Thompson. 17
66. Steve McQueen. 16
67. Jessica Lange. 16
68. Helen Mirren. 16
69. Gérard Depardieu. 16
70. Toshiro Mifune. 16
71. Willem Dafoe. 15
72. Toni Collette. 15
73. Morgan Freeman. 15
74. Groucho Marx. 15
75. Ángela Molina. 15
76. Max von Sydow. 15
77. Alberto Sordi. 15
78. Jean Gabin. 15
79. Christopher Walken. 15
80. Kevin Spacey. 15
81. Clark Gable. 14
82. Ed Harris. 14
83. Nino Manfredi. 14
84. Javier Cámara. 14
85. Eduard Fernández. 14
86. Rosa María Sardá. 13
87. Benicio del Toro. 13
88. Sofía Loren. 12
89. Marlene Dietrich. 12
90. Juan Diego. 12
91. Nicole Kidman. 12
92. Glenn Close. 11
93. Fernando Rey. 11
94. Richard Burton. 11
95. Kay Francis. 10
96. Buster Keaton. 10
97. Fred Astaire. 10
98. Cristopher Reeve. 10
99. Ricardo Darín. 10
100. William Holden. 10

“Toy story 3” (Lee Unkrich, 2010)

*****
País: EEUU.
Duración: 103 min.
Género: Animación, aventuras, comedia.
Doblaje original: Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack, Timothy Dalton (Sr. Púas), John Ratzenberger (Hamm), Michael Keaton (Ken), Wallace Shawn (Rex), R. Lee Ermey (sargento), Jodi Benson (Barbie), Whoopi Goldberg (Pulpi), Ned Beatty (Lotso Abracitos).
Guión: Michael Arndt.
Producción: Darla K. Anderson.
Música: Randy Newman.
Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.
Estreno en USA: 18 Junio 2010.
Estreno en España: 21 Julio 2010.

Desde hace unos años cada vez que me enfrento con el papel o, mejor dicho, el ordenador en blanco, a una reseña de una película de Pixar me encuentro ante el problema de qué decir para no repetirme. Año tras año la compañía de John Lasseter, por cierto, responsable de aquella primera “Toy story” que fue el primer largometraje de estos estudios, consigue firmar uno de los mejores títulos del año y no hablo solo de animación, que también.

Este año le toca el turno a la tercera parte de “Toy Story”, lo que viene a ser algo así como un regalo a los fieles, un reencuentro con Woody, Buzz lightyear, Jessie o los señores patata, que tan buenos ratos nos hicieron pasar en las dos entregas anteriores. También es un punto y a parte como si se cerrara una etapa que ha sido espectacular si repasamos los títulos que se han estrenado desde aquel 1995, hagámoslo: “Toy story” (1995), ”Bichos” (1998), ”Toy story 2” (1999), ”Monsters Inc” (2001), ”Buscando a Nemo” (2003), ”Los increíbles” (2004), ”Cars” (2006), ”Ratatouille” (2007), ”Wall-e” (2008), ”Up” (2009). No obstante y teniendo en cuenta que los proyectos futuros son, entre otros, ”Cars 2” y ”Monsters 2” pudiera parecer que Pixar está sufriendo una crisis creativa, pero nada más lejos de la realidad.

Es cierto que resulta muy complicado superar el listón tan elevado como el conseguido con “Ratatouille”, “Wall-e” y “Up”, tres películas perfectas en sí mismas; pero lejos de caer en el conformismo o de repetir fórmulas anteriores, “Toy story 3” es otra maravilla más que aprovecha sus posibilidades argumentales para llevar las posibilidades de sus personajes un poquito más allá.

Esta tercera parte está confeccionada para los más peques, pero Pixar no olvida nunca ni a los más mayores ni a los que han ido creciendo con sus películas y por ello el argumento hace un guiño a los que en su día vieron “Toy story” en la edad de su protagonista humano Andy. En esta entrega el chaval ha crecido, tiene diecisiete años y está a punto de ir a la universidad así que debe decidir qué hacer con sus viejos juguetes y éste es el punto de partida de una trama mucho más divertida de lo que cualquiera puede intuir de antemano. De nuevo los guionistas de Pixar (en este caso Michael Arndt) vuelven a sorprender con un guión que lo tiene todo y ¡ojo! Que cuando digo todo me refiero a que la película parece ir saltando de género a género: comienza como un western que se transforma enseguida en cine de aventuras (extraordinario arranque lleno de fuerza muy a lo Indiana Jones, que podría ser en sí mismo un corto), salta a la ciencia-ficción, retorna al cine familiar con los toques sentimentales y entrañables que caracterizan a esta trilogía y enseguida se pasa de nuevo a la aventura, al género carcelario (sensacional todo lo que acontece en Sunnyside, tanto a nivel visual como argumental), al género de mafiosos, incluso al terror o a la acción y concluye in crescendo con un final antológico que es pura magia y te hace pasar de un cierto congojo a la carcajada y por supuesto todo ello remozado por un sano y saludable sentido del humor que convierte a este “Toy story” en una comedia indispensable.

No quiero comentar las sorpresas del argumento, pero sí os desgrano algunas cosas que me han encantado y que iréis comprobando cuando veais la película: la presencia de Lotso (un personaje crucial en la película y con una extraordinaria fuerza: su historia es antológica); la demostración creativa de Pixar a todos los niveles en Sunnyside (desde el diseño de personajes, a la riqueza cromática pasando por el sentido de espacialidad que se da con los fondos); el toque “flamenco” de Buzz; el empeño personal de Woody por ayudar a sus amigos; la ocurrencia del mono-alarma; la entrañable relación entre Andy y la niña; el homenaje a Miyazaki con la presencia de Totoro entre los juguetes de esta entrega; cómo se convierte en algo cómico y divertido la ñoñería de Ken y Barbie; prácticamente todo en lo que intervienen Mr y Mrs. Potato; el uso de la fingida “cámara en mano” para dar dramatismo y sensación de realismo a algunas escenas; los extraterrestres de tres ojos (casi me parto de risa) y sobretodo el tramo final con una última media hora absolutamente memorable que me hizo reír y contener la lagrimilla unas cuantas veces en una suerte de montaña rusa de emociones fuertes.

Creo que es difícil igualar un guión tan redondo como éste y ya me estoy repitiendo respecto a reseñas anteriores de Pixar, pero es que no se puede decir otra cosa. La historia que se nos cuenta no es que sea divertidísima solo, es que está llena de guiños, homenajes y grandes momentos. Es un muestrario de géneros excepcional y creo inconcebible pensar que alguien no pueda hacer otra cosa que disfrutar la película de inicio a fin sonriendo, disfrutando, soltando adrenalina o emocionándose y soltando su lagrimita. Sin duda estamos ante la edad de oro del cine de animación y esta película es otra cumbre más del Himalaya de cimas que lleva creadas Pixar.

No se puede hacer otra cosa que recomendarla a viva voz. NO OS LA PERDAIS

Ah, y otra recomendación más y quien me haga caso me estará enormemente agradecido, al cine hay que ir con tiempo, al menos con el tiempo suficiente para no perderse el cortometraje previo a la película, también de Pixar, también una maravilla y, difícil lo tienen para quitárselo, el próximo ganador del óscar a mejor cortometraje animado: “Día y noche”, una maravilla que mezcla animación en dos y tres dimensiones. ¡¡¡¡¡Sencillamente magistral!!!!!


martes, 3 de agosto de 2010

“Splice” (Vincenzo Natali, 2009)

**
Países: Canadá, Francia y USA.
Duración: 104 min. Género: Ciencia ficción, fantástico, terror. Interpretación: Adrien Brody (Clive Nicoli), Sarah Polley (Elsa Kast), David Hewlett (William Barlow), Delphine Chanéac (Dren adulta), Brandon McGibbon (Gavin), Simona Maicanescu (Joan).
Guión: Vincenzo Natali, Antoinette Terry Bryant y Doug Taylor; basado en un argumento de Vincenzo Natali y Antoinette Terry Bryant.
Producción: Steven Hoban.
Música: Cyrille Aufort.
Fotografía: Tetsuo Nagata.
Montaje: Michele Conroy.
Diseño de producción: Todd Cherniawsky.
Vestuario: Alex Kavanagh.
Distribuidora: Vértice Cine.
Estreno en Canadá: 4 Junio 2010.
Estreno en España: 30 Julio 2010.

Sabía de antemano que la película estaba dirigida por Vicenzo Natali, que hace unos años nos dejó KO con es película llena de sorpresas que es “Cube” y por supuesto eso y la presencia de Adrian Brody y Sarah Polley encabezando el reparto me atraían, aún siendo consciente de que seguramente ésta era una película de esas que encuentran su oportunidad en las, por lo general, sosas carteleras veraniegas. Una vez vista debo reconocer que tiene un tono inquietante que te mantiene viéndola con interés de principio a fin, pero me queda un regusto ligeramente desagradable, como el de una mala digestión y la convicción de que el guión es realmente flojo. Estamos ante un caso curioso, el de una película que deja una huella anímica, pero que no logra ser redonda.

La característica esencial de esta película es una atmósfera malsana, perturbadora, que Natali, eso sí, borda desde el comienzo y mantiene hasta el final; pero por esta razón no la recomendaré a nadie con el estómago inestable, es una película incómoda. Particularmente los propios títulos iniciales y el arranque ya te ponen alerta puesto que la cámara recorre unas entrañas que se intuyen no humanas como si estuviera haciendo una gastroscopia y a continuación adoptas como espectador la posición subjetiva de algo que está naciendo, un bichejo que literalmente tira para atrás. Ya he dicho mucho, el caso es que el director juega a tensionarte, a envararte con situaciones que producen inquietud, desasosiego y muchas veces asco, pero que te impactan.

La película va sobre dos científicos, Clive y Elsa, que trabajan en unos experimentos genéticos en una empresa farmacéutica llamada NERD que pretende encontrar soluciones para un buen número de enfermedades. El plan maestro es unir los ADN de distintos animales, pero el éxito con ellos lleva irremediablemente a un reto mayor, la unión de ADNS animales con humanos.

Este es el punto de partida y su desarrollo lleva inevitablemente a un desenlace con componentes dramáticos, con un fondo ético y con un resultado inquietante. Natali quiere desarrollar todo con esta película, pero realmente creo que el guión desaprovecha los dos primeros y sólo se logra acertar con la atmósfera, lo que también es atribuible a los equipos de sonido y efectos especiales, aunque éstos últimos, ya aviso que son modestos. Aunque potencialmente estamos ante una película de denuncia o un drama de resonancias frankenstenianas, el guión no permite que esto cuaje y, bajo mi punto de vista, sólo funciona el suspense, siempre con un tono malsano de pesadilla (Dren es un personaje propio de un delirio que nunca gana tus simpatías como espectador y que causa en ti rechazo, por lo que el componente dramático nunca termina por funcionar y mucho menos el giro de guión que pretende adentrarse en temáticas edípicas y freudianas). Hay además una inevitable sensación de irrealidad, potenciada en gran parte por la fotografía, y varias decisiones de los personajes que hay que pasar por alto para que no se resienta la lógica interna de la película, para mi gusto demasiadas, que hacen que uno se distancie. En suma, que el guión no funciona, aunque Natali si logra lo que pretende que es inquietarte y removerte en la butaca.

Lejos de ser una película de terror de esas Made In USA que solemos ver, “Splice” tiene mucho más de alucinación inquietante muy a lo David Cronemberg en títulos como “La mosca” o “Inseparables” y no es casual porque al igual que Cronemberg el director es también canadiense y en la producción pone dinero una productora canadiense además de Dark Castle y ¡¡¡sorpresa!!! la francesa Gaumont.

En suma, una película sin duda valiente y arriesgada para los que quieran tensión y soporten cierto límite de aprensión, que se queda un poco a medias de lo que podría haber sido quizás por su obsesión por la atmósfera malsana.

domingo, 1 de agosto de 2010

100 películas que cambiaron su vida

Hoy el periódico "El país" ha publicado en su suplemento dominical el resultado de una encuesta a cien artistas del cine hispanoamericano que han valorado las que son sus películas imprescindibles y el resultado me ha parecido francamente bueno y selecto.

Por supuesto en estas listas no están todas las que son, pero sí son todas las que están y las que están en este caso, efectivamente, son imprescindibles. Yo jamás hubiera incluido alguna película como "Bailar en la oscuridad" que considero sobrevalorada y no me parece siquiera la mejor de Lars Von Trier, otras faltan y unas cuantas las pondría más arriba o abajo (que "Centauros del desierto" esté en el puesto 61 es un auténtico sacrilegio por ejemplo), pero lo que está claro es que todas las que aparecen en la lista hay que verlas porque merecen muy mucho la pena. Si las repasais contad cuántas habéis visto y sabréis si os falta por ver aún mucho o poco cine del bueno:

http://www.elpais.com/articulo/portada/Cien/artistas/cine/hispanoamericano/eligen/peliculas/cambiaron/vida/elpepucul/20100801elpepspor_9/Tes



Junto al director, la puntuación total obtenida tras el recuento

1 EL PADRINO Francis Ford Coppola 225
2 EL APARTAMENTO Billy Wilder 135
3 CIUDADANO KANE Orson Welles 121
4 EL VERDUGO Luis García Berlanga 89
5 CON FALDAS Y A LO LOCO Billy Wilder 89
6 BLADE RUNNER Ridley Scott 77
7 VIRIDIANA Luis Buñuel 76
8 LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ Victor Fleming 73
9 EVA AL DESNUDO Joseph L Mankiewicz 71
10 LADRÓN DE BICICLETAS Vittorio de Sica 68
11 EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES Billy Wilder 64
12 CANTANDO BAJO LA LLUVIA Stanley Donen y Gene Kelly 62
13 LOS SANTOS INOCENTES Mario Camus 60
14 EL ÁNGEL EXTERMINADOR Luis Buñuel 59
15 AMARCORD Federico Fellini 59
16 VéRTIGO Alfred Hitchcock 53
17 EL CAZADOR Michael Cimino 53
18 PLÁCIDOLuis García Berlanga 51
19 AMANECER F W Murnau 50
20 SER O NO SER Ernst Lubitsch 50
21 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO Stanley Kubrick
22 FELLINI OCHO Y MEDIO Federico Fellini
23 CASABLANCA Michael Curtiz
24 NOCHE DE ESTRENO John Cassavetes
25 EL PADRINO (TRILOGÍA) Francis Ford Coppola
26 LOS 400 GOLPES FranÇois Truffaut
27 CON LA MUERTE EN LOS TALONES Alfred Hitchcock
28 TAXI DRIVER Martin Scorsese
29 APOCALYPSE NOW Francis Ford Coppola
30 EL ACORAZADO POTEMKIN Sergei M Eisenstein
31 EL GATOPARDO Luchino Visconti
32 UNO DE LOS NUESTROS Martin Scorsese
33 EL PADRINO II Francisc Ford Coppola
34 LA STRADA Federico Fellini
35 TIEMPOS MODERNOS Charles Chaplin
36 LAWRENCE DE ARABIA David Lean
37 UN TRANVÍA LLAMADO DESEO Elia Kazan
38 SED DE MAL Orson Welles
39 ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO? Pedro Almodóvar
40 EL GRAN DICTADOR Charles Chaplin
41 FANNY Y ALEXANDER Ingmar Bergman
42 PSICOSIS Alfred Hitchcock
43 LA QUIMERA DEL ORO Charles Chaplin
44 LA DOLCE VITA Federico Fellini
45 EL CIELO SOBRE BERLÍN Wim Wenders
46 ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO Ridley Scott
47 LA NARANJA MECÁNICA Stanley Kubrick
48 LOS PÁJAROS Alfred Hitcock
49 EL ESPÍRITU DE LA COLMENA Víctor Erice
50 UNA NOCHE EN LA ÓPERA Sam Wood
51 EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA Luis Buñuel
52 ANNIE HALL Woody Allen
53 PASIÓN DE LOS FUERTES John Ford
54 EL RÍO Jean Renoir
55 PARIS, TEXAS Wim Wenders
56 ÁTAME Pedro Almodóvar
57 LAS UVAS DE LA IRA John Ford
58 UNA MUJER BAJO LA INFLUENCIA John Cassavetes
59 EL TERCER HOMBRE Carol Reed
60 ROCCO Y SUS HERMANOS Luchino Visconti
61 CENTAUROS DEL DESIERTO John Ford
62 ORDET Carl Theodor Dreyer
63 AL FINAL DE LA ESCAPADA Jean-Luc Godard
64 LA GUERRA DE LAS GALAXIAS George Lucas
65 EL DÍA DE LA BESTIA Álex de la Iglesia
66 TORO SALVAJE Martin scorsesse
67 FRESAS SALVAJES Ingmar Bergman
68 PERDICIÓN Billy Wilder
69 EL VIAJE A NINGUNA PARTE Fernando Fernán Gómez
70 LOS SIETE SAMURÁIS Akira Kurosawa
71 LA DILIGENCIA John Ford
72 TIBURÓN Steven Spielberg
73 LUCES DE LA CIUDAD Charles Chaplin
74 MARIDOS John Cassavetes
75 ¡BIENVENIDO, MÍSTER MARSHALL! Luis García Berlanga
76 EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE John Ford
77 QUÉ BELLO ES VIVIR Frank Capra
78 EL LEÓN EN INVIERNO Anthony Harvey
79 PERSONA Ingmar Bergman
80 CIUDAD DE DIOS Fernando Meirelles
81 EL HOMBRE TRANQUILO John Ford
82 RASHOMON Akira kurosawa
83 LA REINA DE ÁFRICA John Huston
84 JOHNNY GUITAR Nicholas Ray
85 KING KONG Merian C Cooper y Ernest B Schoedsack
86 LOS OLVIDADOS Luis Buñuel
87 EL GUATEQUE Blake Edwards
88 BAILAR EN LA OSCURIDAD Lars Von Trier
89 CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA Kenji Mizoguchi
90 EL HOMBRE ELEFANTE David Lynch
91 CABARET Bob Fosse
92 UNA MUJER Y TRES HOMBRES Ettore Scola
93 PICKPOCKET Robert Bresson
94 LA LEY DEL DESEO Elia Kazan
95 EL SÉPTIMO SELLO Ingmar Bergman
96 RÍO BRAVO Howard Hawks
97 LA NIÑA DE TUS OJOS Fernando Trueba
98 EL EXTRAÑO VIAJE Fernando Fernán-Gómez
99 DUBLINESES John Huston
100 FARGO Joel y Ethan Coen