"Quo Vadis, Aida? (Jasmila Zbanic, 2020)

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#JasmilaZbanic #JasnaDjuricic #IzudinBajrovic #BorisLer #DinoBajrovic #CineDrama #Cinehistórico

Hay algunas películas que se disfrutan con el alma en un puño y ésta es una de ellas. Se centra en una traductora de Srebrenica que trabaja para la OTAN en la Bosnia en el año 1995 justo antes del genocidio que allí tuvo lugar en el que perecieron unas 8.000 personas. Básicamente el argumento, que relata la situación durante unos pocos días, pretende describir el drama humano de alguien que, conociendo información importante y estando en una privilegiada situación intenta salvar a su familia a toda costa. Ya digo que la película es un drama bélico de tensión creciente en el que el tiempo narrativo es una soga que se va cerrando lentamente, causándonos como espectadores una angustia próxima a la de la protagonista, por lo que hay que enfrentarse a lo que se cuenta con un interés histórico y una curiosidad similar a la que se ha de tener con otros títulos como "La Lista de Schindler" ya que básicamente trata de ser un testimonio verosímil de una capítulo histórico. Fue nominada a mejor película de habla no inglesa en los Óscars.

"The Crown" (Temporada 6, 2023)

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#ImeldaStaunton #ElizabethDebicki #DominicWest #JonathanPryce #MegBellamy #EdMcVey #seriesTV

Emitida por Netflix en dos partes de cuatro y seis episodios respectivamente cuenta todo lo acontecido a la corona británica entre 1997 y 2005, con Tony Blair como primer ministro, se centra especialmente en la muerte de Lady Di y posteriormente de la princesa Margarita y la reina madre, en la relación incipiente de Guillermo con Kate Middleton y en la boda de Carlos y Camila Parker. La serie se cierra con interés creciente por los sucesos que cuenta y manteniendo las señas de identidad que le son propias, destacando como en ocasiones anteriores una puesta en escena fastuosa y una gran capacidad para recrear cada época y cada uno de los personajes. Eso sí, me parece una lástima, que muertos ya Eduardo de Inglaterra y la reina Isabel, no se lanzaran a una séptima tanda, pero la conclusión, a mi juicio, es más que digna. El balance final de los 60 episodios es sobresaliente puesto que se trata de una serie en la que todos los aspectos de la producción se han cuidado al máximo y que, por sus hechuras clásicas, es idónea para cualquier espectador con interés en la Corona británica y la historia de los siglos XX y XXI. 

"Irati" (Paul Urkijo Alijo, 2022)

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#PabloUrkijoAlijo #EdurneAzkarate #EnekoSagardoy #cinefantástico #cine #cineEspañol

Sensaciones encontradas con esta película. Aplaudo la valentía en la producción (con Arguiñano metiendo pasta y dándose un papelito como actor) porque supongo que no es nada fácil la recreación de época y ha quedado bastante bien; aplaudo cómo se intenta sacar todo el jugo a la belleza de la zona donde se desarrolla la acción, un valle cercano a Roncesvalles, y me encanta que se hayan lanzado a algo tan poco común en España como un relato a medio camino entre lo histórico y lo fantástico, con las leyendas vascas como inspiración. Es más, al argumento es muy ambicioso y cuenta un enfrentamiento bélico entre pueblos (los vascos y las tropas de Carlomagno) y a la vez una historia de amor entre un niño que será rey y una niña que en realidad es un ser mitológico...Muchos atractivos, pero también algunos peros y es que la narración tiene altibajos y va perdiendo gas y para mi gusto, al estar rodada en vascuence, pierde con el doblaje gran parte de su fuerza. Destaco también a Edurne Azcárate me parece todo un descubrimiento. Y se me queda grabada su frase final, no destripo nada: "Todo lo que tiene nombre existe". Consiguió 5 nominaciones en los Goya (guión adaptado, música original, canción, diseño de vestuario y efectos especiales).

"El discurso del rey" (Tom Hooper, 2010)

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Esta película británica fue la gran triunfadora de los Óscars de 2010 obteniendo los premios de mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor actor protagonista con doce nominaciones que se completaban con mejor actor de reparto, actriz de reparto, montaje, fotografía, banda sonora, diseño de producción, vestuario y sonido. Así planteado resulta casi inevitable una vez vista preguntarse cómo pudo conseguirlo porque no es una de esas películas que provocan entusiasmos unánimes entre todos los espectadores, pero hay varios datos a tener en cuenta: uno es la competencia que tenía y otro su capacidad para irte conquistando conforma avanza, su carácter de película todos los públicos, de tono amable, centrada en una historia de superación con la que todo el mundo puede empatizar, elegante, bien construida en todo lo formal y también en lo narrativo y con una acertadísima mezcla entre comedia y drama político. En cualquier caso, por lo que es recordada es por el brillante duelo interpretativo entre dos actores en estado de gracia: Colin Firth y Geoffrey Rush, aunque no sería justo olvidar un elenco destacadísimo. Tampoco está nada mal la recreación de época, que nos sitúa en la Inglaterra en 1936, tras la muerte del rey Jorge V y la escandalosa abdicación de su sucesor, Eduardo VIII para casarse con una divorciada. Con la Segunda Guerra Mundial en el horizonte asciende al trono Jorge VI, que debe asumir el liderazgo del país en un momento muy delicado y, de cara a sus discursos, sufre problemas de tartamudez, por lo que es imprescindible un logopeda de métodos poco ortodoxos.

"La túnica sagrada" (Henry Koster, 1963)

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Pasó a la historia por ser la primera película rodada en Cinemascope y durante muchos años se convirtió en un título básico de las sobremesas y noches de la semana santa en España debido a su argumento. Se centra en la historia de un soldado romano trasladado a Palestina que participa en la crucifixión de Jesucristo y termina convirtiéndose al cristianismo. Gran éxito de público en su día, goza de las características propias de las producciones de gran presupuesto de su momento y trata de jugar sus bazas como drama histórico a rebufo del gran éxito que tres años antes había tenido "Ben-hur", pero no logra ni ese nivel ni el mismo interés haciéndose un poco larga. La disfrutarán más quienes se acerquen a ella con la nostalgia de recuperar aquel cine de aroma tan distinto al actual o quienes queden atrapados por su historia triste y evocadora. Obtuvo los óscars a mejor dirección artística en color y mejor vestuario en color y además nominaciones a mejor película, actor principal y fotografía en color.

"María, reina de Escocia" (Josie Rourke, 2018)

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Puede comprenderse el afán por hacer un remake hoy día de la película de 1971 por aquello de que Isabel I y María Estuardo son dos personajes femeninos con gran personalidad y fuerza, reinas de Inglaterra y Escocia respectivamente, y porque el éxito de series y películas de época como "Juego de tronos", con una ambientación en escenarios naturales muy vistosa, dan pie a ello; pero lo que no puedo entender es que se desaproveche de este modo a dos actrices que están estupendas con una narración que debería haber aprovechado del modus cinematográfico actual mucha más pasión, mucha más épica y que, en cambio, concentra sus aportaciones en una forma de ver la historia que, en el fondo, la tergiversa. Se puede ver, pero a mí me acaba aburriendo y desesperando porque no me emociona y me deja frío y comparativamente la versión de 1971 le da mil vueltas. Eso sí, la recreación de época es buena con nominaciones en los Óscars a maquillaje y vestuario incluidas.

"El rey proscrito" (David Mackenzie, 2018)

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1304, Robert The Bruce obligado a coronarse rey de Escocia tras la muerte de William Wallace se convierte en proscrito al comprobar que Inglaterra no aceptará sus pretensiones de autodeterminación. Netflix cuenta su historia desplegando un buen diseño de producción que ambienta adecuadamente la época y David MacKenzie logra una narración entretenida trufada de política medieval y batallas. El caso es que a la película le falta el "alma" y la magia de "Braveheart" con la que es inevitable compararla por ser su continuación argumental. Aquí la emoción, la intensidad y el primer plano de aquella dan lugar a una visión más general que resulta más fría, menos apasionada y que cojea un poco porque pretendiendo tener rigor histórico y dar una visión más amplia  no logra describir adecuadamente las complejas subtramas y conflictos que deberían aportar los personajes secundarios, quizás también porque su metraje pasó de tres horas filmadas a las dos que dura. El caso es que se ve con interés, pero te deja un tanto indiferente y eso no debería ocurrir con un argumento tan sugerente.

"La batalla de Árgel" (Gillo Pontecorvo, 1966)

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Polémica y revolucionaria en el momento de su estreno fue un encargo del primer gobierno independiente de Argelia al director italiano Gillo Pontecorvo. Adopta factura de documental para narrar la batalla urbana en la capital de Argelia con la que el Frente de Liberación Nacional se rebeló contra la ocupación francesa en los años 50's del siglo pasado. Sin renunciar a la crudeza (hay imágenes y escenas duras) y buscando siempre la verosimilitud y el realismo, lo que cuenta es una lección de historia y una impactante denuncia del colonialismo, el terrorismo, los movimientos revolucionarios y la aparente incapacidad del ser humano para resolver sus conflictos de una manera civilizada. Su visionado te atrapa y resulta hipnótico, una de esas películas que habría que calificar como "necesarias".

"Oro" (Agustín Díaz Yanes, 2017)

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Retrato amargo y poco edificante sobre la ambición y la codicia en un grupo de conquistadores españoles en busca de una ciudad de Oro en la América del siglo XVI. Se basa en un relato de Arturo Pérez Reverte y va directa al grano, describiendo el peligroso trayecto a ninguna parte de unos hombres que actúan sin remilgos y con la crueldad despiadada que exige su situación y su afán por lograr sus objetivos. Resulta oscura en forma y fondo, está rodada con afán realista dentro de la selva, no es grata de ver si no se tiene estómago y es difícil empatizar con los personajes pero ellos son los que le dan interés al argumento y están muy bien construidos gracias a un reparto que quita el hipo en el que Óscar Jaenada está "imperial".

"Selma" (Ava DuVernay, 2014)

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Selma habla desde lo íntimo de los personajes hacia lo histórico de aquella marcha reivindicativa entre Selma y Montgomery promovida por Martin Luther King que, en un momento de tenso conflicto racial en Estados Unidos, que culminó con la Ley que aprobaba el derecho al voto de los ciudadanos de raza negra. Elegante, con una gran recreación de época, bien narrada, es una película eficaz, quizás no sobresaliente, pero necesaria y que por momentos emociona y conmueve.  "Glory" ganó el óscar a mejor canción y fue nominada a mejor película.

“Un asunto real” (Nikolaj Arcel, 2012)

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La buena marcha a comienzos de la presente década del cine danés la refrendó esta exquisita y muy cuidada recreación histórica de la corte danesa en el siglo XVIII deliciosamente rodada y con un argumento de intrigas y romance que podría haber sucedido en cualquier monarquía europea de su época. Recomendada para los amantes del cine histórico y las intrigas palaciegas con la curiosidad de ver a unos emergentes Mads Mikkelsen y Alicia Vikander. La película fue nominada en los óscars en el apartado de mejor film de habla no inglesa aunque ganó “Amor”.

"Bajo el fuego" (Roger Spottiswoode, 1983)

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Interesante drama en torno a tres periodistas norteamericanos (con choque amoroso incluido) que viajan a Nicaragua a cubrir el conflicto entre los rebeldes sandinistas y el dictador Somoza y se "llenan de realidad". Dicen que saber es sufrir y en parte esta película lo demuestra: la verdad es muchas veces complicada y dolorosa. Roger Spottiswoode firma su mejor título partiendo de hechos reales y retratando perfectamente las aristas de un conflicto como el Niacaragüense así como las dificultades para cubrir como periodista un suceso como éste.

"1898. Los últimos de Filipinas" (Salvador Calvo, 2016)

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Tiene vocación de gran producción y está a esa altura en muchos momentos con buenas escenas detono épico ayudadas por la música. También explora correctamente los conflictos entre los personajes y retrata bien la época y el trasfondo histórico. Sin embargo, pese a sus virtudes no es redonda, se echa de menos mayor emoción en algunos momentos y, por desgracia, se alarga más de lo que hubiera sido idóneo.

“El puente de los espías” (Steven Spielberg, 2015)

Muy buena película dotada de la atmósfera y clima de la guerra fría, con un Spielberg distinto a sus títulos más populares, más frío, menos pasional, pero en el que palpas calidad en cada escena. Como argumento de espías todo está soterrado, todo es sutil, en todo momento intuyes que suceden muchas más cosas de las evidentes aunque la lectura final sí es evidente: la desconfianza conduce a más desconfianza mientras que el respeto a todo lo contrario. Y destacar también la mano de los Coen en el guión, ayudan a dar verismo con cierta comicidad a una película muy seria, aunque Tom Hanks y Mark Rylance también humanizan la trama pese a no soltar ni una sonrisa.

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Título original: Bridge of spies.

País: EEUU.

Duración: 141 min.

Género: Espionaje, histórica.

Reparto: Tom Hanks (James B. Donovan), Alan Alda (Thomas Watters), Amy Ryan (Mary McKenna), Mark Rylance (Rudolf Abel).

Guión: Matt Charman, Ethan Coen y Joel Coen.

Producción: Kristie Macosko Krieger, Marc Platt y Steven Spielberg.

Música: Thomas Newman.

Fotografía: Janusz Kaminski. E

streno en España: 4 Diciembre 2015.

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Recomendaría a todos aquellos con ganas de un relato inspirado en hechos reales, con factura clásica, con verdadero clima de espías y a los que no les importe que les den todas las implicaciones de un argumento mascadas.

“Un asunto real” (Nikolaj Arcel, 2012)

La buena marcha reciente del cine danés la refrenda esta exquisita y muy cuidada recreación histórica de la corte danesa en el siglo XVIII magníficamente rodada y con un argumento de intrigas y romance que podría haber sucedido en cualquier monarquía europea de la época.

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Título internacional: A royal affaire.

Título original: En kongelig affære.

Países: Dinamarca, Suecia y República Checa.

Duración: 137 min. 

Género: Drama, histórico, romance. 

Reparto: Mads Mikkelsen (Johann Friedrich Struensee), Alicia Vikander (Carolina Matilde), Mikkel Boe Følsgaard (rey Cristián VII), Trine Dyrholm (Juliane Marie), David Dencik (Ove Hoegg-Guldberg), Thomas W. Gabrielsson (Schak-Karl Rantzau), Laura Bro (Louise von Plessen), Cyron Melville (Enevoldt Brandt). 

Guión: Rasmus Heisterberg y Nikolaj Arcel; basado en la novela “Prinsesse af blodet”, de Bodil Steensen-Leth. 

Producción: Meta Louise Foldager, Sisse Graum Jørgensen y Louise Vesth. 

Música: Cyrille Aufort y Gabriel Yared. 

Fotografía: Rasmus Videbaeck. 

Montaje: Kasper Leick y Mikkel E.G. Nielsen. 

Diseño de producción: Niels Sejer. 

Vestuario: Manon Rasmussen. 

Distribuidora: Golem. 

Estreno en Dinamarca: 29 Marzo 2012. 

Estreno en España: 1 Marzo 2013. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Recomendada para los amantes del cine de época y de las intrigas palaciegas. Además es una buena ocasión para conocer por qué el cine danés está de moda. La película fue nominada en los óscars en el apartado de mejor film de habla no inglesa aunque ganó “Amour”.

RESEÑA COMPLETA DISPONIBLE

“Lincoln” (Steven Spielberg, 2012)

Spielberg cumple su sueño de filmar sobre Lincoln contando lo que nadie ha contado, la aprobación de la decimotercera enmienda con una minuciosidad política y una corrección formal tan estilizada y sofisticada que puede resultar de digestión tan pesada como una lección de historia si no se tiene verdadero interés en ella.

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País: EEUU.
Duración: 150 min.
Género: Biopic, drama, histórico.
Reparto: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson (Richard Schell), James Spader (W.N. Bilbo), Lee Pace (Fernando Wood), Jackie Earle Haley (Alexander Stephens), Hal Holbrook (Preston Blair), John Hawkes (Robert Latham), Bruce McGill (Edwin Stanton), Jared Harris (general Ulysses Grant).
Guión: Tony Kushner, John Logan y Paul Webb; inspirado en el libro “Team of rivals: The political genius of Abraham Lincoln”, de Doris Kearns Goodwin.
Producción: Kathleen Kennedy y Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Diseño de producción: Rick Carter.
Vestuario: Joanna Johnston.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
Estreno en USA: 16 Noviembre 2012.
Estreno en España: 18 Enero 2013.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Recomendada para quienes quieran conocer los entresijos políticos y personales de los últimos años de Lincoln y de uno de los capítulos más reseñables de la historia de los EEUU. Spielberg filma como nadie, pero el argumento y su desarrollo son farragosos para quien no quiera ver precisamente esto, así que decepcionará a todo el que la vea engañado pensando que es lo que no es.

RESEÑA COMPLETA PRÓXIMAMENTE

“El hundimiento” (Olivier Hirschbiegel, 2004)

Una película absolutamente imprescindible que gana con el tiempo y los visionados y que es un testimonio tan terrible y necesario como "La lista de Schindler" porque es historia hecha cine.

OBRA MAESTRA
País: Alemania.
Duración: 150 min.
Género: Drama.
Interpretación: Bruno Ganz (Adolf Hitler), Alexandra Maria Lara (Traudl Junge), Corinna Harfouch (Magda Goebbels), Ulrich Matthes (Joseph Goebbels), Juliane Köhler (Eva Braun), Heino Ferch (Albert Speer), Christian Berkel (Schenck), Matthias Habich (Werner Haase), Thomas Kretschmann (Hermann Fegelein), Ulrich Noethen (Heinrich Himmler).
Guión: Bernd Eichinger; basado en el libro "El hundimiento: Hitler y el final del Tercer Reich" de Joachim Fest; y en el libro "Hasta el último momento: La secretaria de Hitler cuenta su vida" de Traudl Junge y Melissa Müller.
Producción: Bernd Eichinger.
Música: Stephan Zacharias.
Fotografía: Rainer Klausmann.
Montaje: Hans Funck.
Diseño de producción: Bernd Lepel.
Vestuario: Claudia Bobsin.
Estreno en Alemania: 16 Sept. 2004.
Estreno en España: 18 Febrero 2005.

Recomendable para....todo el mundo. Debería ser de visión obligatoria no sólo porque es un testimonio histórico relevante sino porque es una película grandiosa. Eso sí, conviene verla con una cierta edad porque es muy dura.


RESEÑA COMPLETA PRÓXIMAMENTE

“La reina Cristina de Suecia” (Rouben Mamoulian, 1933)

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País: Estados Unidos
Duración: 97 minutos
Guión: Salka Viertel, S.N. Behrman, H.M. Harwood
Música: Herbert Stothart
Fotografía: William Daniels (B&W)
Género: melodrama, histórica, biopic
Reparto: Greta Garbo (reina Cristina), John Gilbert (Antonio), Ian Keith (Magnus), Lewis Stone (Oxenstierna), Elizabeth Young (Ebba), C. Aubrey Smith (Aage), Akim Tamiroff, Reginald Owen (Charles)
Producción: Metro Goldwyn Meyer

Rodada en 1933 está considerada por la crítica como la película que consagró para la posteridad a Greta Garbo (con permiso de “Ninotchka”), que pasó a ser denominada “la divina”. La razón para ello es que la actriz finge en gran parte de la película ser un muchacho, adopta andares y poses de hombre con cierta rudeza (equívoco impactante para la época y que se aprovecha argumentalmente en varios momentos), pero finalmente cambia el registro y se muestra femenina y delicada. Como el propio argumento de la película su actuación evoluciona para acomodarse primero a las responsabilidades políticas de su cargo y después a un melodrama intenso, pero siempre desde la contención expresiva. En ese sentido su rostro juega un papel muy importante y el director aprovecha los primeros planos para realzar la actuación de un actriz en auténtico estado de gracia, capaz de transmitir muchísimas cosas simplemente con miradas y leves gestos en todo momento con gran elegancia y mesura.

El asunto de la película es relativamente sencillo. Esta adaptación libre inspirada en la vida de la reina Cristina de Suecia no se preocupa de los recovecos políticos ni de la corte sueca y tampoco es un biopic que desglose la vida del personaje. Al contrario, se centra únicamente en un periodo concreto y aunque presenta la situación sociopolítica del momento porque es importante en el argumento, el meollo de la película es el melodrama, la relación entre Cristina y Antonio, Conde de Pimentel.

Dado que estamos ante un melodrama, la importancia del personaje de Greta Garbo es crucial y sobre él pivota la película entera lo que le permite a ella brillar con luz propia, apoderarse de todo el interés del espectador. Su presencia en pantalla es luminosa y absorbente, en cierto modo hipnótica y de ahí que esta película la consagrara por encima de cualquier otra. Tampoco hay que olvidar la presencia de John Gilbert (Antonio), con el que se produce una química muy especial, no en vano era amante de Greta Garbo por aquel entonces y había sustituido a Lawrence Olivier en el papel por deseo expreso de la actriz.

El argumento y el desarrollo, ya digo sencillos, se centran en Suecia en el siglo XVI y en concreto en la figura de la reina Cristina que hereda el trono de su padre el rey Gustavo cuando este perece en Lutzen, en la guerra de los Treinta Años. Por entonces Suecia, protestante, está inmersa en enfrentamientos religiosos y Cristina, ya mayor de edad, recibe al embajador español Don Antonio, Conde de Pimentel, que llega a la corte sueca para proponer a la reina el enlace con Felipe IV, aunque el resultado del encuentro es otro bien distinto.

Es curioso, pese a ser una de las películas emblemáticas de Greta Garbo y haber soportado admirablemente el paso del tiempo esta película, a pesar también de su éxito (triplicando su presupuesto con ganancias), no obtuvo el reconocimiento que sí tuvieron otras coetáneas como “Sucedió una noche”, “La alegre divorciada” o “Imitación a la vida”. En cualquier caso su visión es aún deliciosa y la fuerza de sus imágenes, a menudo primeros planos de los actores, hace que no pase el tiempo por ella. Entre las escenas destacadas hay varias que permanecen en el recuerdo de los cinéfilos, como aquella en la que sin mediar palabra la reina recorre una alcoba tocando los objetos para que perduren en su memoria o ese final intenso y brillante con Greta Garbo apoyada en la proa del barco que es auténtica historia del cine.

En suma una película que si no es grandiosa, eso queda ya a gusto de cada cual, sí es mítica y un clásico indiscutible.

"Rommel, el zorro del desierto" (Henry Hathaway, 1951)

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TITULO ORIGINAL: The Desert Fox: The Story of Rommel
DURACIÓN 85 min.
PAÍS: EEUU
GUIÓN Nunnally Johnson (Historia: Desmond Young)
MÚSICA Daniele Amfitheatrof
FOTOGRAFÍA Norbert Brodine (B&W)
REPARTO James Mason, Cedric Hardwicke, Jessica Tandy, Luther Adler, Everett Sloane, Leo G. Carrol
PROCDUTOR: Nunnally Johnson
PRODUCTORA 20th Century Fox

Henry Hathaway, uno de los grandes directores de todos los tiempos y quizás menos valorado de lo que debería pese a grandes títulos como “El beso de la muerte” (1947), “Niágara” (1953), “El jardín del diablo” (1954), “El fabuloso mundo del circo” (1964), “Los cuatro hijos de Katie Elder” (1965) o “Valor de ley” (1969), firmó en 1951 una película sobre los últimos días de la vida de Rommel con espíritu histórico e intención aleccionadora y un tono a medio camino entre el biopic, el género bélico-histórico y el pseudodocumental.

Rommel fue y es la figura más apreciada del régimen nazi de Adolf Hitler tanto por su importancia militar como por el injusto final que sufrió a pesar de sus méritos. Su valía contrasta con la fatalidad de su destino y refleja claramente el sinsentido y la crueldad despiadada del nazismo.

Los hechos que relata Hathaway hubieran dado para un intenso drama, no obstante, el director elige una narración menos dramática en la que se realza el sentido del honor y el deber del personaje y se opta por un planteamiento pseudodocumental (hay numerosas imágenes reales de documentos bñelicos intercaladas entre las escenas filmadas para esta película) y de tono histórico sin apenas florituras argumentales de cara al público (de hecho se prefieren las escenas de interior y los diálogos políticos-militares del personaje con el alto mando o su familia que los combates en los que destacó Rommel como militar). Esta es la principal razón de que la película tenga más valor como documento que como producto de evasión, pero Hathaway ajusta adecuadamente la duración y el ritmo fílmico para que la película interese y no haga distanciarse al espectador. James Mason hace el resto con una actuación modélica que refleja el carisma y rectitud del personaje al tiempo que emociona sin apenas frases o escenas para conmover, brillante e impactante sí lo es pese a todo la despedida de Rommel de su familia y la manera en que le comunican su final.

En toda la película late el principio del führer de “vencer o morir” y demuestra el sinsentido del propio lema, de un régimen derrotado e incapaz de asumir sus propios errores y de un líder despiadado y brutal (magníficas y muy esclarecedoras todas las apariciones del líder alemán). Además se insinúa la más que posible implicación de Rommel en el complot que intentó acabar con la vida de Hitler y se señala la conexión a través de Kartl Strolin, alcalde permanente de Stuttgart por lo que la película conecta bien con la reciente “Valkiria” de Bryan Singer y protagonizada por Tom Cruise que relata el intento de asesinato de Hitler llevado a cabo por Claus von Stauffenberg en 1944.

Una interesante película que, aunque no posee la intensidad que le hubiera dado un tratamiento más dramático, posee la fuerza de la exposición de unos hechos terribles e impactantes por sí mismos por el mero hecho de ser reales y por el buen hacer de todo el reparto encabezado por un magnífico James Mason.

"Roma" (Serie TV 2005-2007)

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Género
Drama histórico
Creador
Bruno Heller, John Milius, William J. Macdonald, David Frankel, Adrian Hodges y Alexandra Cunninghan
País: Reino Unido
Productor: Bruno Heller, John Milius, William J. Macdonald, Franck Doelger, Anne Thomopoulos y John Melfi
Duración por episodio: 55 minutos
No. de episodios: 12 (primera temporada)10 (segunda temporada)
Producida por: HBO y BBC
Reparto: Kevin McKidd (Lucio Voreno)Ray Stevenson (Tito Pullo)Ciarán Hinds (Cayo Julio César (personaje de Roma)Cayo Julio César)Kenneth Cranham (Pompeyo)
Fecha emisión:
28 de agosto de 2005 (EE.UU)13 de diciembre de 2005 (España) – 7 de enero de 2007 (EE.UU)

La verdad es que es inagotable la capacidad de sorpresa que atesoran las series de televisión que se hacen hoy en día. Cuando crees que has visto el no va más, de pronto encuentras otra serie que te deja boquiabierto y así viene siendo desde hace años (Sí Vic, aún no he visto “How I meet your mother” pero tampoco “24”, “Los Soprano” o la tercera y cuartas temporadas de “House”).

Estos días he estado viendo “Roma”. Mi primo Fernando, mi “gurú” personal de series después de la recomendación de “Doctor en Alaska” que nunca podré agradecerle suficiente, me dijo que ni se me ocurriera perdérmela y ahí he estado y estaré con la segunda temporada que veré en breve. La verdad es que es otra serie grandiosa de esas que apasionan y creo que aún me queda ver lo mejor según me han contado.

“Roma” se centra en la historia de la ciudad italiana allá por el siglo I. antes de Cristo y relata los hechos que rodearon los mandatos de Julio César y Octavio Augusto, el meollo mismo del esplendor romano.

La producción corre a cargo de HBO y la BBC que han hecho un sensacional trabajo de ambientación procurando en todo momento ser lo más fieles posibles a los hechos de la época y a la ambientación de la misma. De hecho lo que más sorprende de la serie es su minuciosidad con los pequeños detalles y su esfuerzo por ser realista. No se ocultan por ello los aspectos más sórdidos de la condición humana en lo referente a sexo, violencia o corrupción y se trata de ser lo más fieles posible a la época, eso sí, con un cuidadísimo diseño de producción que se nota en decorados, vestuario o fotografía.

Pero aunque las mejores virtudes de esta serie tienen que ver con la recreación de la época, pienso que lo que la hace redonda son sus guiones y el tratamiento de los personajes. El planteamiento de partida es magnífico porque la serie se centra en hechos históricos relacionados con Julio César y Octavio Augusto, pero los verdaderos protagonistas son plebeyos, dos legionarios, Lucio Voreno y Tito Pullo, con lo que la serie puede hacer un retrato profundo y amplio de la sociedad romana alternando según interese entre la realidad socio-política o las inquietudes personales de los protagonistas. Me parece un gran acierto porque se alterna el drama histórico con el drama cotidiano de dos personajes con los que se identifican los espectadores porque vienen a ser prototipo del “hombre de la calle” en aquellos tiempos, lo que seríamos la mayoría de nosotros de vivir en aquella época.

Los actores, todos ellos, están inmensos y la interrelación entre los mismos, los odios, las pasiones, las intrigas son por ello mucho más intensas. La primera temporada alcanza momentos de máxima calidad gracias a ello en sus últimos episodios donde varias escenas se convierten en inolvidables como la lucha de Pullo en el circo romano al grito de “¡¡¡¡¡Decimotercera!!!!” o el final de Julio César en el Senado y no digo más porque hay que verlo. A lo largo de la serie hay muchas más.

Quizás aquellos que esperen ver grandes despliegues bélicos como los que se ven en otras películas tipo “Gladiator” queden un poco decepcionados porque aquí no es que no los haya, es que se evitan. No vemos vencer a Julio César a los galos, ni a los ejércitos de Pompeyo, ni vemos esa magna grandiosidad de películas como la “Cleopatra” del Hollywood clásico porque la serie, de tener algún referente cinematográfico sería en todo caso el “Julio César” de Marlon Branco y Joseph L. Mankiewicz (grandiosa película por cierto). A cambio hay una mayor sensación de verismo y donde la serie es grande es en las intrigas, en los diálogos, en las miradas y silencios o en escenas en interiores donde cada frase va cargada de dobles intenciones o cada actuación de los personajes es una calculada maniobra en un magno ajedrez de intereses.

En cualquier caso lo que a mí me ha atrapado por completo y creo que será así para la mayoría de espectadores es la historia de Lucio Voreno y Tito Pullo, su relación de amistad y todo lo que les acontece y rodea. Intensa, conmovedora y se hace muy cercana, muy próxima, en el sentido de que se logra entender gracias a ellos lo que fue ser ciudadano romano o, mejor dicho, legionario.

No os la perdáis si tenéis ocasión y ¡¡¡¡VIVA LA DECIMOTERCERA!!!!