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jueves, 1 de octubre de 2026

"Adiós pequeña adiós" (Ben Affleck, 2007)

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#Cine #BenAffleck #CaseyAffleck #MichelleMonaghan #MorganFreeman #EdHarris #AmyRyan #TitusWelliver #CineDrama #CineSocial #CinePoliciaco

Ben Affleck arrancó muy fuerte su carrera como director con esta adaptación de la novela homónima de Dennis Lehane, también autor de "Mystic river", con cuyo argumento tiene algunos aspectos en común. La película, rodada casi íntegramente en los barrios obreros de Boston, rezuma realismo y atmósfera urbana, aunque Affleck no lleva ese tono realista a las últimas consecuencias y apuesta por un estilo clásico de filmación. Más que el tono lo importante es un guión (del propio Affleck con Aaaron Stockard) que arranca como policiaco sobre la búsqueda de una niña desaparecida, juega con un cierto suspense y el dramatismo social propio de la situación y plantea finalmente un dilema moral de calado que no puede dejar indiferente a nadie e invita a reflexionar sobre la justicia y el bienestar infantil. Como no podía ser de otra manera en un drama de este estilo, los actores tienen una vital importancia y Affleck logra un reparto magnífico que se luce y mantiene la tensión de inicio a fin. Eso sí, el tramo final pierde un poco de la fuerza inicial y hay que advertir al espectador que ha de fijarse en los nombres de los personajes porque la trama llega a ser algo enrevesada en algún momento. Amy Ryan fue nominada como mejor actriz secundaria en los Óscars.

miércoles, 15 de octubre de 2025

"Piratas del Caribe 3: en el fin del mundo" (Gore Verbinski, 2007)

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#JohnnyDepp #KeiraKnightley #GeoffreyRush #OrlandoBloom #GoreVerbinski #Cine #CineAcción #CineAventuras #CineComedia #CineFantástic #Piratas del Caribe

La segunda parte dejaba abierta la posibilidad de una tercera no solo desde un punto de vista narrativo sino también empresarial porque no se podía desaprovechar el tirón comercial de los piratas más rentables de la historia del cine. Gore Verbisnki dejaba cerrada así una trilogía de aventuras marinas bastante digna, pero claro, Disney no pudo contener las ansias de amasar más dinero e iría a por nuevas entregas en años siguientes a pesar de que la fórmula ya da muestras de falta de frescura. El guión riza nuevos rizos utilizando sobretodo fantasía y comedia y el tirón popular del amanerado Jack Sparrow y aunque ya el cocktail no cuaja tan bien es de nuevo una película entretenida y repleta de acción que continúa argumentalmente los flecos que quedaron sueltos en la anterior. Como espectador te tienes que tragar varios "sapos", pero das todo por bueno a cambio de dos horas de cine de aventuras al que acompañas con palomitas. La aventura debería haber finalizado aquí.

martes, 30 de septiembre de 2025

"The man from earth" (Richard Schenkman, 2007)

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#DavidLeeSmith #JohnBillingsley #EllenCrawford #WilliamKatt #RichardSchenkman #Cine #CineDrama #CineFantástico #CineExistencial

Película independiente, de bajo presupuesto, con recursos que bien podrían haber sido los de un telefilm de medio pelo que se convirtió gracias a la magia del cine en un título de culto al saber aprovechar a la perfección sus propias limitaciones y una idea genial. Básicamente la hora y media se centra en una tarde y reproduce el momento en que un grupo de profesores acude a casa del profesor de historia, que se marcha a vivir a otro lugar y hasta aquí se puede "leer". La gracia de la película radica en descubrir poco a poco qué te propone, para lo cual es importante atender a las conversaciones y no perder ripio porque se va dando información poco a poco. El trasfondo, del que sí se  puede comentar algo, es una disquisición sobre la historia, la ciencia, lo que sabemos y lo que ignoramos y para ello el argumento torpedea literalmente nuestro sistema de creencias con la finalidad de que nos hagamos preguntas sobre cosas que damos por sentadas y sabidas. Una delicia para todo aquel al que interesen los temas existenciales y un título de referencia para cualquier profesor de filosofía.

jueves, 1 de agosto de 2024

"Harry Potter 5 y la orden del Fénix" (David Yates, 2007)

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#DanielRadcliffe #EmmaWatson #RupertGrint #ImeldaStaunton #GaryOldman #MichaelGambon #HarryPotter

Nuevo cambio en la dirección y David Yates se hace ya con la saga hasta su final logrando un cuarteto de películas más que aceptables aunque con algún pero. Particularmente ésta, en la que Steve Kloves desaparece del guión, me parece la más desaprovechada en relación a la novela. Hay un tono de suspense e intriga que la película por momentos no logra transmitir, quizás por la necesidad de embutir en dos horas y media tantas cosas. Para el espectador que no ha leído el original la narración es imparable y muy entretenida, pero para quien sí lo ha hecho quedan cosas de los personajes y situaciones que sólo se esbozan o dan por supuestos y se pierde cierta carga dramática, lo cual le quita algún punto a la película. En cualquier caso el argumento sigue avanzando, la amenaza es mayor y la narración más oscura, con lo que el fan queda aún más "pegado" a sus personajes favoritos y a otros nuevos que aparecen. La producción como siempre imponente y los efectos más que dignos, aunque temo que no resistirán bien el paso del tiempo en algún caso, lo que sí me parece magnífico y eso es mérito de J. K. Rowling es lo bien que prepara el contexto para el enfrentamiento venidero: la lucha entre el bien y el mal, el héroe al que nadie cree, una educación demolida para que no pueda hacer frente a lo que llega, la mentira imponiéndose a la verdad desde los medios de comunicación, la amistad y el amor como solución contra el miedo y el mal. Me quedo en esta película con dos frases de Sirius Black que es aplicable también a la vida: “Todos tenemos luz y oscuridad en nuestro interior. Lo que importa es qué parte elegimos potenciar” y otra "Nosotros tenemos algo que Voldemort no tiene, amigos".

jueves, 14 de diciembre de 2017

"Soy leyenda" (Francis Lawrence, 2007)


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Dicen que la novela de Richard Matheson en que se basa es espectacular. La película no tanto, pero es un muy digno producto de entretenimiento a medio camino entre la aventura postapocalípitca y el terror, perfecta para el lucimiento de un Will Smith que siempre sabe conectar con el espectador. En mi caso, quizás porque este tipo de películas de supervivencia me encantan, me enganchó rotundamente al principio y aunque al final va un poquito a menos, me mantuvo en tensión y con gran interés hasta el último segundo. Yo la recomendaría.

viernes, 23 de marzo de 2012

"Al otro lado" (Fatih Akin, 2007)

Guión: Fatih Akin. 
Países: Alemania y Turquía. 
Duración: 122 min. 
Género: Drama. 
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter). 
Producción: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck. 
Música: Shantel. 
Fotografía: Rainer Klausman. 
Montaje: Andrew Bird. 
Dirección artística: Tamo Kunz y Sirma Bradley. 
Vestuario: Katrin Aschendof. 
Estreno en Alemania: 27 Sept. 2007. 
Estreno en España: 14 Marzo 2008.



 “Al otro lado” es una película germano-turca de Fatih Akin que tuvo notable repercusión internacional en 2007, cuando ganó varios premios por su guión (entre ellos el de Cannes) y fue considerada una de las mejores producciones europeas del año. Fatih Akin es uno de los directores más destacados del nuevo cine alemán y atesora una corta pero muy interesante filmografía no siempre estrenada en España en la que destacan la película que nos ocupa, “Soul kitchen” (2009) y sobretodo “Contra la pared” (2004) que en su día ganó el premio a mejor película del cine europeo y le dio a conocer.

La película es un drama conmovedor pero también veraz y directo que habla sobre la muerte y sobre la necesidad de superar nuestras pérdidas más queridas. Está articulado en tres episodios en los que vamos viendo como la vida de varios personajes se entrecruza dando sentido en cierto modo al dolor que de pronto les asalta. Es cine veraz, realista, centrado en personas y situaciones verosímiles.

Es curioso comprobar película a película como el cine europeo, asiático, latinoamericano e incluso africano consigue muchas veces sus mejores títulos acudiendo a la realidad, a personas normales y corrientes lejos de los héroes de la narrativa clásica que tantos títulos han proporcionado a otras cinematografías como la norteamericana.

Cuando arranca “Al otro lado” la cámara se fija en un anciano solitario de ascendencia turca que busca una prostituta por las calles de Bremen. Así es como conoce a Yeter, con la que establece una relación que su hijo Nejat no ve con buenos ojos. Yeter tiene una hija, Ayten, a la que no ve desde hace años y que ha terminado convirtiéndose en una activista en Estambul que tendrá que huir a Alemania, donde conocerá a Lotte y a su madre Susanne. Estos seis personajes se entremezclan en una historia de lazos comunicantes entre personajes que la casualidad junta o separa en un curioso juego de idas y venidas tan real como la vida misma. La muerte sobrevuela a todos ellos y es el drama que tienen que afrontar mostrándonos como lo que la vida nos quita por un lado nos lo devuelve por otro, pero siempre continúa. Es una película correcta, bien desarrollada, emotiva y conmovedora porque habla de sentimientos y también directa y veraz, una interesante propuesta para quienes gustan de un cine realista que propone un peculiar puzle dramático a caballo entre la Alemania y la Turquía actuales.













MIS MOMENTOS FAVORITOS  ¡¡¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!!

- La primera visita del viejo a Yeter. Nuestra primera impresión de ambos es muy diferente a la que tenemos después: ella aparece con peluca rubia y parece más frágil de lo que comprobamos después. Él parece un hombre desamparado y falto de cariño, una persona apocada y caritativa, después comprobamos que no lo es tanto, que busca una conveniencia personal y sobretodo sexo y se muestra brutal en cierto modo, aunque probablemente es más por su educación en una sociedad aún machista y patriarcal. 

- Curioso el paralelismo que se produce entre los dos ataúdes: el que viaja de Alemania a Turquía y el que viaja de Turquía a Alemania. Ambas muertes son también las consecuencias dramáticas del encuentro entre los personajes. 

- Magnífica una toma en la que se ve el coche de Nejat circulando por una carretera y la cámara se acerca a él por otra en la que terminan confluyendo. Es una muestra de virtuosismo en la filmación. 

- Hay varias escenas en las que se nos muestra a los personajes coincidiendo en un mismo lugar pero sin encontrarse: Ayten duerme en la clase donde es profesor Nejat; Lotte entra en la librería que adquiere Nejat y pone un anuncio en un tablón donde también ha puesto otro éste en su empeño por encontrar a la hija de Yeter, se les ve pasar en coche por la carretera a unos mientras los otros circulan en un autobús. 

- Los sucesos más trágicos y decisivos se producen por casualidades y actos aparentemente nimios: la redada policial en la que cae la pistola, el enfado puntual entre Yeter y el viejo, la persecución de Lotte a los niños que roban su bolso.
- Magnífica la toma cenital en el hotel en la que se ve toda la habitación en la que se hospeda en personaje de Sussanne y se nos muestra todo su abatimiento y dolor.

- Sussanne: “Cómo has sabido que era yo?” Nejat: “Eres la persona más triste que hay aquí” 

- La película acaba como comienza, cerrando de algún modo el círculo narrativo, con Nejat entrando en la gasolinera y a continuación una metáfora bella visualmente sobre el hecho de que la vida sigue con Nejat mirando sentado en la playa hacia el mar, esperando que regrese su padre con la barca. 



miércoles, 14 de septiembre de 2011

“Lars y una chica de verdad” (Craig Gillespie, 2007)

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País: EEUU.
Duración: 106 min.
Género: Comedia dramática.
Reparto: Ryan Gosling (Lars Lindstrom), Emily Mortimer (Karin), Paul Schneider (Gus), Patricia Clarkson (doctora Dagmar), R.D. Reid (reverendo Bock), Kelli Garner (Margo), Nancy Beatty (Sra. Gruner), Doug Lennox (Sr. Hofstedtler), Joe Bostick (Sr. Shaw), Liz Gordon (Sra. Schindler), Nicky Guadagni (Sra. Petersen).
Guión: Nancy Oliver.
Producción: Sidney Kimmel, John Cameron y Sarah Aubrey.
Música: David Torn.
Fotografía: Adam Kimmel.
Montaje: Tatiana S. Riegel.
Diseño de producción: Arv Grewal.
Vestuario: Kirston Mann.
Estreno en USA: 12 Octubre 2007.
Estreno en España: 25 Abril 2008.


Hay que ser casi tan “frikie” como el protagonista de esta película para enterarse de su existencia, para decidir verla sabiendo su argumento e incluso para disfrutarla; pero eso sólo demuestra que nos enteramos únicamente de las películas que publicitan bien y no de todas las que merecen la pena.

Tampoco me voy a hacer el listo, yo me enteré única y exclusivamente por mi fascinación por los óscars y porque repasando películas nominadas que no había visto me topé con ésta, que en 2007 fue nominada a mejor guión original y además se había hablado bastante bien de la actuación de Ryan Gosling (actor semidesconocido que el año inmediatamente anterior casi le quita el óscar a mejor actor a Forest Whitaker.



















No es que esa información garantice que la película va a estar bien, pero si te dicen que trata de un tipo que convierte en su novia a una muñeca hinchable (Bianca), como poco uno siente curiosidad ¿o no?

Pues bien, resulta que “Lars y una chica de verdad”, que podría ser una película prescindible o una película morbosa o una película extraña y atípica o una película porno incluso, termina siendo una comedia entrañable y altamente recomendable, sin el menor atisbo de morbo insano y dotada de una especial sensibilidad. Si con esto no os convenzo de verla, ya no lo conseguiré, podéis dejar de leer.

La base argumental y temática de la película os la puedo destripar porque se sabe desde el mismo comienzo: el protagonista es un tímido patológico (ya descubriréis la razón si la veis) y vive ajeno a todos, ensimismado, metido en su cabaña, sin contacto siquiera con sus vecinos, que son su hermano y su cuñada. Lo cierto es que tiene un problema tremendo aunque no lo sabe, problema que no se nos muestra como un drama aunque lo sea, sino que sirve para construir una de las comedias más atípicas que se hayan hecho en los últimos años.














A todo espectador que se haya sumergido en el cine español le vendrá a la cabeza la berlanguiana “Tamaño natural” (1973) con guión de Rafael Azcona pero toda la mala baba, el humor negro y la burla del fetichismo que tenía aquella película, ésta lo transforma en una comedia desarrollada con una fina sensibilidad con la que en realidad se explora un problema psicológico.

No nos engañemos, detrás de esta comedia hay un drama y un drama duro de roer, pero gracias al guión, a los personajes y a la forma en que el director filma la película no percibimos tanto lo trágico, sino más bien lo jocoso y peculiar del problema, que es también una forma de relativizarlo, amortiguarlo y hacer pensar sobre él sin caer en lagrimeos ni tragedias que muchas veces no tenemos ganas de ver.

Recomendaría esta película porque se ve con facilidad y porque ya no es muy habitual este tipo de cine sentimental y de confección clásica. Podríamos decir que es una comedia amable, muy llevadera y que dejará un buen regusto, positivo y agradable. Además un@ siempre tiene sus propios fantasmas, sus propias vergüenzas, así que quizás sirva también de terapia porque a veces lo que nos vuelve tímidos quizás sólo sea fruto de inseguridades que no tienen mucho sentido, sobretodo si nos rodea gente que nos quiere (es muy curioso todo lo que están dispuestos a hacer por Lars en su pueblo y eso es porque aunque es raro y “frikie” es un buen tipo y la gente le aprecia). Al hilo de esto y a pesar de caer en algo que no viene al caso muy de “abuelo cebolleta” yo siempre he sido muy tímido y a menudo he dejado de saludar a gente conocida... eso podía malinterpretarse como mala educación o pasotismo, cuando sólo era timidez. Pienso que en el fondo todos somos un poco Lars en mayor o menor medida, pero que si te aceptas a ti mismo y te quieren da un poco igual qué traumas o inseguridades tengas aunque sí es cierto que tiene bastante de utopía de arcadia y de cuento lo bien que aceptan toda la comunidad tanto a Lars como a Bianca.


SI NO HABÉIS VISTO LA PELÍCULA, UN CONSEJO, NO VEÁIS EL TRAILER



MIS ESCENAS FAVORITAS ¡¡¡CUIDADO, CONTIENE SPOILERS!!!


- Después de decirles a su hermano Gus y a su cuñada Karin que tiene una visita en casa y que se la va a presentar el momento de la presentación y la reacción en la cocina: Gus: ¿Cómo conociste a esa persona? / Lars: “la conocí por internet” / Karin: “sí, eso ahora es muy frecuente” jaja
- Todas las escenas en la consulta con la doctora Dagmar son de una sensibilidad y ternura infinitas ¡¡¡ojalá fueran así todos los médicos!!!!
- Lars y Bianca en la fiesta del compañero de trabajo de Lars (uno piensa que va a ser la burla de todos pero es al revés).
- Las escenas de la compañera de trabajo de Lars tratando de ganárselo poco a poco.
- La partida de bolos, en la que las cosas comienzan a cambiar.
- La bronca de Karin mientras Lars corta leña y se autocompadece es genial y encierra un poco la moraleja de la película.

sábado, 21 de mayo de 2011

“Piratas del Caribe 3, en el fin del mundo” (Gore Verbinski, 2007)

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País: EEUU.
Duración: 168 min.
Género: Acción, aventuras, fantasía.
Reparto: Johnny Depp (capitán Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner), Keira Knightley (Elizabeth Swann), Geoffrey Rush (capitán Barbossa), Bill Nighy (Davy Jones), Chow Yun Fat (capitán Sao Feng), Stellan Skarsgård (Bill Turner), Jack Davenport (James Norrington), Naomie Harris (Tia Dalma), Tom Hollander (lord Cutler Beckett), Jonathan Pryce (gobernador Weatherby Swann).
Guión: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert.
Producción: Jerry Bruckheimer.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Dariusz Wolski.
Montaje: Stephen E. Rivkin y Craig Wood.
Diseño de producción: Rick Heinrichs.
Vestuario: Penny Rose.
Estreno en USA: 24 Mayo 2007.
Estreno en España: 24 Mayo 2007.

Me ha pasado algo muy curioso con la serie de “Piratas del Caribe”. La primera la esperaba como una película de aventuras en el mar muy al estilo clásico y a rebufo de la magnífica y no siempre valorada “Master and commander” y me llevé un chasco inicialmente quizás porque Gore Verbinski y Jerry Bruckheimer habían preparado algo distinto, de corte más fantástico que realista, con cierto toque humorístico y dando destacada importancia a la espectacularidad y la épica visual y sonora (siempre he pensado que la banda sonora y el sonido en esta saga son muy importantes y elevan tu apreciación al salir del cine incluso por encima de lo que son realmente las películas). Superado el chasco inicial y “metido en canción” lo cierto es que la película era muy entretenida y, aceptando ya las reglas del juego, la segunda lo fue aún más y me lo pasé pipa sin que me importara demasiado si el guión tenía flecos sueltos o si la acción que se veía en pantalla se atropellaba a sí misma. En la última entrega sí que creo que la fórmula no ha cuajado del todo.

Creo que muchas películas tenemos que ir a verlas conscientes de lo que son y creo que nadie puede salir engañado de “Piratas del Caribe 3” (PDC3 a partir de ahora) una vez vista la primera película si lo que se busca es un espectáculo de acción y efectos especiales, pero aún siendo un buen espectador potencial para este tipo de cine, que hay que serlo para que te guste, la verdad es que no creo que valga todo y en cierto modo, aún pasándomelo bien, esta tercera parte en cierto modo me ha defraudado. Pienso que siempre ha de haber un equilibrio interno, una columna vertebral argumental o artística que sustente el conjunto aún en el caso de que éste delire de la manera más absoluta. Por así decirlo, un autor, un creador, un director puede crear un universo propio, pero tiene que ser consistente y tener su propia coherencia interna y si no sentimos que algo no marcha.

Aunque las dos primeras partes de PDC también se dejaban llevar por ciertos excesos casi siempre visuales y argumentalmente se apostaba por el fantástico (en el que casi todo vale), lo cierto es que había una cierta mesura o quizás equilibrio, al menos eso me pareció. Sin embargo esta tercera parte si se caracteriza por algo es por la total desmesura con la que se pretende rizar el rizo, un defecto demasiado habitual en continuaciones que obligan a los productores a ir siempre un poquito más allá. Para empezar el querer llevar a los personajes más allá de la muerte es un exceso argumental difícil de asumir, pero después de haber visto lo que ya habíamos visto no parecía una pega excesivamente grave y no esta mal resuelta del todo, incluso resulta simpática; pero lo malo es que es el menor de los excesos que se cometen en la película y uno la termina “empachado” tanto rizo rizado. Creo que el problema es que te piden demasiadas veces que aceptes vueltas del tuerca.

El viaje al otro lado de la muerte, las múltiples casualidades en las escenas de acción, los imposibles que conseguimos ver en pantalla sólo demuestran que todo es posible en una pantalla de cine y que los efectos especiales mejoran a una velocidad impresionante, pero tuve viéndola la sensación de que éstos no estaban tanto al servicio de la historia como la historia al servicio de los efecto, lo cual llega un momento en que se pierde la intensidad que se pretendía.

La culpa de todo esto creo que la tiene el productor Jerry Buckheimer, un tipo empeñado en ofrecer siempre el no va más, incluso a veces a costa de la coherencia interna de sus películas (aún siento escalofríos cuando recuerdo el armadillo volador de “Armageddon”). Lo malo de PDC3 es que ha regresado el peor Bruckheimer. Gracias a Dios dejándose el montaje mareante de otras ocasiones, pero apostando una vez más por el más difícil todavía en detrimento del equilibrio de la historia.

La historia que nos propone esta tercera entrega completaba la saga en principio aunque ya hemos visto que no pretendía cerrarla y lo hace mostrando lo que es más espectacular y no lo que tiene más sentido (por poneros un ejemplo para que me entendáis creo que la primera parte en Asia con Sao Peng sobra bastante, aunque claro, permite montar una bonita batalla campal que queda vistosa en pantalla y la montaña rusa final con el remolino de agua peca de lo mismo). Seguramente estamos ante el peor guión de los tres primeros títulos y si somos un puntín exigentes es un trabajo bastante flojo.

Como en las películas anteriores lo mejor vuelven a ser la pirotecnica visual y acústica y los personajes y entre ellos Jack Sparrow (incluso con Johnny Deep dejándose llevar y sobreactuando al máximo, como espectadores nuestros momentos favoritos de PDC3 son cuando él está en pantalla). Visualmente la saga al completo es el mayor espectáculo que nos puede deparar una sala de cine con imágenes asombrosas, efectos visuales nunca vistos y un sonido envolvente que nos mete en escena literalmente. El director, Gore Verbinski, tiene mucha culpa de ello pues ha demostrado sobradamente saber encontrar la mejor solución para cada escena de acción...en ese sentido tiene un carrerón por delante y toma el relevo de los grandes de siempre en el cine de aventuras.

En suma nos encontramos ante uno de los grandes acontecimientos de taquilla del año. Una de esas películas que los estudios (en este caso la Disney) preparan cada año coincidiendo con los meses de verano y destinadas a llenar los cines y dentro de lo que cabe cumple con su misión y es de lo más entretenido que podemos ver en cartelera. Si nos ponemos “exquisitos” sólo es una película fantástica de aventuras de segunda fila, lo cual en el fondo no deja de ser un calificativo positivo puesto que no es muy habitual que un trabajo de este tipo se presente con este despliegue de medios.

Para disfrutarla sólo hay que saber qué es lo que uno se va a encontrar (y a estas alturas todo el mundo lo sabe) y no tomarla tan en serio como para sacarle punta al argumento. En realidad los propios creadores de la saga se la toman un poco a chunga....o de otro modo no se puede entender la presencia de Keith Richards (guitarrista de Rolling Stones en el que Deep se basó para el personaje del capitán) haciendo de padre de Jack Sparrow y soltando un par de chistes malos.

miércoles, 28 de julio de 2010

“Tropa de élite” (José Padilha, 2007)


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País: Brasil.
Año: 2007.
Duración: 115 min.
Género: Drama, thriller, policía.
Elenco: Wagner Moura (capitán Nascimento), André Ramiro (André Matias), Caio Junqueira (Neto), Milhem Cortaz (capitán Fábio), Fernanda Machado (Maria), Maria Ribeiro (Rosane), Paulo Vilela (Edu), Fernanda de Freitas (Roberta), André Mauro (Rodrigues), Fábio Lago (Baiano).
Guión: José Padilha, Rodrigo Pimentel y Bráulio Mantovani.
Producción: Marcos Prado y José Padilha.
Música: Pedro Bromfman.
Fotografía: Lula Carvalho.
Montaje: Daniel Rezende.
Diseño de producción: Tulé Peake.
Vestuario: Cláudia Kopke.
Estreno en Brasil: 12 Octubre 2007.

Seguro que os ha pasado alguna vez que os recomiendan una película u oís que se habla bien de ella o que ha ganado algún premio y la vais dejando pasar porque no termina de engancharos para verla. A menudo sucede cuando no aparecen en ella actores famosos o cuando intuyes que el galardón alcanzado no asegura realmente que vayas a ver la película que quieres y el momento va pasando hasta que un día, quién sabe por qué razón, te decides y te das de cabezazos por no haberla visto antes. Esto mismo me ha pasado durante dos años con "Tropa de élite", película del brasileño José Padilha que ganó en 2007 el oso de oro en el Festival de Berlín.

Lo que pretendo escribiendo sobre ella es que aquel que me lea tenga ganas de verla, pero soy consciente que pertenece a un tipo de cine que es minoritario o, al menos, que no es comercializado, que no es fácilmente accesible y gustará más o menos en función de muchas cosas que nada tienen que ver con que sea buena o mala.....Lo sé, acabo de desgranar unos cuantos suspenses y algunas dudas. Vayamos al grano.

“Tropa de élite” cuenta la historia del Capitán del BOPE, Nascimento, que se enfrenta a su última misión (la protección del Papa Juan Pablo II en su visita a Río de Janeiro) con el objetivo de buscarse un sustituto realmente a la altura. El BOPE son las siglas del Batallón de Operaciones Especiales de la Policía Militar de Río de Janeiro y es un grupo de élite que actúa sin miramientos en uno de los lugares más peligrosos del planeta: las favelas. La película recorre sus últimos días en el cuerpo y el proceso por el que elige a su sucesor entre dos aspirantes: Neto y Matías.

Se trata de una película dura, sin concesiones, de tono realista (ya sabéis, en estos días eso significa cámara “nerviosa”, muchas veces con una ambientación pseudodocumental), semi-ficción en la que no se eluden las escenas intensas, muchas veces violentas y dramáticas, que a menudo te dejan sin aliento. El cine de los 2000’s está plagado de este tipo de películas en las que el impacto de las imágenes y de lo que vemos en ellas asegura un visionado convulso y que deja huella. El ejemplo más claro y reciente es el óscar a mejor película “En tierra hostil”, pero en concreto esta película es, por temática y planteamiento prima hermana de la excelente “Ciudad de Dios” aunque enfocada desde el punto de vista opuesto, la policía.

Uno de los aspectos que más me han gustado es la magnífica forma en que desgrana una realidad compleja, la de una policía corrupta y una sociedad en la que hacer lo correcto es lo más complicado. En ese sentido me parece que el guión es modélico y el comportamiento de cada personaje y sus consecuencias están perfectamente descritos en la trama. La identificación que logras con los tres protagonistas, Nascimento, Neto y Matías es completo y por ello la película se sobredimensiona desde un punto de vista emotivo y sufres con ellos su situación al máximo, el callejón sin salida en el que se encuentran atrapados ya no sólo ellos sino todo el resto de tipos que van apareciendo en pantalla (magníficos todos los actores y la descripción de todos y cada uno de los personajes, Fabio, María, Baiano, etc).

La película provocó en su día importante polémica lo cual me parece precisamente algo muy positivo. Es el mismo efecto que también produjo otra película magnífica que era “Gomorra” que le valió a su novelista una persecución por parte de los grupos camorristas retratados. Cuando una película produce ese tipo de “picores” es que ha dado en el clavo y uno intuye viendo “Tropa de élite” que lo consigue, más si se leen los foros que circulan por internet hablando sobre ella y asegurando que Río de Janeiro y el submundo de las favelas provocan la inquietud, desasosiego y estrés que se palpa en la película.

Por supuesto estamos ante una película que en absoluto deja indiferente porque te convulsiona literalmente. Hay un tema de fondo para el debate y es si éticamente el comportamiento del BOPE es aceptable ¿Debe combatirse a los asesinos y traficantes al mismo nivel que ellos se manejan o cabe la posibilidad de actuar de otro modo? La película te susurra la respuesta, aunque no es ni agradable ni esperanzadora y levanta una polvareda de puntos de vista enfrentados. Hay quienes han tildado a esta película de neo-fascista, radical y una apología de la tortura. No quiero entrar en ello, es algo que emana de la película pero no me parece lo más importante, lo realmente significativo pienso que es el hecho de que lo mostrado exista y que haya personas que afirmen que responde a una realidad concreta. Es escalofriante que la realidad supere de esta manera a la ficción y que nuestras pesadillas tomen forma en ciertos lugares. Ni aún en el siglo XXI el ser humano está civilizado aún y existen muchísimas problemáticas latentes por solucionar. Eso es lo que me parece más importante porque a través de un relato tenso y adrenalítico nos explican a la perfección una realidad compleja de la que debemos ser conscientes.

Lo que uno se pregunta estos días es ¿Va a celebrarse en Río de Janeiro unos Juegos Olímpicos? Por nada del mundo me gustaría estar en el pellejo de los cuerpos de seguridad brasileiros.




sábado, 1 de mayo de 2010

"The man from earth" (Richard Schenkman, 2007)


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"The man from earth" (Richard Schenkman, 2007)

Título original: Jerome Bixby's The Man from Earth.
Duración: 87 min.
País: Estados Unidos.
Guión: Jerome Bixby.
Música: Mark Hinton Stewart.
Fotografía: Afshin Shahidi.
Reparto: John Billingsley, Ellen Crawford, William Katt, Annika Peterson, Richard Riehle, David Lee Smith, Alexis Thorpe, Tony Todd, Steven Littles, Robbie Bryan, Chase Sprague.
Productora: Falling Sky Entertainment.
Género: Drama, ciencia-ficción, cine independiente, película de culto


Acabo de ver una película fascinante, hipnótica, incluso mágica diría. Y se me ocurren muchas cosas que comentar que es lo mejor que pienso que se puede decir de una película como ésta.

He tardado un poco en conseguirla y algo más en verla. Se rodó en 2007 y fue estrenada a finales de ese año, pero nunca ha llegado a España en los circuitos comerciales, nunca ha sido estrenada en un cine, ni emitida en televisión (creo), así que sumando dos más dos todos podemos deducir cuan difícil es conseguirla o, mejor dicho, cuando difícil es llegar hasta ella. En el título de agradecimientos figura Mañik (rastreador incansable y a menudo descubridor de obras tan fascinantes como ésta), que fue quien me la recomendó, aunque ha pasado demasiado tiempo desde que lo hizo hasta que la he visto como puede que ocurra también con esta recomendación que ahora os hago.

Aquí viene la primera reflexión: en el cine todo gira en torno a los circuitos comerciales y de distribución. Si lo pensamos detenidamente incluso las películas independientes han necesitado siempre el sello como tales para distribuirse. No sé si me explico, películas como “Los hermanos McMullen”, “Clerks”, “Donnie Darko”, “Reservoir dogs”, “Sexo, mentiras y cintas de video”, “Malas calles”, “Lone star”, “Easy rider”, “Happiness”, “Drugstore cowboy”, “The Blair witch project” y tantas otras mucho menos conocidas que éstas se estrenaron en los cines y se vieron con su marca de cine de autor o de cine independiente a sabiendas de que eso las convertía en potencialmente interesantes para un sector del público que pagaría su entrada por verlas; pero ¿qué ocurre con esas películas que por su temática, planteamiento o concepción no se distribuyen? ¿Nos hemos perdido muchos “The man from earth” por el hecho de que ningún distribuidor se ha querido arriesgar con ellas?

A estas alturas de reseña cualquier habrá comprendido que la película me ha encantado, pero debo puntualizar algo más. Quizás esto sea algo inexacto porque lo que realmente consigue esta película es hipnotizarte, noquearte literalmente si el asunto del que trata te interesa (por su puesto, a quien no le interese no soportará más de media hora y ahora explico por qué). Me he dado cuenta viéndola porque, cerca de su final, hay un giro de guión. No quiero contar nada, porque lo que se cuenta y sucede forma parte de la magia de esta película, pero sí puedo adelantar que cuando la situación se torna más tensa ocurre algo que de pronto hace que todo cambie y de nuevo todo se relaje y alivie, pero en ese momento como espectador deseas con todas tus fuerzas que el giro no se produzca, deseas seguir inmerso en la ensoñación, en la hipnosis que se ha obrado con un simple relato.

Para los que no tenéis ni idea de qué va esta película sólo decir que trata sobre John Oldman, un profesor de historia que decide mudarse y mientras carga sus pertenencias en su vehículo ve llegar a sus compañeros de trabajo, que han decidido hacerle una despedida sorpresa en su casa. Tras diez años con ellos la marcha de John resulta extraña e inesperada así que todos le insisten que cuente sus motivos, pero ninguno de ellos está preparado para asimilar lo que John tiene que contarles.

La película dura unos ajustadísimos 86 minutos que suceden única y exclusivamente en casa del protagonista, a media luz, con la caída de la tarde y la luz del fuego de una hoguera en su chimenea llegada ya la noche. No hay acción, no hay escenas en exteriores y todo lo que de fascinante tiene la película sucede a través de los diálogos y de la interpretación de los actores, pero te atrapa literalmente. Esta descripción es la típica de una película “de culto” porque realmente es lo que es. De hecho tendréis mucha suerte si alguna vez la véis doblada porque como no se ha distribuido comercialmente tampoco se ha doblado, pero cada vez somos más los que la vamos recomendando y disfrutando buscándonos la vida. Surge así otra reflexión: lejos de ser algo nocivo culturalmente ¿no os parece maravilloso que a través de la investigación personal o de las recomendaciones de los demás, alguien como nosotros, podamos disfrutar de lo que alguien como el director de esta película ha hecho al otro lado del gran charco? Esto nunca ha sido así hasta la llegada de internet que realmente ha hecho posible que todo estemos realmente interconectados. Y a parte de esto ¿No merecerían realmente Richard Schenkman y todo su equipo el premio económico por su magnífico trabajo a pesar de no haber sido distribuida su película mucho más que otras que sí vemos y que son verdaderas bazofias? Sé que es imposible y que mucho tienen que cambiar las cosas pero ¿no sería más lógico que pagáramos por la película que nos gusta? Yo estaría dispuesto a pagar por esta mucho más que por otras. Si se plantea el cine como un producto comercial ¿no deberíamos comprobar que realmente nos gusta antes de pagar por él? En fin....me estoy yendo por los cerros de Úbeda.....

El caso es que es que con cuatro duros pero con un magnífico guión de Jerome Bixby (ha creado historias para Star Trek y “The twilight zone” y concluyó este guión en su lecho de muerte) y un reparto poco conocido pero eficaz (aparece William Katt, “El gran héroe americano”, como actor más conocido) el director logra descolocarnos y convertir una velada de diálogos en una historia sorprendente y casi un tratado sobre el ser humano.

Y de lo que es puramente argumental me surgen infinidad de reflexiones más que quiero englobar en una sola: ¿no sería más interesante que el mero entretenimiento un cine basado en la exploración del individuo, de la historia, de sus posibilidades? Sí, ya sé que eso no vende entradas y que soy un frikie por preferirlo y también sé que es muy complicado urdir un guión interesante y que funcione a partir de esas premisas, pero “The man from earth” abre muchísimas posibilidades. Se me ocurre a bote pronto lo excepcional y extraordinaria que podría ser una serie basada en lo que esta película expone. Además hay un montón de temas de debate que pone sobre la mesa esta película: nuestra noción del mundo y la historia, la construcción de los mitos, el papel social de cada uno de nosotros, la esencia de la religión, el desarrollo del ser humano....

En fin, estoy sobrepasado por esta película, me ha noqueado literalmente y me parece altamente recomendable para cualquier que sienta inquietud por cualquier de los temas que he ido desglosando. Pienso que no engaño a nadie, es una película “de culto”, basada en diálogos, trascendente en más de un sentido. Es decir, exige un cierto compromiso, el deseo de dejarse atrapar por algo que sucede en una habitación y como producto de la interrelación y el diálogo de varios personajes, pero si eso interesa la película garantizo que no defraudará.

No me extraña que esté arrasando entre los internautas, que sea una película comentadísima en foros, que sus puntuaciones sean altísimas....A parte de lo fascinante de su argumento tiene la ventaja de ser una película pequeña y de no haber sido distribuida y eso la convierte también en una experiencia personal de descubrimiento y a todos nos encanta que en un mundo globalizado como éste no nos digan lo que nos tiene que gustar, si no decidirlo por nosotros mismos.


NO VEAIS EL TRAILER: CONTIENE SPOILERS



domingo, 26 de octubre de 2008

"Once" (John Carney, 2007)


****
Guión: John Carney.
País: Irlanda.
Duración: 85 min.
Género: Drama, musical.
Interpretación: Glen Hansard , Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerry Hendrick , Alastair Foley, Geoff Minogue, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova, Mal Whyte, Niall Cleary.
Producción: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Fotografía: Tim Fleming.
Montaje: Paul Mullen.
Diseño de producción: Tamara Conboy.
Vestuario: Tiziana Corvisieri.

Si “Once” no hubiera ganado el premio a mejor canción por “Falling slowly” la pasada edición de los óscars y al hilo de ello no hubiera leído algún comentario apasionado sobre ella seguramente nunca la hubiera visto y aunque ahora hable de ella con la mejor intención para conseguir que alguno de vosotros la veáis probablemente seguirá siendo una película que pasará desapercibida.

¿De qué va “Once”? Su argumento puede resumirse en dos líneas: trata de un cantautor que toca con su guitarra en las calles de Dublín, que conoce a una chica checa (queda bonito esto jeje) y que graba un disco. Sin más, así que quien vea películas para disfrutar de argumentos con “miga”, que se abstenga de recuperarla. Y sin embargo, pese a eso, se la recomendaría a mucha gente. Es una película sensible y tierna, habla de personas, de anhelos e ilusiones, del desamor, de amistad, de música y podríamos considerarla un homenaje a todos aquellos que componen, que tocan, que sienten la música. Su género podría ser el drama musical, pero no hay un tratamiento lacrimógeno, en realidad la sensibilidad está soterrada y cada personaje vive su situación con una permanente sonrisa en la cara. En realidad esta es una película costumbrista, casi casi un documental.

Debo reconocer que está mucho mejor de lo que cabría esperar por el poco bombo que ha tenido y que está un peldaño por debajo de lo que me esperaba y explico también que me esperaba mucho. Quería creer que esta película era una obra maestra que nadie había descubierto porque casi nadie ha visto (para algunos lo será). Bueno, sí es una película pequeña y sí es una joyita, pero tiene sus altibajos, no es una película redonda, para mi gusto empieza y acaba con la intensidad que yo intuía, pero a mitad hay un tramo de cierto “desmayo”, un momento en el que quizás, al no haber mucho que contar la película se repite un poquito como si el director hubiera querido alargar lo que quería contar hasta darle forma de película de hora y media (porque no dura más). Pese a ello me parece una película que hay que ver porque aunque es sencilla, aunque es una película “pequeña”, resulta emotiva y te llega.

La película está grabada con un estilo seudorrealista. Uno acompaña a los personajes por las calles de Dublín y se nota que no se cortó el tráfico ni el discurrir de la gente y por eso hay una fuerte sensación de realidad, los personajes se hacen próximos y te atrapan por su manera de ser y en concreto los dos protagonistas se te hacen muy cercanos, de ambos podríamos opinar que se nota que son buenas personas en cada uno de sus actos y por eso el visionado se hace agradable, plácido. Es el gran acierto de esta película porque de esa manera consigue implicarte en sus vidas, en su pasión por la música, en su vida cotidiana y la música que interpretan cobra mayor intensidad.

Hay varios momentos grandiosos en esta película, conseguidos únicamente con la cámara estando ahí, a modo de testigo ajeno. Uno de ellos es el comienzo mismo y no lo cuento, pero refleja perfectamente como es el protagonista y con qué sensibilidad trata a los demás. Otro es un paseo por las calles con los dos protagonistas llevando uno su guitarra y la otra una “aspiradora” y no lo digo por el hecho en sí sino por lo representativo de lo que es esta película, por lo icónico que tiene (seguramente en Hollywood esa imagen se habría convertido en cartel de la película, casi lo ha sido, al diseñador le ha faltado ojo). Y por su puesto son brillantísimos todos los momentos en que se interpretan los temas de Glen Hansard: el de la grabación en el estudio (¡¡¡madre mía qué tonos consigue este cantante!!!!), el de la tienda de música con esa magnífica y poderosa canción que es “Falling slowly” y muchos más, porque podríamos decir que esta película es un musical perfectamente, pero sobretodo uno termina en pleno subidón con el final porque es verosímil, porque es intenso, porque es emocionante por lo que se ve, por lo que se escucha, por lo que se siente.

Soy perfectamente consciente que recomendar vivamente esta película es decepcionar a determinada gente que no es este tipo de película el que quiere ver y para gustos los colores, pero si ves cine para emocionarte, si te gusta la música y su proceso creativo, si te gusta recuperar otro tipo de cine que no el comercial, el que vemos habitualmente y triunfa en las salas, “Once” es una pequeña joya que no hay que perderse.


I don't know you
But I want you
All the more for that
Words fall through me
And always fool me
And I can't react
And games that never amount
To more than they're meant
Will play themselves out

Take this sinking boat and point it home
We've still got time
Raise your hopeful voice you have a choice
You've made it now

Falling slowly, eyes that know me
And I can't go back
Moods that take me and erase me
And I'm painted black
You have suffered enough
And warred with yourself
It's time that you won

Take this sinking boat and point it home
We've still got time
Raise your hopeful voice you had a choice
You've made it now

Take this sinking boat and point it home
We've still got time
Raise your hopeful voice you had a choice
You've made it now
Falling slowly sing your melody
I'll sing along

martes, 5 de agosto de 2008

“La brújula dorada” (Chris Weitz, 2007)

***
País: USA.

Duración: 113 min.
Género: Aventuras, fantástico.
Interpretación: Nicole Kidman (Marisa Coulter), Dakota Blue Richards (Lyra Belacqua), Sam Elliott (Lee Scoresby), Eva Green (Serafina Pekkala), Daniel Craig (lord Asriel), Tom Courtenay (Farder Coram), Derek Jacobi (emisario magisterial), Simon McBurney (Fra Pavel), Jim Carter (John Faa), Ben Walker (Roger), Clare Higgins (Ma Costa).
Guión: Chris Weitz; basado en el libro "Luces del norte" de Philip Pullman.
Producción: Deborah Forte y Bill Carraro.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Henry Braham.
Montaje: Anne Coates.
Diseño de producción: Dennis Gassner.
Vestuario: Ruth Myers.
Estreno en USA: 7 Diciembre 2007.
Estreno en España: 5 Diciembre 2007.


Sinopsis sacada de http://www.labrujuladorada.com/: Adaptación de "Luces del Norte", la primera entrega de la Triloga "La Materia Oscura". Esta fantástica aventura transcurre en un mundo paralelo al nuestro, cuya tecnología y forma de vida ha evolucionado de forma diferente, aunque a la vez similar. Pero hay algo completamente extraño en ese universo: las almas de las personas se manifiestan como pequeños animales, los daimonions. Por otro lado, también existen osos acorazados, con una astucia superior a la humana son grandes guerreros del Norte, y brujas, que surcan los cielos montadas en sus daimonions o en una nube de pino. La Brújula Dorada narra la historia de Lyra Belacqua, que inocentemente sigue las instrucciones de una brújula dorada, el Aletiómetro, que le conduce hacia norte para salvar a su mejor amigo, o eso cree ella... porque pronto descubrirá su verdadero destino.


Es impresionante el auge que ha experimentado el cine fantástico en los últimos años sobretodo a raíz del tremendo éxito mundial que tuvo la saga de “El señor de los anillos” o de “Harry Potter”. Los títulos que han llegado a rebufo de la trilogía de Peter Jackson o de la serie de Potter están siendo numerosos y es motivo de alegría para los que nos gusta este género, que durante mucho tiempo estuvo relegado a un segundo plano porque los argumentos con los que se trataba de atraer al público a los cines eran más serios y realistas o al menos más acordes a un gusto “adulto” (nunca he entendido muy bien por qué el género fantástico se asocia a los niños y no entiendo porque se ha hecho para quitarle importancia ya que la imaginación no creo que sea bueno costreñirla a una franja de edad).

Por suerte o por desgracia (todo tiene sus pros y sus contras), el público que acude ahora a los cines en masa y los llena tiene una media de catorce años de edad (esto según un estudio norteamericano del que supe hace poco), lo cual significa que los argumentos que los grandes estudios preparan para llenar sus arcas son aquellos que pueden entretenerles tanto a ellos como a los que les acompañan, sus padres. La mayoría de películas de fantástico y aventuras que vemos ahora están por ello mismo cuidadísimas, se invierte muchísimo en su acabado y en los efectos especiales y se procura partir de novelas del género que ya hayan tenido éxito. Es lo que pasó en el 2007 con “La brújula dorada”, una película que costó 180 millones de dólares y en la que se nota esa inversión en pantalla gracias a sus efectos especiales (ganadores del óscar por cierto) pero aunque dobló la cantidad que costó estuvo por debajo de lo que se esperaba de ella tanto en acogida como en recaudación.

Últimamente los mayores éxitos del género a parte de los ya mencionados han sido “Las crónicas de Narnia” de las que ya se han hecho dos películas a un buen nivel; “Eragon”, que no salió muy lograda pero obtuvo buena taquilla; o “Sturdust”, que al menos en mi recuerdo va mejorando aunque sigo pensando que es algo así como una película “menor” del género. “La brújula dorada” pretendía ser el gran título del 2007 pero no consiguió el taquillón que sus productores esperaban a pesar de reportar suficiente dinero para una más que probable segunda parte. La acogida entre el público fue tibia y defraudó a mucha gente.

He de reconocer que a mí nunca me atrajo ni el trailer ni lo que oía o leía de ella y quizás he experimentado el efecto contrario al verla. Esperaba tan poco que no me ha disgustado, aunque desde luego dista mucho de mis títulos preferidos.

Muchas de las opiniones que se dan sobre ella se centran en que es una mala o floja adaptación de la novela. Yo puntualizaría al respecto que lo es porque tiene que introducir una gran cantidad de personajes e información y no lo hace del todo bien. En el guión no se sintetiza bien todo lo que necesitamos saber en las escenas y se pierde demasiado tiempo en algunas de ellas (sobretodo cuando sale a escena Nicole Kidman) mientras que otras se despachan muy rápidamente. Esto puede ser también culpa de los montadores. La sensación es que el ritmo se acelera y ralentiza quizás cuando no debe.

Otro problema que le veo a esta película es que no puede funcionar en solitario, necesita una continuación y está planificada para ella con lo que el espectador termina ligeramente defraudado y si no, cuando menos, molesto por la cantidad de flecos argumentales que no se cierran. Es cierto que hay otras sagas en las que ocurre lo mismo, pero en casi todas ellas cada película forma una unidad en sí misma y esto no ocurre en esta ocasión en la que el final queda completamente abierto.

Por último el universo en el que se mueven los personajes, sus normas internas, que recuerdan a muchas otras historias y parecen un remedo de ellas no termina de funcionar, no termina de apasionar y el espectador asiste a los hechos sin demasiada implicación emocional porque desconoce gran parte de lo que mueve a los personajes, de lo que les motiva. Por así decirlo, no hay un suspense interno y tampoco una emotividad, al menos hasta que aparece el oso, que es el verdadero plato fuerte de la película y trasmite mucha más intensidad que cualquiera de los protagonistas humanos lo cual no dice nada bueno ni de Daniel Craig, ni de Nicole Kidman que parecen un poco desinteresados con sus personajes. Están mejor en cambio Eva Green y Sam Elliott. Las mejores escenas, las más espectaculares e impactantes son las que tienen que ver con los efectos especiales y las criaturas Dimons y eso que no son los mejores efectos especiales que hemos visto porque “cantan” un poquito.

La película no es desdeñable de todos modos, simplemente no llega al nivel que nos gustaría, pero se puede disfrutar como cine de evasión que es y resulta entretenida. Simplemente es que no supera un análisis más profundo y exigente porque su narración no está a la altura de otros títulos a los que ya nos hemos acostumbrado y resulta algo atropellada y de intensidad algo “plana”. No siempre se puede conseguir el máximo nivel, pero al menos con este tipo de películas la pujanza de este género se mantiene en los cines, lo cual no es mala noticia.

Sea como fuere yo es una película que sí recomendaría al público al que le gusten este tipo de historias. Aunque habrá personas a las que defraude, habrá otras muchas que sabrán disfrutarla.

lunes, 26 de mayo de 2008

"Mataharis" (Iciar Bollaín, 2007)


***
País: España.
Duración: 95 min.
Género: Drama.
Interpretación: Najwa Nimri (Eva), Tristán Ulloa (Iñaki), María Vázquez (Inés), Diego Martín (Manuel), Nuria González (Carmen), Antonio de la Torre (Sergio), Fernando Cayo (Valbuena), Adolfo Fernández (Alberto), Manuel Morón (Samuel), Mabel Rivera (mujer engañada).
Guión: Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez.
Producción: Santiago García de Leániz y Simón de Santiago.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Kiko de la Rica.
Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Josune Lasa.
Vestuario: Estíbaliz Markiegui.
Estreno en España: 28 Septiembre 2007.

sábado, 10 de mayo de 2008

"Death proof" (Quentin Tarantino, 2007)

***
País: Estados Unidos
Duración: 95 minutos
Género: Terror, acción
Reparto: Michael Parks, Quentin Tarantino, Jordan Ladd, Eli Roth, Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Rose McGowan, Mary Elizabeth Winstead, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thomas, Zoe Bell, Omar Doom, Michael Bacall, Monica Staggs
Guión: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Rodriguez
Montaje: Sally Menke
Música: Robert Rodriguez
Productor: Elizabeth Avellan, Erica Steinberg, Quentin Tarantino, Robert Rodriguez


lunes, 28 de abril de 2008

"Expediente Anwar" (Gavin Hood, 2007)


**
País: USA.
Duración: 122 min.
Género: Drama, político.
Interpretación: Jake Gyllenhaal (Douglas Freeman), Reese Witherspoon (Isabella Fields El-Ibrahimi), Alan Arkin (senador Hawkins), Peter Sarsgaard (Alan Smith), Meryl Streep (Corrinne Whitman), Omar Metwally (Anwar El-Ibrahimi), Igal Naor (Abasi Fawal), Zineb Oukach (Fatima Fawal), Moa Khouas (Khalid El-Emin). Guión: Kelley Sane.
Producción: Steve Golin y Marcus Viscidi.
Música: Paul Hepker y Mark Kilian.
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: Megan Gill.
Diseño de producción: Barry Robison.
Vestuario: Michael Wilkinson.



domingo, 27 de abril de 2008

"Disturbia" (David J. Caruso, 2007)

***
Intérpretes: SHIA LABEOUF, DAVID MORSE, SARAH ROEMER, CARRIE-ANNE MOSS, AARON YOO.
Guión: CHRISTOPHER LANDON Y CARL ELLSWORTH; basado en un argumento de CHRISTOPHER LANDON.
Producción: JOE MEDJUCK, E. BENNETT WALSH Y JACKIE MARCUS. Música: GEOFF ZANELLI.
Fotografía: ROGIER STOFFERS.
Duración: 104 MINUTOS
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"Un funeral de muerte" (Frank Oz, 2007)

****
Países: Reino Unido y USA.
Duración: 90 min.
Género: Comedia negra, drama.
Interpretación: Ewen Bremmer (Justin), Peter Dinklage (Peter), Matthew MacFadyen (Daniel), Kris Marshall (Troy), Alan Tudyk (Simon), Rupert Graves (Robert), Andy Nyman (Howard), Daisy Donovan (Martha), Jane Asher (Sandra), Peter Vaughan (Alfie), Peter Egan (Victor), Thomas Wheatley (reverendo).
Guión: Dean Craig.
Producción: Share Stallings, Diana Phillips, Laurence Malkin y Sidney Kimmel.
Música: Murray Gold.
Fotografía: Oliver Curtis.
Montaje: Beverley Mills.
Diseño de producción: Michael Howells.
Vestuario: Natalie Ward.



miércoles, 23 de abril de 2008

GOYAS 2008













Mejor película

El orfanato

Las 13 rosas

La soledad

Siete mesas de billar francés



Mejor director

Icíar Bollaín, por Mataharis

Emilio Martínez Lázaro, por Las 13 rosas

Gracia Querejeta, por Siete mesas de billar francés

Jaime Rosales, por La soledad



Mejor actor

Alfredo Landa, por Luz de domingo

Álvaro de Luna, por El prado de las estrellas

Alberto San Juan, por Bajo las estrellas

Tristán Ulloa, por Mataharis



Mejor actriz

Blanca Portillo, por Siete mesas de billar francés

Maribel Verdú, por Siete mesas de billar francés

Emma Suárez, por Bajo las estrellas

Belén Rueda, por El orfanato



Mejor actor de reparto

Raúl Arévalo, por Siete mesas de billar francés

José Manuel Cervino, por Las 13 rosas

Julián Villagrán, por Bajo las estrellas

Emilio Gutiérrez Cava, por La Torre de Suso

Carlos Larrañaga, por Luz de domingo



Mejor actriz de reparto

Amparo Baró, por Siete mesas de billar francés

Nuria González, por Mataharis

María Vázquez, por Mataharis

Geraldine Chaplin, por El orfanato



Mejor actor revelación


Óscar Abad por El Prado de las Estrellas

Gonzalo de Castro por La Torre de Suso

Roger Pincep por El Orfanato

José Luis Torrijo por La Soledad



Mejor actriz revelación

Gala Évora, por "Lola, la película"

Bárbara Goneaga, por "Oviedo Express"

Nadia de Santiago, por "Las 13 rosas"

Manuela Velasco, por "Rec"



Mejor Director novel

Juan Antonio Bayona, por "El orfanato"

Tom Fernández, por "La Torre de Suso"

David y Tristán Ulloa, por "Pudor"

Félix Viscarret, por "Bajo las estrellas"



Mejor Guión Original

Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez por Mataharis

Ignacio Martínez de Pisón por Las trece rosas

Gracia Querejeta y David Planeéis por Siete mesas de billar francés

Sergio G. Sánchez por El orfanato

Gonzalo Suárez por Oviedo Espress



Mejor Guión Adaptado

Ventura Pons por Barcelona, un mapa

Laura Santillo por La zona

Tristán Ulloa por Pudor

Imanol Uribe por La carta esférica

Félix Viscarret por Bajo las estrellas



Mejor Música Original

Roque Baños por Las trece rosas

Carles Cases por Oviedo Express

Mikel Salas por Bajo las estrellas

Fernando Velasco por El orfanato



Mejor canción original

"Esa luz" (Mataharis)

"Fado da saudade" (Fados)

"Glommy Sunday" (La caja Kovak)

"Happy, happy Chueca" (Chuecatown)



Mejor dirección de producción

Juan Carmona y Salvador Gómez (Luz de Domingo)

Martín Cabañas (Las trece rosas)

Teresa Cepeda (Oviedo express)

Sandra Hermida (El Orfanato)



Mejor fotografía

José Luis Alcaine (Las trece rosas)

Álvaro Gutiérrez (Bajo las estrellas)

Álgel Iguacell (Siete mesas de billar francés)

Carlos Suárez (Oviedo Express)



Mejor montaje

David Gallart (Rec)

Fernando Pardo (Las trece rosas)

Elena Ruiz (El orfanato)

Nacho Ruiz Capillas (Siete mesas de billar francés)



Mejor dirección artística

Wofgang Burmann (Oviedo Express)

Edou Hidalgo (Las trece rosas)

Gil Larrondo (Luz de domingo)

Joseph Rosell (El orfanato)



Mejor diseño de vestuario

Sonia Grande (Lola. La película)

Lena Mossum (Las trece Rosas)

Lourdes de Orduña (Luz de domingo)

María Reyes (El orfanato)



Mejor maquillaje y peluquería

Lourdes Priones y Fermín Galán (Oviedo Express)

Lola López e Icíar Arrieta (El orfanato)

Mariló Osuna, Almudena Fonseca y José Juez (Las trece rosas)

Jose Quetglas y Blanca Sánchez (El corazón de la tierra)



Mejor sonido

Carlos Bonmati, Alfonso Pino y Carlos Farudo (Las trece rosas)

Licia Marcos de Oliveira y Bernat Aragonés (Tuya siempre)

Iván Marín, José Antonio Bermúdez y Leopoldo Aledo (Siete mesas de billar
francés)

Xavi Mas, Marc Orts y Oriol Tárrago (El orfanato)


 


Mejores efectos especiales

Reyes Abades y Álex G. Ortoll, por "El corazón de la tierra"

David Ambid, Enric Masip y Álex Villagrasa, por "Rec"

Pau Costa, Raúl Ramanillos, y Carlos Lozano, por "Las 13 rosas"

David Martí, Montse Ribé, Pau Costa, Enric Masip,
Lluis Castell y Jordi San Agustín, por "El orfanato"



Mejor película de animación

"Azur y Asmar"

"Betizu eta Urrezco Zintzarria"

"En busca de la piedra mágica"

"Nocturna: Una aventura mágica"



Mejor película documental

"El productor"

"Fados"

"Invisibles"

"Lucio"



Mejor película
hispanoamericana


"La edad de la peseta"

"Mariposa negra"

"Padre Nuestro"

"XXY"



Mejor cortometraje de ficción

"El pan nuestro" (Aitor Merino Unzueta)

"Padam" (José Manuel Carrasco Fuentes)

"Paseo" (Arturo Ruiz Serrano)

"Proverbio chino" (Javier San Román)

"Salvador (historia de un milagro
cotidiano)" (Abdelatif Abdeselam Hamed)



Mejor cortometraje de animación

"Atención al cliente" (Marcos Valin y David Alonso)

"El bufón y la infanta" (Juan Ramón Galiñanes García)

"La flor más grande del mundo" (Juan Pablo Etcheverry)

"Perpetuum Mobile" (Raquel García-Ajofrín Virtus y Enrique García
Rodríguez)

"Tadeo Jones y el sótano maldito" (Enrique
Gato Borregán)



Mejor cortometraje documental

"Carabanchel, un barrio de cine" (Juan Carlos Zambrana)

"El anónimo caronte" (Toni Bestad)

"El hombre feliz" (Isabel Lucina Gil Márquez)

"Valkirias" (Eduardo Soler)



GOYA DE HONOR: El actor Alfredo Landa.


 

viernes, 11 de abril de 2008

"Las hermanas Bolena" (Justin Chadwick, 2008)

***
Título original: The other Boleyn
País: Reino Unido
Duración: 120 min.
Género: Drama
Reparto: Scarlett Johansson, Kristin Scott Thomas, Natalie Portman, Eric Bana, Ana Torrent, Mark Rylance, Jim Sturgess, David Morrisey
Guión: Peter Morgan
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Universal Pictures, Columbia Pictures, BBC Films, Scott Rudin Productions, Ruby Films, Relativity Media
Diseño de Producción: John Paul Kelly
Fotografía: Kieran McGuigan
Montaje: Carol Littleton, Paul Knight
Música: Paul Cantelon
Productor: Alison Owen
Vestuario: Sandy Powell


El mayor problema que para cualquier director supone afrontar una película como ésta es aportar algo nuevo ya que el argumento, la dramática historia de Ana Bolena, está ya muy trillada en el cine. Los públicos de diversas edades ya conocen la historia porque adaptaciones se han hecho varias como “Ana Bolena “ (Ernest Lutbisch, 1920), “La vida privada de Enrique VIII” (Alexander Korda, 1933), “Un hombre para la eternidad” (Fred Zinnemann, 1966) o la más famosa y conocida “Ana de los mil días” (Charles Jarrott, 1969) intepretada por Richard Burton y Genevieve Bujold por no hablar de otros títulos y series en los que la historia de Ana Bolena ha figurado como fondo histórico. Quien más quien menos conoce la historia y el argumento.

Lo que esta película trata es de actualizar el drama histórico para las nuevas generaciones aportando esencialmente dos aspectos distintivos: por un lado se centra más en el drama de los personajes y aprovecha el atractivo popular del trío protagonista y por otro aprovecha el impacto visual de la dirección artística que el cine nos ofrece en estos momentos.

La película no llega al nivel de obras anteriormente mencionadas como “Ana de los mil días” en las que se trataba de hacer una obra “total” por así decirlo que afrontaba la recreación histórica o el drama de los personajes con la misma ambición. En este caso la época sólo es un telón de fondo y no profundiza demasiado en los complicados requiebros políticos del momento aunque evidentemente no se eludan. El director, Justin Chadwick, que afronta con este trabajo su segunda película, pretende concentrarse en el drama de las hermanas Bolena y, aunque el papel de Natalie Portman (Ana Bolena) es el que más juego da y más intensidad permite mostrar en la pantalla, la historia se centra en realidad en María Bolena (Scarlett Johannson).

La recreación de época es correcta y desde luego vistosa y es una de las grandes bazas de la película. Cada toma lo aprovecha y se apuesta también, en coherencia con el propio planteamiento de la película, por muchos primeros planos y escenas de diálogos en los que destacan especialmente las actrices (todas ellas), cosa que hay que reseñar porque no sucede lo mismo con el reparto masculino (Eric Bana cumple sobretodo por su imponente presencia física pero no logra transmitir la fuerza dramática que sí supieron dar al personaje Richard Burton o sobretodo Robert Shaw en otras películas).

La historia es intensa por lo que el público a quien gusten los dramas no quedará defraudado, aunque la pega es que las nuevas aportaciones al imaginario colectivo que supone esta película no son suficientemente impactantes. Es decir, hablando en cristiano, que quien se conozca el desarrollo y desenlace al no encontrar ninguna sorpresa puede quedar indiferente si lo meramente ornamental no le impacta.

En cualquier caso una película correcta, realizada con esmero artístico y que se puede ver. Recomendable especialmente para quien guste el drama romántico de cortes histórico.