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jueves, 24 de septiembre de 2026

"La semilla de la higuera sagrada" (Mohammad Rasoulof, 2024)

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#Cine #MohammadRasoulof #MissaghZareh #SoheilaGolestani #MahsaRostami #SetarehMaleki #NioushaAkhshi #RezaAkhlaghirad #ShivaOrdooie #AminehArani #CineDrama #CineSocial #CinePolítica #CineAlemán #CineIraní

Película de producción alemana rodada de forma clandestina en su país de origen por el iraní Mohammad Rasoulof (que acabó exiliado el mismo año que la filmó para evitar represalías). Básicamente es un drama político sobre la familia de un juez de instrucción en Teherán que se ve presionado por el régimen a dar sentencias favorables al mismo, mientras sus hijas y su mujer comprenden cada vez menos su forma de actuar así como la obediencia ciega que regala a su gobierno. Baste decir ésto para que cualquiera pueda entender que es una película de denuncia, comprometida y necesaria; pero también hay que alertar que es una película muy sobria en su estilo, de tono cotidiano y pegado a la realidad, centrada en diálogos y de casi tres horas de duración, que acaban por hacerse largas. Un realismo social que combina escenas familiares con imágenes reales de protestas en Irán y un crescendo narrativo cada vez más claustrofóbico que culmina en una métafora sobre el desmoronamiento familiar y del propio régimen. En suma, una película interesante por lo que cuenta, con "chicha", conmovedora en cierto modo, pero un hueso duro de roer para quien no disfrute con la denuncia sociopolítica.

 

lunes, 31 de agosto de 2026

"Turno de guardia" (Petra Biondina Volpe, 2025)

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#Cine #PetraVolpe #LeonieBenesch #SonjaRiesen #AlirezaBayram #LucaAprea #JasminMattei #AnnaBlomeier #RachelBraunschweig #CineDrama #hospitales #Sanidad #CineSuizo #CineAlemán

Coproducción suizo-alemana que, con un tono marcadamente verosímil a modo de "película-experiencia", persigue a una enfermera a lo largo de su turno de guardia en un centro de salud privado. Es una de esas propuestas que hay que ver por su valor pedagógico, porque consigue hacer vivir en carne propia la falta de recursos de la sanidad (algo sobre lo que da datos concretos en los créditos finales) y porque muestra las dificultades por las que han de pasar unos profesionales sanitarios sobrepasados, que soportan una carga emocional y un estrés laboral difíciles de comprender de otro modo, en un trabajo que requiere humanidad pero también eficiencia. Una precisa puesta en escena con la cámara entrando en el hospital y siguiendo a la protagonista, a menudo en plano secuencia, y la actriz Leonie Benesch (tan fantástica como ya estuvo en "Sala de profesores") son los dos grandes aciertos que consiguen ese pequeño milagro que es hacernos sentir la vulnerabilidad, el desgaste progresivo, la responsabilidad moral y a la postre el agotamiento físico y mental que se trata de mostrar. El resultado es una película magnífica que hace un análisis exhaustivo y realista de la profesión, que se ve con creciente interés, que no resulta desagradable de ver aunque el trasfondo sea siempre dramático y que finalmente te conmueve de un modo intenso.

jueves, 30 de marzo de 2023

"Sin novedad en el frente" (Edward Berger, 2022)

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#EdwardBerger #AlbrechtSchuch, #AaronHilmer, #EdwardBerger #Cinebélico #Guerramundial

Se ve con creciente interés sin apreciar su calado hasta el final, pero es un título que me parece más importante de lo que parece. Parte de la novela de Erich María Remarque y se puede considerar remake de la película de mismo título que filmó Lewis Millestone en 1930 que, por cierto, ganó el óscar a mejor película; pero logra actualizar la narración a la vez que bebe de otras fuentes. La cámara sigue al protagonista de manera parecida a como lo hacía en "1917" (Sam Mendes, 2019), se mete en las trincheras y el campo de batalla como otras muchas películas bélicas que hemos visto en los últimos años aprovechando con brillantez la técnica fílmica de hoy en día en cuestión de ambientación, sonido o efectos visuales y además se atreve a criticar todo lo que está detrás de la guerra como hacía "Senderos de gloria" (Stanley Kubrick, 1957). Lo más importante, no obstante, es que logra transmitir de manera admirable las sensaciones por las que va pasando el soldado alemán protagonista junto a su grupo de amigos: primero eufóricos por entrar en un conflicto en el que creen que sólo pueden ganar gloria, después sorprendidos ante la disciplina militar, desconcertados al toparse con una realidad mucho más cruda de la que esperaban, asustados ante el campo de batalla, superados al comprobar el peligro al que se enfrentan, angustiados con el paso de los días y el reguero de cadáveres que van cayendo en sus filas, sobrepasados por una contienda que les supera, abatidos, deprimidos, resignados, con rabia.....El proceso de deshumanización que se ve en los rostros es un trabajo extraordinario y el final es un colofón que sobredimensiona la película. Aclaro que no es fácil de ver, no elude momentos muy duros y tampoco escenas cruentas porque lo que intenta es meterte en batalla con el protagonista, pero es que se trata de eso, que entiendas qué significa la guerra, que asistas a su sinsentido sin tener que experimentarla en propias carnes. Como decía el fotógrafo Erich Hartmann "La guerra es un lugar donde jóvenes que no se conocen y no se odian se matan entre sí, por la decisión de viejos que se conocen y se odian, pero no se matan". Consiguió los óscars a mejor película de habla no inglesa, fotografía, banda sonora y diseño de producción y otras cinco nominaciones (mejor película, guión adaptado, maquillaje y peluquería, sonido y efectos visuales).




jueves, 25 de abril de 2019

"El puente" (Bernhard Wicki, 1959)


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Impactante y crudo alegato antibélico que merece muy mucho la pena recuperar por lo que impresiona y por su rotundo mensaje contra la guerra. El relato se centra en un grupo de chicos de una aldea bávara ya en los finales de la segunda guerra mundial cuando Alemania se batía en retirada y explora el contexto en el que viven, su vida cotidiana y sus preocupaciones diarias antes de verse sometidos al infierno y al sinsentido de una contienda a punto de finalizar. Resulta imposible no quedar conmovido y es especialmente adecuada para el debate  y la reflexión porque son varias las conclusiones que se pueden extraer y hacen el visionado altamente recomendable como aprendizaje. En su día tuvo un destacado reconocimiento internacional y fue nominada en los Óscars a mejor película de habla no inglesa, aunque venció la francesa "Orfeo negro".

sábado, 10 de marzo de 2018

“La bicicleta verde” (Haifaa Al-Mansour, 2012)

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Es una película con tono realista de argumento sencillo (la conmovedora historia de una niña de Arabia Saudí que quiere una bicicleta), previsible incluso, pero también resulta de visionado agradable y didáctico y late en ella la realidad de un mundo que coexiste con el nuestro pero que nos parece trasnochado y con un sentido moral que afortunadamente a nosotros nos parece ya de otra época pero que es el presente de muchos. A veces el cine sirve para viajar y conocer mundo, para concienciar y para que pisemos el suelo y relativicemos nuestros problemas y valoremos los de otros y este es un buen ejemplo de ello.

miércoles, 17 de junio de 2015

“Perdiendo el norte” (Nacho G. Velilla, 2015)

A pesar de la loable intención de hacer reír esta comedia sólo lo logra puntualmente y no logra aprovechar del todo ni el reparto, ni el punto de partida argumental, ni el choque cultural y en su deriva romántica chirría. Una pena porque son muchas cosas desaprovechadas, pero por el tirón en taquilla está claro que todos tenemos ganas de que nos alegren la existencia en estos tiempos y en gran parte lo logra.

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País: España.
Duración: 102 min.
Género: Comedia.
Reparto: Yon González (Hugo), Blanca Suárez (Carla), Julián López (Braulio), José Sacristán (Andrés), Miki Esparbé  (Rafa), Úrsula Corberó (Nadia), Malena Alterio (Marisol), Javier Cámara (Próspero), Carmen Machi (Beni), Younes Bachir (Hakan). Guión: Oriol Capel, David S. Olivas, Antonio Sánchez y Nacho G. Velilla.
Producción: Mercedes Gamero, Mikel Lejarza, Ignacio Fernández Vega y Nacho G. Velilla.
Música: Juanjo Javierre.
Fotografía: Isaac Vila.
Distribuidora: Warner Bros.
Pictures International España.
Estreno en España: 6 Marzo 2015.
No recomendada para menores de 7 años.

Recomendaría la película a todo aquel que haya disfrutado con otros trabajos del director como las series “Aida” o “Siete vidas” y las películas “Que se mueran los feos” o “Fuera de carta”. Todas ellas son producciones pensadas para que el público pase un rato agradable.

sábado, 11 de enero de 2014

“La ladrona de libros” (Brian Percival, 2013)


El argumento, ayudado por la música de John Williams y los actores protagonistas, conmueve y emociona puntualmente, pero la película aunque es correcta y se puede ver  no es redonda como muy bien sabrán los que hayan leído la novela porque es la novela la que sí hay que recomendar.

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Título original: The book thief.   
Países: EEUUy Alemania. 
Duración: 125 min.
Género: Drama, bélico. 
Reparto: Geoffrey Rush (Hans Hubermann), Emily Watson (Rosa Hubermann), Sophie Nélisse (Liesel), Ben Schnetzer (Max), Nico Liersch (Rudy). 
Guión: Michael Petroni; basado en la novela de Markus Zusak. Producción: Karen Rosenfelt y Ken Blancato. 
Música: John Williams. 
Fotografía: Florian Ballhaus. 
Montaje:  John Wilson. 
Diseño de producción: Simon Elliott. 
Vestuario: Anne B. Sheppard. 
Distribuidora: Hispano Foxfilm. 
Estreno en USA: 8 Noviembre 2013. 
Estreno en España: 10 Enero 2014. 

 
Recomendada para quienes gusten de un cine clásico, sentimental y emotivo. La historia se centra en una niña rusa  que es adoptada  por un matrimonio alemán durante la segunda guerra mundial y se encarga de recordarnos que la guerra y la muerte son el verdadero enemigo.

lunes, 25 de noviembre de 2013

“La bicicleta verde” (Haifaa Al-Mansour, 2012)

Es una película de argumento sencillo, previsible incluso, pero también resulta de visionado agradable y didáctico y late en ella la realidad de un mundo que coexiste con el nuestro pero que suena lejano, trasnochado y con un sentido moral que afortunadamente a nosotros nos parece de otra época pero que es el presente de muchos.

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Título original: Wadjda.
Guión: Haifaa Al-Mansour.
Países: Arabia Saudita y Alemania.
Duración: 98 min.
Género: Drama.
Reparto: Reem Abdullah (madre), Waad Mohammed (Wadjda), Abdullrahman Al Gohani (Addullah), Sultan Al Assaf (padre), Ahd (Hussa).
Producción: Gerhard Meixner y Roman Paul.
Música: Max Richter.
Fotografía: Lutz Reitemeier.
Montaje: Andreas Wodraschke.
Diseño de producción: Thomas Molt.
Vestuario: Peter Pohl.
Distribuidora: Wanda Visión.
Estreno en España: 28 Junio 2013.




Es difícil recomendar una película árabe sobre una niña obsesionada por una bicicleta. El caso es que a veces algo tan simple pero tan bien hecho te llega, te conmueve y te enseña, lo cual es mucho. Quizás se más contudente decir que es la primera película que hace una mujer en Arabia Saudí y que ha sido todo un desafío.

martes, 4 de junio de 2013

“Amor” (Michael Haneke, 2012)


La película europea del 2012, un drama sobre la vejez que disecciona el proceso vital por el que un matrimonio de ancianos llega al umbral de la muerte y que lo hace sin concesiones al público mostrando la situación en toda su crudeza.

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Título original: Amour.
Título internacional: Love.
Guión: Michael Haneke.
Países: Francia, Austria y Alemania.
Duración: 127 min.
Género: Drama.
Reparto: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), William Shimell (Geoff).
Producción: Margaret Menegoz, Stefan Arnd, Veit Heiduschka y Michael Katz. Fotografía: Darius Khondji.
Montaje: Nadine Muse y Monika Willi.
Diseño de producción: Jean-Vincent Puzos.
Vestuario: Catherine Leterrier.
Distribuidora: Golem.
Estreno en Francia: 24 Octubre 2012.
Estreno en España: 11 Enero 2013.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Recomendada única y exclusivamente para quienes sepan cómo filma Haneke y lo que pretende conseguir y para quienes tengan la fuerza suficiente para presenciar algo por lo que todos pasamos en cabeza ajena o pasaremos en propia pero sobre lo que no nos gusta pensar...evidentemente es una película trascendente y muy bien hecha, pero hay que tener ganas e interés en verla, si no es mejor abstenerse.

domingo, 13 de enero de 2013

“El hundimiento” (Olivier Hirschbiegel, 2004)

Una película absolutamente imprescindible que gana con el tiempo y los visionados y que es un testimonio tan terrible y necesario como "La lista de Schindler" porque es historia hecha cine.

OBRA MAESTRA
País: Alemania.
Duración: 150 min.
Género: Drama.
Interpretación: Bruno Ganz (Adolf Hitler), Alexandra Maria Lara (Traudl Junge), Corinna Harfouch (Magda Goebbels), Ulrich Matthes (Joseph Goebbels), Juliane Köhler (Eva Braun), Heino Ferch (Albert Speer), Christian Berkel (Schenck), Matthias Habich (Werner Haase), Thomas Kretschmann (Hermann Fegelein), Ulrich Noethen (Heinrich Himmler).
Guión: Bernd Eichinger; basado en el libro "El hundimiento: Hitler y el final del Tercer Reich" de Joachim Fest; y en el libro "Hasta el último momento: La secretaria de Hitler cuenta su vida" de Traudl Junge y Melissa Müller.
Producción: Bernd Eichinger.
Música: Stephan Zacharias.
Fotografía: Rainer Klausmann.
Montaje: Hans Funck.
Diseño de producción: Bernd Lepel.
Vestuario: Claudia Bobsin.
Estreno en Alemania: 16 Sept. 2004.
Estreno en España: 18 Febrero 2005.

Recomendable para....todo el mundo. Debería ser de visión obligatoria no sólo porque es un testimonio histórico relevante sino porque es una película grandiosa. Eso sí, conviene verla con una cierta edad porque es muy dura.


RESEÑA COMPLETA PRÓXIMAMENTE


viernes, 23 de marzo de 2012

"Al otro lado" (Fatih Akin, 2007)

Guión: Fatih Akin. 
Países: Alemania y Turquía. 
Duración: 122 min. 
Género: Drama. 
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter). 
Producción: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck. 
Música: Shantel. 
Fotografía: Rainer Klausman. 
Montaje: Andrew Bird. 
Dirección artística: Tamo Kunz y Sirma Bradley. 
Vestuario: Katrin Aschendof. 
Estreno en Alemania: 27 Sept. 2007. 
Estreno en España: 14 Marzo 2008.



 “Al otro lado” es una película germano-turca de Fatih Akin que tuvo notable repercusión internacional en 2007, cuando ganó varios premios por su guión (entre ellos el de Cannes) y fue considerada una de las mejores producciones europeas del año. Fatih Akin es uno de los directores más destacados del nuevo cine alemán y atesora una corta pero muy interesante filmografía no siempre estrenada en España en la que destacan la película que nos ocupa, “Soul kitchen” (2009) y sobretodo “Contra la pared” (2004) que en su día ganó el premio a mejor película del cine europeo y le dio a conocer.

La película es un drama conmovedor pero también veraz y directo que habla sobre la muerte y sobre la necesidad de superar nuestras pérdidas más queridas. Está articulado en tres episodios en los que vamos viendo como la vida de varios personajes se entrecruza dando sentido en cierto modo al dolor que de pronto les asalta. Es cine veraz, realista, centrado en personas y situaciones verosímiles.

Es curioso comprobar película a película como el cine europeo, asiático, latinoamericano e incluso africano consigue muchas veces sus mejores títulos acudiendo a la realidad, a personas normales y corrientes lejos de los héroes de la narrativa clásica que tantos títulos han proporcionado a otras cinematografías como la norteamericana.

Cuando arranca “Al otro lado” la cámara se fija en un anciano solitario de ascendencia turca que busca una prostituta por las calles de Bremen. Así es como conoce a Yeter, con la que establece una relación que su hijo Nejat no ve con buenos ojos. Yeter tiene una hija, Ayten, a la que no ve desde hace años y que ha terminado convirtiéndose en una activista en Estambul que tendrá que huir a Alemania, donde conocerá a Lotte y a su madre Susanne. Estos seis personajes se entremezclan en una historia de lazos comunicantes entre personajes que la casualidad junta o separa en un curioso juego de idas y venidas tan real como la vida misma. La muerte sobrevuela a todos ellos y es el drama que tienen que afrontar mostrándonos como lo que la vida nos quita por un lado nos lo devuelve por otro, pero siempre continúa. Es una película correcta, bien desarrollada, emotiva y conmovedora porque habla de sentimientos y también directa y veraz, una interesante propuesta para quienes gustan de un cine realista que propone un peculiar puzle dramático a caballo entre la Alemania y la Turquía actuales.













MIS MOMENTOS FAVORITOS  ¡¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La primera visita del viejo a Yeter. Nuestra primera impresión de ambos es muy diferente a la que tenemos después: ella aparece con peluca rubia y parece más frágil de lo que comprobamos después. Él parece un hombre desamparado y falto de cariño, una persona apocada y caritativa, después comprobamos que no lo es tanto, que busca una conveniencia personal y sobretodo sexo y se muestra brutal en cierto modo, aunque probablemente es más por su educación en una sociedad aún machista y patriarcal. 

- Curioso el paralelismo que se produce entre los dos ataúdes: el que viaja de Alemania a Turquía y el que viaja de Turquía a Alemania. Ambas muertes son también las consecuencias dramáticas del encuentro entre los personajes. 

- Magnífica una toma en la que se ve el coche de Nejat circulando por una carretera y la cámara se acerca a él por otra en la que terminan confluyendo. Es una muestra de virtuosismo en la filmación. 

- Hay varias escenas en las que se nos muestra a los personajes coincidiendo en un mismo lugar pero sin encontrarse: Ayten duerme en la clase donde es profesor Nejat; Lotte entra en la librería que adquiere Nejat y pone un anuncio en un tablón donde también ha puesto otro éste en su empeño por encontrar a la hija de Yeter, se les ve pasar en coche por la carretera a unos mientras los otros circulan en un autobús. 

- Los sucesos más trágicos y decisivos se producen por casualidades y actos aparentemente nimios: la redada policial en la que cae la pistola, el enfado puntual entre Yeter y el viejo, la persecución de Lotte a los niños que roban su bolso.
- Magnífica la toma cenital en el hotel en la que se ve toda la habitación en la que se hospeda en personaje de Sussanne y se nos muestra todo su abatimiento y dolor.

- Sussanne: “Cómo has sabido que era yo?” Nejat: “Eres la persona más triste que hay aquí” 

- La película acaba como comienza, cerrando de algún modo el círculo narrativo, con Nejat entrando en la gasolinera y a continuación una metáfora bella visualmente sobre el hecho de que la vida sigue con Nejat mirando sentado en la playa hacia el mar, esperando que regrese su padre con la barca. 



martes, 13 de diciembre de 2011

“Sin identidad” (Jaume Collet-Serra, 2011)

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Título original: Unknown.
Países: Reino Unido, Alemania y Francia.
Duración: 113 min.
Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson (Dr. Martin Harris), January Jones (Elizabeth Harris), Diane Kruger (Gina), Aidan Quinn (el otro Martin Harris), Frank Langella (Rodney Cole), Bruno Ganz (Ernst Jürgen), Sebastian Koch (profesor Bressler), Olivier Schneider (Smith).
Guión: Oliver Butcher y Stephen Cornwell; basado en la novela “Out of my head” de Didier Van Cauwelaert.
Producción: Leonard Goldberg, Andrew Rona y Joel Silver.
Música: John Ottman y Alexander Rudd.
Fotografía: Flavio Labiano.
Montaje: Tim Alverson.
Diseño de producción: Richard Bridgland.
Vestuario: Ruth Myers.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en Reino Unido: 4 Marzo 2011.
Estreno en España: 13 Mayo 2011.
No recomendada para menores de 12 años.


Directamente al número uno de la taquilla norteamericana en su estreno, “Sin identidad” es la cuarta película del catalán Jaume-Collet Serra tras “La casa de cera” (2005), “goal 2” (2005) y “La huérfana” (2009). Ese dato y su buena acogida del público, multiplicando su presupuesto por cinco, no debe confundirnos, es una película entretenida de acuerdo, pero su guión está repleto de casualidades sin las que no funcionaría el thriller y de sucesos inverosímiles que hay que pasar por alto. Digamos que funciona como producto de evasión y que el director demuestra tener sentido del ritmo y buen pulso fílmico, pero no deja de ser una película más por culpa de lo ya mencionado. En cuanto al número uno en USA por mucho que nos alegre por aquí al ser un director español, seguramente fue más producto del momento en que se estrenó, justo después de los óscars, con la cartelera norteamericana raquítica de buenos títulos.













La película trata sobre un tipo (Liam Neeson) que viaja a Berlín con su mujer (January Jones en trepidante escalada de popularidad tras su participación en “Mad men” y la última entrega de “X men”) para asistir a un congreso científico y que al perder su equipaje, queda sin identidad y a merced de un grupo de mercenarios cuyas intenciones desconoce.....Ahí dejo el argumento para no destripar ninguna de las sorpresas y giros de guión que se producen y que, ya digo, hay que “pasar por alto” en lo que tienen de rebuscados para que la película te mantenga atrapado de inicio a fin.

Lo mejor que puede decirse en este caso de Jaume Collet-Serra es que pese a que un repaso con lupa dejaría el guión en entredicho, si te tomas la película como un mero divertimento se te pasa en un suspiro. Se vislumbra en él pericia técnica (hay escenas bastante bien resueltas como la del accidente del taxi) y sentido del ritmo y logra que pese a los “agujeros” de la historia ésta te mantenga atento a la pantalla sin altibajos, lo cual es un buen síntoma. Me da la sensación que a la espera de un guión más brillante puede resultar un director de encargo interesante para los grandes estudios, no en vano fue reclutado desde su primera película y se mantiene a su lado hasta ahora por el mismísimo Joel Silver (productor de reputadísima fama el cine de acción gracias entre otras a la saga de “La jungla de cristal o “Matrix"). Quiero pensar que de momento su cine no depende tanto de él como de lo que le ofrecen para dirigir, así que cabe esperar buenas cosas en el futuro (a ver cómo resuelve la adaptación de “Akira” si finalmente la dirige él).













Aunque los peros del argumento son inevitables, los personajes están bastante bien llevados por un reparto cuando menos importante. Liam Neeson es siempre una buena elección cuando se trata de empatizar rápidamente con el protagonista y los secundarios son de lujo. Me gustaría hacer especial hincapié en la presencia del actor suizo Bruno Ganz al que muchos recordaréis por su papel de Hitler en “El hundimiento”, que me parece que es lo mejor de esta película.

En definitiva, una buena película para pasar el rato, una película floja si nos ponemos a verle “las costuras”, pero a veces con que sea eficaz es suficiente y en este caso lo es porque detrás de ella hay un director francamente prometedor, un reparto con gancho y un argumento vertiginoso.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!! NO VEAS NI LEAS!!!



- El accidente del taxi por inesperado y bien resuelto
- La forma en que el protagonista recupera después la consciencia usando la cámara subjetiva recordando por momentos a “La escafandra y la mariposa”.
- El personaje de Liam Neeson tratando de ir con su mujer en el hotel y descubriendo “el pastel” cuando ella no le reconoce ¿qué harías tú?.
- La escena en el hospital cuando el personaje de Liam Neeson drogado descubre lo que pretenden hacer con él al ver a la enfermera que le acaba de atender con el cuello partido.
- La escena entre Rodney Cole y Ernst Jürgen y cómo finaliza la conversación éste al darse cuenta que no tiene escapatoria.

lunes, 7 de noviembre de 2011

“El experimento” (Oliver Hirschbielgel, 2001)

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País: Alemania.
Duración: 120 min.
Reparto: Moritz Bleibtreu (Tarek Fahd. Prisionero nº.77), Maren Eggert (Dora), Christian Berkel (Steinhoff. Prisionero nº.38º), Justus von Dohnanyi (Guardián Berus), Oliver Stokowski (Schütte. Prisionero nº.82), Timo Dierkes (Guardián Eckert), Nicki von Tempelhoff (Guardián Kamps), Antoine Monot Jr. (Guardián Bosch), Wotan Wilke Möhring (Joe. Prisionero nº.69), Andrea Sawatzki (Dra. Jutta Grimm), Edgar Selge (Profesor Dr. Klaus Thon), Polat Dal (Prisionero nº.40), Stephan Szasz (Prisionero nº.53), Danny Richter (Prisionero nº.21), Ralf Müller (Prisionero nº.15), Markus Rudolf (Prisionero nº.74), Peter Fieseler (Prisionero nº.11), Thorsten Dersch (Prisionero nº.86), Sven Grefer (Prisionero nº.94), Lars Gärtner (Guardián Renzel), Markus Klauk (Guardián Stock), Ralph Püttmann (Guardián Amandy), Philipp Hochmair (Lars), André Jung (Ziegler), Uwe Rohde (Hans).
Guión: Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger; basado en la novela 'The experiment - Blac box'.
Producción: Norbert Preuss, Marc Conrad y Fritz Wildfeuer.
Música: Alexander van Bubenheim.
Fotografía: Rainer Klausnabb.
Montaje: Hans Funck.
Dirección artística: Andrea Kessler.
Vestuario: Claudia Bobsin.
Decorados: Uli Hanisch.


"El experimento" es una de esas películas "sorpresa" que gusta descubrir por aquello de que no nos la han dado mucho a conocer, quizás porque es alemana, porque la distribución se fija en otros títulos o simplemente porque es más fácil vender otro tipo de cine. Tampoco es una película que llame mucho la atención a priori (y con ese cartel menos aún), desde luego reconozco que no la hubiera visto si no me la hubieran aconsejado y esto te hace pensar en las muchas cosas interesantes que uno puede perderse si no se rastrea un poco o no se tienen en cuenta ciertas fuentes de información. Digamos que conviene tener fuentes alternativas a las de los medios o la publicidad porque no siempre lo que nos meten por los ojos es lo mejor. Podríamos hablar mucho de esto, me parece un tema fascinante ¿cómo nos venden las películas? ¿cuáles terminamos viendo y por qué? Pero dejemos esto simplemente para reflexionarlo y vayamos al grano, que esta película tiene suficiente “jugo” como para divagar con otras cosas.

Esta es la película con la que debutó Oliver Hirschbiegel en 1991 justo antes de hacer esa maravilla que es "El hundimiento", quizás os suene porque la escena de un Hitler derrotado en su búnker abroncando a sus ayudantes ha sido mil veces parodiada en youtube. En su día “El experimento” paso más o menos desapercibida salvo en el Festival de Sitges, pero seguramente algún enamorado de la calidad de "El hundimiento" se ha decidido a rastrear en la filmografía del director y ha dado con ella o bien algún estudiante de psicología ha querido saber cómo resolvieron la adaptación de un experimento que se hizo realmente y que se basaba en un proceso de despersonalización de los individuos en determinados contextos o dicho de otro modo, de la importancia de las situaciones sociales en nuestro comportamiento.

De la misma manera que han hecho conmigo me gustaría recomendar esta película. Independientemente de que guste más o menos (a mí sí lo ha hecho aunque moderadamente y con algún pero) lo que es indudable es que su propuesta argumental es fascinante, mucho más teniendo en cuenta que parte de hechos reales: En 1971 en la Universidad de Stanford, el profesor Philip Zimbardo dividió a 18 estudiantes voluntarios en carceleros y presos y los encerró en un sector de la propia Universidad, que haría las veces de cárcel para estudiar su comportamiento. Los estudiantes eran todos poco menos que pacifistas, pero los que hicieron las veces de guardianes, al disponer de control absoluto y tener que controlar a los detenidos, terminaron por comportarse como auténticos nazis en tan sólo seis días de prueba, por lo que la prueba tuvo que cancelarse.

Aquella experiencia inició un importante debate entre la comunidad científica sobre el “lado oscuro” que todos tenemos en mayor o menor grado y que puede manifestarse en condiciones concretas. Las dos preguntas básicas a plantearse es ¿bajo qué circunstancias las personas aceptamos la opresión o actuamos contra ella? y ¿Por qué los chicos “buenos” hacen cosas malas? que es también una entrevista que se hizo al profesor Zimbardo de las que os dejo el link.

La película de Hirschbiegel parte de aquella experiencia de 1971 pero la modifica ligeramente introduciéndonos en ella junto a un periodista infiltrado que trata de forzar las cosas para sacar información de los organizadores.

El comienzo es magnífico, enseguida capta tu interés y tiene una suerte de suspense que lo sobredimensiona porque aparecen varios personajes sobre los que no se nos da mucha información (los organizadores del experimento, la mujer que se lía con el protagonista, el compañero de celda que no quiere dar información de su trabajo, los carceleros...), incrementando el deseo de saber qué va a ocurrir. Poco a poco el argumento va cumpliendo nuestras expectativas pero conforme avanza la película va perdiendo fuerza como thriller psicológico y se apuesta más por la acción, por el enfrentamiento cruento entre carceleros y prisioneros que termina derivando en un final un tanto enloquecido donde todos parecen perder un poco el juicio y en el que el director parece no saber como concluir su historia al mismo nivel que el inicio (tiene una cierta lógica teniendo en cuenta que es su ópera prima y no todo está bien resuelto). Y no lo digo porque me parezca mal ese giro sino porque creo que afecta un poco a la verosimilitud con la que se arranca y no puedo evitar pensar en que podría estar mejor.

Sea como fuere y como ya he dicho es una película hipnótica en cierto modo, que se ve con gran interés de inicio a fin, gracias a un argumento apasionante y a un reparto muy eficaz formado por actores que personifican adecuadamente sus roles. Además, a parte de interesante y de entretenida es una de esas películas necesarias, que conviene ver para darle un poco al coco sobre sus cimientos argumentales: ¿cómo nos comportaríamos nosotros o nuestros conocidos en una situación similar? Como decía el Dr. Zimbardo: ¿Cómo podemos estar seguros de qué haríamos o dejaríamos de hacer en situaciones nuevas, diferentes de la que hemos encontrado hasta entonces? ¿Y cuál es nuestra capacidad de predecir lo que harían otros a los que creemos conocer bien cuando la presión de la situación les seduzca hasta el punto de violar principios morales o legales?

Sorprendente el último cine alemán repleto de títulos muy interesantes como “La vida de los otros”, “El hundimiento” (hay más) o esa otra gran desconocida y altamente recomendable película que es “La ola” y de la que algún día haré reseña también. Del remake norteamericano protagonizado por Adrian Brody en 2010 mejor olvidaros.

MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDADO, HAY SPOILERS!!!!








- Bleibtreu diciendo a Berus que “huele” mal y provocándole una crisis personal y la venganza posterior de éste humillándolo y obligándole a limpiar las letrinas con su bata.
- Los carceleros orinando sobre Bleibtreu para castigarlo por su comportamiento rebelde.
- El momento en que los responsables del experimento deciden seguir adelante pese a lo que ocurre porque no ha ocurrido nada "inesperado".
- El enfrentamiento final, en el que Bleibtreu agarra literalmente un cuchillo con el que el carcelero Berus trata de apuñalarle.
- El momento en que cortan el pelo a Bleibtreu.
- Eckert obligando a desnudarse y encarcelando a la Doctora Grimm.

lunes, 31 de mayo de 2010

“Stalingrado” (Joseph Vilsmaier, 1993)

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Año: 1993.
Título Original: Stalingrad
Nacionalidad: Alemania-Suecia.
Género: Bélico, drama
Fotografía: Joseph Vilsmaier
Música: Norbert J. Schneider
Montaje: Hannes Nikel
Guión: Johannes Heide, Jürgen Büsche y Joseph Vilsmaier.
Actores: Dominique Horwitz, Thomas Kretschmann, Jochen Nickel, Dana Vavrova y Martin Benrath.
Producción: Joseph Vilsmaier, Hanno Ruth, Günter Rohrbach
Duración: 135 minutos.

“Stalingrado” es una auténtica rareza dentro del género de cine bélico. Lo fue en el momento del estreno y lo es todavía, porque han sido muy escasas las películas sobre la segunda guerra mundial que se han filmado desde la perspectiva alemana; no todas poseen su profundo calado dramático y mucho menos se ha trabajado la idea de que en el ejército alemán también hubo soldados que padecieron con el conflicto (recientemente sí contamos con la magnífica “El hundimiento”, que explica los últimos días de Adolf Hitler y su entorno).

“Stalingrado” cuenta además un episodio muy cruento pero poco habitual en las crónicas bélicas cinematográficas (salvo en “Enemigo a las puertas”), que se centra en el cerco a la ciudad rusa que actualmente se denomina Volvogrado, un punto que los alemanes consideraban estratégico para dominar el Cáucaso y el Volga. En esta localización tuvo lugar el enfrentamiento más sanguinario quizás de la historia, con una cifra de entre uno y cuatro millones de muertos.

El director de la película es Joseph Vilsmaier (aunque no es muy conocido por España si tiene una notable fama en Alemania) que se encargó del proyecto bajo los auspicios económicos del productor Günter Rorhbach, que ya había alcanzado tiempo atrás un gran éxito con “El submarino”, una magnífica película que lanzó a la fama a Wolfgang Petersen y con la que ésta guarda gran parentesco estilístico. Director y productor dan a la película un tono dramático y realista que no elude ni momentos dolorosos, ni solapa el sufrimiento de los personajes y por su puesto tampoco edulcora una puesta en escena que muestra bien a las claras lo terrible del escenario: el frío inmisericorde del invierno ruso y lo destartalado y herrumbroso de los lugares asolados por bombas y ráfagas de ametralladora.

Por su puesto esta película es un alegato antibelicista en toda regla y refleja el sinsentido de la guerra no solo mediante las imágenes sino también a través de un guión en el que se ponen en entredicho las jerarquías militares, la coherencia misma del mando y el sentido del enfrentamiento. Evidentemente no es una película fácil de ver y tampoco es fácil de digerir, pero como contrapunto a otras con fines propagandísticos o que realzan el tono épico de toda confrontación consigue a la perfección su objetivo y deja una huella profunda en el espectador.

No fue en su día un título excesivamente apreciado, se estrenó en España en época de “vacas flacas” en pleno verano del 93 y pasó sin pena ni gloria por los cines, pero el tiempo ha ido ubicándola en un lugar más destacado dentro de nuestra memoria de películas bélicas, quizás por su magnífica labor desmitificadora y su tono dramático.

El proyecto fue uno de los más caros del cine alemán en su día, se grabó en la antigua Checoslovaquia, Finlandia e Italia y se convirtió en una de las producciones europeas más destacadas del año 1993.

La historia se centra en un grupo de soldados alemanes que, recién llegados de la batalla del Alamein, se encuentran reposando en la Riviera italiana, cuando se les envía al frente ruso bajo las órdenes de un teniente interpretado por Thomas Kretschmann (un actor alemán al que después hemos visto en infinidad de películas como “U-571”, “La reina Margot”, “Blade II”, “El pianista”, “El hundimiento”, “King Kong”, “Next”, “Wanted” o “Valkiria”).

Desde el principio la lectura de la película está clara: la guerra tiene poco de reconfortante o glorioso. Es algo que se observa en cada fotograma, en cada lugar destartalado e inhumano por el que pasan los personajes y que se refleja en cada suceso. El argumento de hecho conduce a los protagonistas a una creciente desesperación que les lleva a un final dramático. No hay héroes, sino seres humanos, personas normales y corrientes soportando estoicamente los mazazos que les va dando la guerra hasta acabar sumidos en la desesperación personal. Psicológicamente los hechos y el ambiente hostil que les rodea los van hundiendo de manera inmisericorde: sin tiempo para el descanso deben dejar la Riviera para ir a luchar en el peor escenario posible, un retraso en la formación hace que algunos de ellos pierdan una condecoración, se desplazan en trenes de ganado insalubles hasta su destino, los superiores no atienden a las injusticias cometidas por los oficiales (son incidentes a los que no hay que prestar importancia), en la locura de los enfrentamientos es habitual que se disparen y maten entre ellos, muchos avances son auténticos suicidios en masa, los altos el fuego para recoger heridos se convierten en masacres, los heridos quedan hacinados en hospitales sin condiciones y sin médicos que puedan atenderles, los fusilamientos son impuestos....

Es una película dura y sin concesiones, que explica claramente lo terrible de la guerra, muy bien dirigida y magníficamente interpretada que seguramente no ha tenido el reconocimiento que merece.

Me quedo esencialmente con dos momentos en los diálogos que explican muy bien el conjunto, aunque escenas hay muchas y muy buenos (véase el enfrentamiento en la nieve contra los tanques con las bombas lapa, que es uno de los momentos más recordados):

- ¿En qué piensas?
- En nada, porque si piensas puedes volverte loco

- ¿Cómo te llamas?
- Muller
- Hay muchos con ese nombre, al menos hasta el próximo ataque

Magnífica película a reivindicar. Eso sí, dura, intensa y descorazonadora como pocas.

RECORDATORIO DE ESCENAS ( ¡¡¡cuidado!!! No leer. contiene spoilers)

- En la Riviera italiana con amigo herido en el Alamein
- Condecoraciones en el cuartel
- En un tren de ganado hacia Stalingrado
- Llegada al frente / dantescas imágenes de soldados heridos/ Incidente con un prisionero / Los superiores evitan responsabilidades
- Primer asalto en la ciudad a un nido de ametralladoras / Disparo a un compañero
- Se refugian en un edificio destartalado tras numerosas bajas /Abandonado por su esposa.
- Se acuerda un alto el fuego para recoger a los heridos y atrapan a un chico joven.
- Persecución en las alcantarillas
- Detenidos en el hospital militar por el alto el fuego no permitido.
- Al batallón de castigo buscando minas en la nieve.
- Batalla contra los tanques con minas lapa.
- Les obligan a fusilar a un grupo de rusos entre los que está el niño que conocen.
- Deserción con salvoconductos médicos.
- Intento fallido de fuga en avión.
- Heridos y maltrechos por el frío
- Descubren un refugio de oficiales.
- Intentan el regreso campo a través.