"La habitación de al lado" (Pedro Almodóvar, 2024)

**
#TildaSwinton #JulianneMoore #JohnTurturro #AlessandroNivola #PedroAlmodóvar #CineDrama #CineExistencial

Uno de los privilegios de Almodóvar es que a día de hoy, considerado uno de los autores más consagrados del cine mundial, puede permitirse el lujo de hacer cualquier proyecto que quiera y en este caso decidió lanzar uno que habla sobre sus obsesiones a fecha del estreno de la película. Básicamente cuenta cómo afronta sus últimos días una mujer junto a una de sus amigas de juventud en un apartamento aislado del mundo. Lógicamente un argumento de tono existencial, con mucho diálogo, jugando con el pasado y el presente y diseccionando los anhelos de la protagonista, que abre su alma a su amiga y, por supuesto, al público. Como siempre hay mucho de Almodóvar y la película tiene un estilo muy personal, aunque en este ocasión y como novedad rodó por primera vez en inglés, evitó prácticamente cualquier guiño cómico (lo que curiosamente deshumaniza todo un poco) y optó por un guión que podría ser también el de una obra de teatro. Particularmente la película me perdió pronto y no llegó a engancharme emocionalmente a pesar del buen trabajo de las dos actrices y del tema que trata y, no sólo eso, las preocupaciones que revela el director me parecen más el deseo de alinearse ideológicamente con una posición que la intención de construir un drama moral interesante. Siento que ha sido él quien se ha sincerado con nosotros como si estuviéramos en la habitación de al lado y aunque yo entiendo su intención no logro alcanzar el nivel de emoción que seguramente él quería transmitir.

El mundo perdido: Jurassic park (Steven Spielberg, 1997)

****
#JeffGoldblum #JulianneMoore #VinceVaughn #PetePostlethwaite #StevenSpielberg #Cineaventuras #Cine #CineFantástico #CineAcción

Tras el descomunal éxito en taquilla de "Parque jurásico" (1993), que se convirtió hasta el estreno de "Titanic" (1997) en la película más vista de la historia en una sala de cine superando a "ET"( 1982), no podían desaprovechar la ocasión de rizar más el rizo y, claro, recaudar mucho más dinero. "El mundo perdido" fue concebida por Michael Crichton y David Koepp al guión con la intención de aumentar la amenaza de los dinosaurios y multiplicar de forma exponencial su presencia en pantalla aprovechando las posibilidades que daban los avances en efectos visuales. El argumento tiene sus pegas y no es más que una escusa para entrar "en harina". No hay detrás un gran guión, pero hay que reconocer que después de un inicio que se hace un poco largo, la película da lo que prometía y va directa al grano, a la acción, que es lo que busca el espectador. Para mi gusto esta segunda entrega desaprovecha sus propias posibilidades porque contaba con opciones muy evidentes de ser una experiencia de suspense cercano al terror con mayor empaque y, en cambio, se sacrifica un poco la coherencia interna de la narración y se da rienda suelta al caos con el único objetivo de epatar al público (véase como ejemplo todo el tramo final). En cualquier caso la presencia de Spielberg en la dirección asegura un visionado entretenido, varios momentos que quitan el hipo y una puesta en escena que sí está a la altura. El truco para disfrutarla como merece es agenciarse una pantalla grande y verla sin grandes expectativas como quien va a una atracción de feria, a pasar un rato trepidante. Fue nominada a mejores efectos visuales, pero ese año arrasó "Titanic".

"Hijos de los hombres" (Alfonso Cuarón, 2006)

Vista en 2006 esta película, con la que el director mexicano Alfonso Cuarón comenzó a consolidarse como uno de los grandes, resultaba una fascinante experiencia inmersiva a medio camino entre la acción y el drama, ambientada en un futuro distópico situado en el 2027 en el que Londres se ve asolado por la pobreza, sobrepasado por la inmigración y ferreamente controlado por los militares mientras el mundo languidece por un problema de fertilidad. Vista hoy al tenso e inquietante visionado de entonces cabe añadir un plus de temor porque ese futuro no está ahora mismo tan lejos de lo posible. Estuvo nominada a los óscars a mejor guión adaptado, fotografía y montaje.

  ***** 
  Título original: Children of men

  País: Gran Bretaña, Estados Unidos, Japón

  Duración: 109 min.

  Género: Ciencia ficción, acción, aventuras

  Reparto: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine,         Chiwetel Ejiofor, Peter Mullan, Danny Huston, Clare-Hope   Ashitey, Pam Ferris, Charlie Hunnam, Oana Pellea, Jacek   Koman, Ed Westwick, Paul Sharma

  Productora: Universal Pictures
  Fotografía: Emmanuel Lubezki 

  Guión: Alfonso Cuarón, David Arata, Hawk Ostby, Mark  

  Fergus, Timothy J. Sexton 

  Montaje: Alex Rodríguez, Alfonso Cuarón

  Música: John Tavener

  Novela original: P.D. James

"Kingsman 2: El círculo de oro" (Matthew Vaughn, 2017)

**

Lo que en la primera era entretenimiento gamberro, acción desbordante y espectáculo refrescante aquí se les va de las manos completamente y se convierte en exceso puro. Personajes, argumento, escenas de acción, parodia e incluso la duración pierden su equilibrio interno dentro de la propuesta y no acaban de funcionar como lo hicieron la primera vez. No puede decirse que la película no sea entretenida, que lo es, ni que no haya escenas deslumbrantes, que las hay, pero me dio la sensación que no han sabido mantener el nivel y que la fórmula se resquebraja.

“Los juegos del hambre 3, Sinsajo parte 1” (Francis Lawrence, 2014)

Insulsa, aburrida, demasiado larga y para mi gusto innecesaria tercera entrega de la saga de "Los juegos del hambre" que sólo consigue que te quedes con las ganas de ver el final, pero que se podían haber ahorrado.....claro que entonces se quedaban sin el pastizal de la recaudación.

**

Título original: The Hunger Games: Mockingjay – Part 1.

País: EEUU.

Duración: 123 min.

Género: Acción, ciencia-ficción.

Reparto: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale), Woody Harrelson (Haymitch), Elizabeth Banks (Effie), Stanley Tucci (Caesar), Julianne Moore (Alma Coin), Philip Seymour Hoffman (Plutarch), Jeffrey Wright (Beetee), Donald Sutherland (presidente Snow), Jena Malone (Johanna Mason), Sam Claflin (Finnick Odair).

Guión: Danny Strong y Peter Craig; basado en la novela de Suzanne Collins. Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik.

Música: James Newton Howard.

Distribuidora: eOne Films Spain. 

Estreno en USA: 21 Noviembre 2014.

Estreno en España: 21 Noviembre 2014.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Lamentablemente si te gustaron las dos primeras y quieres seguir el hilo no te queda más remedio que verla, pero eso cabrea todavía más porque te das cuenta que se han aprovechado literalmente de eso. Yo le recomendaría a todos los amantes de la saga que no paguen por ella, que es lo único que les interesa a los que la han hecho....que no nos tomen el pelo y que nos den algo a cambio de la entrada y no sólo humo.

“Don Jon” (Joseph Gordon-Levitt, 2013)

Aunque arranca como gamberra comedia juvenil sobre un chulo de bar adicto al cibersexo poco a poco amplía su planteamiento y pone en solfa con mucha ironía, agilidad y desenfado ciertas costumbres que son locales pero también universales en lo que es un prometedor debut en la dirección de su actor protagonista y eso aunque vaya perdiendo algo de gas conforme avanza.

***

Película: Don Jon. AKA: Don Jon’s addiction.

Guión: Joseph Gordon-Levitt.

País: EEUU.

Duración: 90 min. 

Género: Comedia dramática, romance.

Reparto: Joseph Gordon-Levitt (Jon), Scarlett Johansson (Barbara), Julianne Moore (Esther), Tony Danza (Sr. Jon), Glenne Headly (Angela), Brie Larson (Monica). 
Producción: Ram Bergman.

Música: Nathan Johnson.

Fotografía: Thomas Kloss.

Montaje: Lauren Zuckerman. 

Diseño de producción: Meghan C. Rogers.

Vestuario: Leah Katznelson.

Distribuidora: Wanda Visión.

Estreno en USA: 27 Septiembre 2013.

Estreno en España: 31 Octubre 2013.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Recomendada para gamberretes a los que les guste levantarse una chica por fin de semana, unas pesas por sesión de gimnasio, unos tragos por quedada con los colegas, una discusión por comida con la familia y un poco de sexo en el portátil o para quienes nos les importe ver a un tipo al que gusta todo eso y tiene unas cuantas cosas por aprender.

“Game change” (Jay Roach, 2012)

La película hecha para la televisión más exitosa del pasado 2012, ganadora de 3 Globos de oro y 4 Emmys reconstruye con verosimilitud y profundidad dramática las elecciones de 2008 en Estados Unidos diseccionando la estrategia republicana a partir de una Sarah Palin y un John McCain “clavados” por Julianne Moore y Ed Harris.

****

Título original: Game Change

Duración: 118 minutos

País: EEUU

Guión: Danny Strong (Novela: Mark Halperin, John Heilemann)

Música: Theodore Shapiro

Fotografía: Jim Denault

Reparto: Julianne Moore, Ed Harris, Woody Harrelson, Ron Livingston, Peter MacNicol, Sarah Paulson, Jamey Sheridan, Bruce Altman, Brian Howe, Ashlie Atkinson, Melissa Farman

Productora: HBO Films / Playtone

Productor: Tom Hanks

Recomendada para los amantes de las intrigas políticas y de la historia reciente de Estados Unidos o para quienes quieran comprobar cómo un argumento político puede convertirse en algo dramático e interesante gracias a un buen guión y unos actores en estado de gracia.

RESEÑA COMPLETA MUY PRONTO

"Los chicos están bien" (Lisa Colodenko, 2010)

****
Título original: The kids are all right
País: EEUU.
Duración: 109 min.
Género: Comedia costumbrista dramática
Interpretación: Julianne Moore (Jules), Annette Bening (Nic), Mark Ruffalo (Paul), Mia Wasikowska (Joni), Josh Hutcherson (Laser), Yaya DaCosta (Tanya).
Guion: Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg.
Producción: Gary Gilbert, Jeffrey Levy-Hinte, Celine Rattray, Jordan Horowitz, Daniela Taplin Lundberg y Phillipe Hellmann.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Igor Jadue-Lillo.
Montaje: Jeffrey M. Werner.
Diseño de producción: Julie Berghoff.
Vestuario: Mary Claire Hannan.
Distribuidoras: Emon y Vértigo Films.

Podríamos decir que “Los chicos están bien” es junto a “The blind side” o “Un tipo serio” del año pasado, una de las primeras películas favorecidas por el hecho de que la Academia de Hollywood decidiera aumentar a diez las nominadas a mejor película el año pasado.

Hace un par de años se hubiera hablado de ella por las actuaciones de Julianne Moore, Annete Benning y Mark Ruffalo y por su guión, pero habría quedado relegada a un segundo plano quedando con el protagonismo las “Origen”, “El discurso del rey” o “Cisne negro”, pero al ampliarse a diez las propuestas como mejor film del año y entrar en ellas se sobredimensiona de algún modo su interés e importancia (creo que en esto radica la decisión de la Academia, hay más películas que llaman nuestra atención).

La película de Lisa Cholodenko, hasta ahora una directora que ha sabido conjugar lo independiente y lo comercial, a pesar de que todavía no es muy conocida por el gran público (“High art” y “La calle de las tentaciones” pasaron algo desapercibidas por las carteleras), es ante todo y sobretodo una de esas películas que te dejan con un buen sabor de boca aunque cuando la analizas a fondo es correcta en todo pero no resulta sobresaliente en ningún aspecto. Digamos que es una buena comedia costumbrista con fondo dramático que retoma un tipo de comedia que fue muy habitual en los 80’s tras las oscarizadas “Gente corriente”, “La fuerza del cariño” o “Kramer contra Kramer”en la que los problemas cotidianos de gente normal y corriente se convierten en los “fuegos de artificio” argumentales que alimentan la sonrisa o que te encogen el ánimo.

“Los chicos están bien” nos sitúa de pronto dentro de la casa de una familia de clase media norteamericana formada por un matrimonio de dos mujeres (Nic y Jules) cada una de las cuales ha dado a luz a un hijo mediante inseminación in vitro (Laser y Joni, Mia Wasikowska, la protagonista de “Alice in wonderland”). Evidentemente el punto de partida es original, no recuerdo a bote pronto películas que lo hayan desarrollado, pero la directora escoge presentarnos la situación con un estilo clásico, con completa normalidad, asumiendo que en el siglo XXI ha de ser así y evitando en gran medida el tono reivindicativo que podría tener por lo que estamos ante una película “clásica” en cierto sentido, ante una comedia costumbrista cuyos resortes dramáticos derivan de los problemas lógicos en una familia como la presentada, en principio, una propuesta argumental bastante sencilla. El añadido que le da su condimento para que nos haga reír o pensar es la aparición de Paul (Mark Ruffalo), el padre de alquiler de Joni y Laser, un tipo que regenta un bar, que siempre se ha dado a la buena vida y que a sus cuarenta y pico años se encuentra en un momento en el que quiere sentar cabeza.

La película se ve de inicio a fin con interés y utiliza a menudo el sexo de una forma despreocupada y divertida para crear situaciones cómicas (en otros tiempos las dos escenas en las que se usa una cinta de video porno gay hubiera causado cierto sonrojo e incomodidad en las salas de cine, pero hoy nos reímos a gusto con ellas) y la sensación final que deja la película es la de haber pasado un rato entretenido, no obstante no termina de impactar, quizás porque Cholodenko se limita a mostrarnos las situaciones sin penetrar demasiado en las consecuencias de ellas en los personajes y eso que pese a la factura de comedia hay un fondo dramático muy claro: los chicos quieren conocer a su padre biológico y de alguna manera viven las consecuencias de una familia como la que tienen, el personaje de Mark Ruffalo, Paul, (brillante y enternecedor en su actuación el actor) debe afrontar las consecuencias de su pasado y un presente que no es realmente el que quiere; la novia de Paul, Tanya se ve afectada por la indecisión de éste (la verdad es que resulta difícil creer la atracción de Paul con Jules estando por en medio la sugerente y bellísima Yaya DaCosta haciendo de Tanya) y a parte está el hecho de que el matrimonio de Nic y Jules entra en crisis y que Joni está a punto de irse de casa para marchar a una Universidad.

Ni que decir tiene que los actores y actrices están a un gran nivel. No sé si Annette Benning tenía muchas opciones para quitarle votos a Natalie Portman, pienso que no pese a ser su cuarta nominación sin premio, y el caso es que al final no venció en la candidatura de mejor actriz, pero borda su personaje de “madre-padre” y como ya he dicho Mark Ruffalo consigue enternecer y llegarte como no lo hace ningún otro personaje (también tuvo nominación no premiada como secundario). Lo que no entiendo muy bien es que Julianne Moore quede en un segundo plano y no se le nominara, siendo que resulta imposible decidir si está mejor o peor que el resto.

En suma, una comedia con poso dramático y en la que se nos cuentan problemas muy de andar por casa con un estilo a medio camino entre lo clásico (esto es novedad hoy en día que se ha puesto de moda el tono “realista” y la cámara en mano para contar historias de este tipo) y lo indie (aunque de “cine independiente” quizás solo tenga esa fotografía peculiar que posee y el argumento) y que esencialmente deja un buen regusto pese a tratarse de una película aparentemente sencilla y modesta en prespuesto y aspiraciones. De algún modo una correcta seguidora de la línea de “Litte miss sunshine”.

No consiguió ningún óscar pese a sus cuatro nominaciones (película, actriz, actor secundario y guión original)

MIS ESCENAS FAVORITAS:

- El matrimonio viendo una película porno y lo que ocurre con el mando.

- El momento de la cena cuando Nic sospecha algo extraño y se marcha al baño.

- Paul explicándole a Tanya lo que representa realmente para él.

- Joni se despide abrúptamente de su familia al llevar a la universidad pero recapacita y sale a darles un abrazo.

MI FRASE FAVORITA:

"El matrimonio es la leche: dos personas atravesando juntas toda esta mierda, año tras año, envecejiendo al mismo tiempo, es como una maratón"

“Un hombre soltero” (Tom Ford, 2009)

***
Título original: A single man.
País: EEUU
Duración: 99 min.
Género: Drama.
Interpretación: Colin Firth (George), Julianne Moore (Charley), Matthew Goode (Jim), Nicholas Hoult (Kenny), Ginnifer Goodwin (Sra. Strunk), Teddy Sears (Sr. Strunk), Jon Kortajarena (Carlos), Paulette Lamori (Alva), Ryan Simpkins (Jennifer).
Guión: Tom Ford y David Scearce; basado en la novela de Christopher Isherwood. Producción: Tom Ford, Chris Weitz, Andrew Miano y Robert Salerno.
Música: Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi.
Fotografía: Eduard Grau.
Montaje: Joan Sobel.
Diseño de producción: Dan Bishop.
Vestuario: Arianne Phillips.
Distribuidora: Aurum.
Estreno en USA: 11 Diciembre 2009.
Estreno en España: 12 Febrero 2010.

Sorprendente ópera prima cuya mayor virtud es su sensibilidad y su intenso halo melancólico, obtenido a través de un suave ritmo narrativo, una envolvente banda sonora de Abel Korzeniowski (recuerda en cierto modo el estilo de Patrick Doyle) y una magnífica fotografía que juega con el color y la intensidad oscilando según el estado anímico del protagonista y, por supuesto, con un Colin Firth en auténtico estado de gracia interpretativo, capaz de transmitir a la perfección el poso de tristeza que anida en su personaje.

La película se sitúa en Los Ángeles en la época de la crisis de los misiles cubanos (1962), una ciudad en la que puede verse un gran póster de “Psicosis” ante el que el protagonista conversa con el personaje que interpreta el modelo español Jon Kortajarena y lo indico porque es una escena especialmente icónica. Colin Firth interpreta al profesor George Falconer, un profesor universitario que atraviesa una crisis personal tras la muerte de su pareja, Jim (Mathew Goode). Su apoyo tradicionalmente ha sido su amiga y confidente Charley (Julianne Moore), pero George está casi rendido porque no consigue ver con claridad su futuro.

Evidentemente estamos ante un drama personal en el que se entremezclan recuerdos con el momento presente y en el que los diálogos tienen un especial protagonismo, siempre entre dos personajes, en situaciones íntimas y en un tono en el que tienen cabida incluso las reflexiones existenciales, pero a pesar de ello la película no se hace lenta ni pesada gracias principalmente a unas interpretaciones magníficas (junto a Firth y a Moore, que están espléndidos, yo añadiría al joven Nicholas Hoult, en el papel de Kenny, que soporta excepcionalmente los primeros planos más complicados) y también a una magnífica adaptación de la novela original de Christopher Isherwood (creador tambien de “Cabaret”) que han escrito el director y David Scearce.

Al margen de la historia en sí del protagonista, que es desde luego la columna vertebral del relato hay un poso existencial en esta película que permite reflexionar sobre varios temas: por encima de todo el amor, valorado en esta ocasión desde la perspectiva de homosexualidad, tratada en esta ocasión con un profundo respeto y sensibilidad, haciéndola comprensible hasta para el más reacio; lo vacío de una vida sin amor (en el mejor diálogo de la película George asegura “Sabes, lo único que ha hecho que todo valga la pena son esas veces en las que de verdad he podido conectar con otro ser humano); el conflicto entre la rendición y la esperanza (“Unas cuantas veces en mi vida he experimentado momentos de una claridad meridiana, en los que durante unos breves segundos, el silencio ahoga el ruido y puedo sentir en lugar de pensar y todo parece muy definido y el mundo claro y fresco como si todo acabara de nacer”) o el miedo (George les explica a sus alumnos “El miedo está conquistando el mundo, el miedo se está utilizando como herramienta de manipulación en nuestra sociedad, es la forma de los políticos de vender políticas y para los publicistas de vendernos cosas innecesarias, pensad en ello, el miedo a ser atacados, el miedo a que haya comunistas acechando en cada esquina, el miedo a que un pequeño país caribeño que no cree en nuestra forma de vida represente un peligro para nosotros, el miedo a que la cultura negra se extienda por el mundo, el miedo a la caderas de Elvis Presley, tal vez ese sea un miedo real....el miedo a que el mal aliento destroce nuestra vida social, el miedo a hacerse viejo y estar solo”.

Lo más sorprendente y a la vez el mérito más evidente de Tom Ford es conseguir que un argumento como el de esta película atrape nuestro interés y además posea la sensibilidad que emana en todo momento y además lograrlo en la que es tu primera película, aunque el verdadero milagro en este caso me parece la actuación de Colin Firth y no porque sea mal actor sino por lo grandioso que está. Firth ganó el premio a mejor actor en el Festival de Venecia y fue nominado el mejor óscar, que finalmente ganó Jeff Bridges por “Corazón salvaje”.

En cualquier caso una película en la antítesis de la épica y la acción, un drama que ante todo pretende ser lírico y emotivo y con un estilo refinado, muy próximo a la estética del spot de colonias (lógico por otra parte, el director viene del mundo de la moda y trabajaba para Gucci). Cada género y cada película tiene su público, ésta ha de verse en calma, a la cálida luz de una lámpara en una atmósfera apacible y dispuesto a dejarse llevar por dramas íntimos.

"A ciegas" (Fernando Meirelles, 2008)

**
Título original: Blindness
País: Canadá, Brasil, Japón
Duración: 120 min.
Género: Thriller
Reparto: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Danny Glover, Gael García Bernal, Yusuke Iseya, Don McKellar, Joe Pingue, Sandra Oh
Guión: Don McKellar
Distribuidora: Notro Films
Productora: Téléfilm Canada, Asmik Ace Entertainment, Bee Vine Pictures, Movie Central Network, Rhombus Media, Alliance Films, O2 Filmes, Ancine, BNDES, Corus Entertainment, Fox Filmes do Brasil, GAGA Communications, IFF/CINV
Cásting: Deirdre Bowen, Susie Figgis
Dirección artística: Joshu de Cartier
Diseño de Producción: Matthew Davies, Tulé Peak
Fotografía: César Charlone
Montaje: Daniel Rezende
Música: Marco Antônio Guimarães
Productor: Andrea Barata Ribeiro, Bel Berlinck, Chris Romano, Nicolas Aznarez, Niv Fichman, Sari Friedland, Sonoko Sakai
Productor asociado: Claudia Büschel
Productor ejecutivo: Akira Ishii, Gail Egan, Simon Channing Williams, Tom Yoda, Victor Loewy
Vestuario: Renée April


Debo reconocer que a mí particularmente esta película no me ha gustado demasiado. Le encuentro sus méritos y, por su puesto el argumento, la atmósfera claustrofóbica, todo lo que surge de la propia novela de José Saramago “Ensayo sobre la ceguera”, tiene su atractivo, pero me parece una película fallida y desde luego yo la dejaría en un segundo lugar con todo lo que hay en cartelera para ver.

Es muy posible que mi decepción se deba a lo mucho que esperaba de un director como Fernando Meirelles, que nos ha regalado películas más o menos recientes como “Ciudad de Dios” o “El jardinero fiel”, ambas extraordinarias. En esta ocasión Meirelles apuesta sobretodo por la experimentación, no muy lejos realmente de sus películas anteriores, puesto que el foco de la cámara, el montaje, la fotografía, el encuadre adquieren un gran protagonismo para construir una atmósfera inquietante y malsana durante casi todo la película.

Para mi gusto la película está llena de altibajos y hay momentos en que cae en la repetición, no tanto argumental como visual. Queriendo huir seguramente de la película apocalíptica, que ya se han hecho muchas y muy buenas; queriendo huir del terror, queriendo huir del drama existencial, queriendo reunir todo ello en una película distinta de ambientación claustrofóbica y tono vanguardista este director ha desperdiciado para mi gusto la oportunidad de hacer una película excepcional. Evidentemente ha sido valiente, ha arriesgado y eso tiene su mérito, pero creo que no ha terminado de cuajar la apuesta sobretodo por dos razones: se notan mucho los altibajos al alternar momentos en que te envuelve y momentos en que caes en el tedio y no termina de zarandearte con los personajes y su sufrimiento, que en este caso me parece un problema mayúsculo siendo que el reparto es el que es con Julianne Moore a la cabeza secundada por ejemplo por Mark Ruffalo, Gael García Bernal (tan desaprovechado como el personaje al que representa) o Danny Glover.

Y todo esto por no hablar de que argumentalmente hay algunas cositas que chirrían y que seguro que están mucho mejor explicadas y contadas en la novela y me refiero concretamente a la revolución que monta el rey del pabellón 3 o a la ventaja mal aprovechada de la esposa del doctor y no digo nada más al respecto para no chafar sorpresas a quien quiera ver la película.

En definitiva, un ejemplo más de lo que podría haber sido y no fue. Es un drama claustrofóbico de tono experimental, pero prometía ser mucho más. Me remito para demostrarlo a lo que Alfonso Quarón hizo con “Hijos de los hombres” por ejemplo. Y desde luego, la carga filosófico-etica que tiene la novela está muy poquito aprovechada. La recepción ha sido realmente mala. En los pases de prueba se salió parte del auditorio y Meirelles tuvo que remontar la película, en Estados Unidos apenas recuperó una cuarta parte del presupuesto y en el cine donde yo la he visto, no todo el mundo, pero si algunas personas se removían en sus butacas.